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ROADBURN 2018: ASÍ LO VIVIMOS

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El Roadburn nació en 1999 como un mini-festival de un día. Tras un breve flirteo con Eindhoven, desde 2005 se asentó definitivamente en Tilburg y empezó a ganar en tamaño, popularidad y prestigio. Las ediciones de 2009 a 2012 fueron sold-out en 45, 30, 17 y 7 minutos respectivamente. En la actual, a pocas semanas del arranque, también colgaron el cartel de “no hay billetes”. Un festival pequeño (unas 4000 entradas), urbano (seis salas), cómodo (todo en el centro de la ciudad) y -por encima de todo- muy bien organizado. Cuatro días de música con casi un centenar de bandas representantes de las escenas metal, psicodélica, experimental y underground en un cartel muy cuidado y en el que había mucho a descubrir. Imposible abarcarlo todo y muchos artistas que nos gustan se tuvieron que quedar fuera. La hoja de ruta podría haber sido totalmente diferente y el resultado igualmente satisfactorio. En cualquier caso, esto es lo que vimos y así se lo contamos…

(clic para ir a día 2: Viernes              día 3: Sábado                 día 4: Domingo)
 

 


DIA 1: JUEVES


 

El concierto de apertura de la sala principal suele ser algo de altos vuelos. En los dos años precedentes (este era sólo nuestro tercer Roadburn) Cult of Luna y Crippled Black Phoenix dieron sendos conciertazos. Para esta ocasión la organización planteó algo nunca visto. Dos bandas finlandesas, Dark Buddha Rising y los enormes Oranssi Pazuzu (mejor concierto de la edición 2017 en mi humilde opinión) unidas bajo el nombre de Waste Of Space Orchestra, para hacer un set de una hora creado única y exclusivamente para el festival (detalles en inglés aquí). El resultado al principio fue demasiado abrumador. Entre las dos baterías, el aluvión de guitarras, las voces guturales, los teclados y los efectos espaciales, servidor andaba algo perdido.  Sin embargo, con la salida a escena del vocalista Marko Neuman, en el papel de “The Possesor”, todo cobró un sentido. Con su larga cabellera cubriéndole el rostro cual -como bien apuntaba nuestro redactor Irra Villares- “niña de The Ring”, lo cierto es que su irrupción en la tarima del 013, con una voz sobrenatural que nos puso la piel de gallina, fue igual de impactante que el momento en que la criatura sale del televisor en el film. Con un Neuman en estado de gracia y capitaneados por Juho Vanhanen, los diez nórdicos dieron una segunda parte de concierto memorable.

 

27 grados con un sol de justicia no debe ser muy habitual por Tilburg en Abril. Hacía falta un refrigerio y qué mejor acercarse hasta la barra de Het Patronaat para ver un rato a Khemmis, una banda de doom melódico que sorprendió para bien en directo, con un sonido más crudo que en sus grabaciones de estudio.

Sin tiempo que perder, de vuelta a la principal pues vienen varios imprescindibles seguidos. El primero de ellos Earthless. La fabulosa jam band de San Diego volvía al festival en el que 10 años atrás grabó su mítico Live at Roadburn. Y lo hacían como artista en residencia (tres bolos) y como patriarcas de la escena de su ciudad, trayéndose bajo el brazo a nada menos que ocho bandas en lo que ha sido un pequeño festival llamado “San Diego Takeover”. Poco nuevo se puede decir de Earthless en directo a estas alturas. Con Mike Eginton como metrónomo/timonel, Mario Rubalcaba pone la energía e Isaiah Mitchell la clase. Arrancaron con el clásico “Uluru Rock” para a continuación repasar su reciente Black Heaven (Nuclear Blast, 2018), un álbum con temas de duración mucho más reducida de lo que en ellos es habitual y con un Mitchell a la voz en varios.

 

Ganas de ver a los noruegos Årabrot, pero era necesario algo de reposo antes de afrontar el plato fuerte del día, Converge haciendo The Dusk In Us (Deathwish, 2017). A Jacob Bannon le costó encontrar su voz, una voz que es limitada pero que compensa con creces con su actitud brutal en escena. Por otra parte los de Boston siguen la mala tendencia de otras grandes bandas (los mismos Neurosis, por ejemplo) de hacer la primera parte del concierto a un volumen “moderado” y solo tocar “al 10” la segunda. Con todo ello, la primera mitad del bolo, que debería haber sido demoledora, se quedó en disfrutable. Sólo a partir de “Wildlife” aquello tomó cariz de cosa muy seria y se vivieron grandes momentos.

 

La idea tras Converge era intentar hacerse un hueco en la Green Room, donde ya estaba tocando Ex-Eye, pero como era de prever, Stetson, Fox y compañía tenían la sala llena hasta la bandera. Momento de recuperar energías antes de presenciar a Cult of Luna & Julie Christmas interpretando Mariner (Indie Recordings, 2016). Un lujo absoluto para los sentidos vivir en directo en la 013 temazos como “A Greater Call”, “Chevron” o “The Wreck of S.S. Needle”.

Tras los suecos con la neoyorquina había tiempo para dar un paseo y comprobar cuánto se tarda desde el epicentro del festival hasta las dos salas que debutaban este año. La más alejada, Hall of Fame, es un pequeño cubículo dentro de una nave situada a unos ocho minutos del 013. Apetecía ver a Horte, una joven banda finlandesa de shoegaze/dream pop, pero el calor allí dentro era realmente agobiante e hizo desistir. La otra, Koepelhal, es una enorme nave de ladrillo y techo abovedado, dividida entre una gran zona para los conciertos (que no se iniciaban allí hasta el día siguiente) y el área de merchandising y exposición de carteles. Con el precioso póster del festival en mano, rumbo de nuevo a Weirdo Canyon para afrontar la parte final del día.

Weedeater, un trío americano de sludge/stoner algo gamberro pero ejecutado con mucho oficio. La música que me imagino sonando en el taller mecánico de Giro al infierno (Oliver Stone, 1997) mientras el genial personaje encarnado por Billy Bob Thornton vacila a sus clientes. Durante un rato -bastante divertido- y a un volumen atronador les vimos repasar los primeros temas de su Good Luck And Good Speed (Southern Lord, 2007). Pero también había que ver, sí o sí, a una de las bandas de San Diego, Harsh Toke. Ya estuvieron en la edición anterior, haciendo nada menos que un set de versiones del gran Roky Erickson, pero por los malditos solapes no pudo ser. Era pues una cuenta pendiente y resultó ser un acierto total. La media hora larga que les pudimos ver fue una jam de un nivel altísimo, un bolazo tremendo para acabar el día con sonrisa de oreja a oreja.

 

 

 


 DIA 2: VIERNES


 

Con las seis salas funcionando simultáneamente y un cartel de aúpa hubo que tomar decisiones dolorosas. El objetivo prioritario era ver a Panopticon en lo que fue una iglesia y ahora es Het Patronaat, un lugar precioso pero donde conviene tomar una posición cercana al escenario, tanto por visibilidad como por acústica. Además se intuía llenazo. Así que no quedaba más remedio que hacerse fuerte en la sala desde primera hora. El primer sacrificio, perderse a los noruegos Motorpsycho, que hacían un set de dos horas. El segundo, los canadienses Comet Control y su psicodelia espacial. Pero la alternativa tampoco era nada mala…

Jonathan Hultén, guitarrista de los metaleros Tribulation y autor de un espléndido EP en solitario de título The Dark Night Of The Soul (Reflections, 2017), que se abre con un tema de rock acústico para a continuación discurrir por un folk con matices góticos que seguramente guste  a los fans de Nick Drake.  El sueco, que apareció en escena con vestido, peineta y maquillaje de lo más llamativo, dio un concierto breve y -tan sólo- correcto. Tiene voz y talento para mucho más.

 

Acto seguido Panopticon que, para quienes no lo conozcan, es el alias de Austin Lunn, multi-instrumentista y geniecillo que lleva grabando álbumes él solito (lo toca todo) desde hace 10 años. Los últimos, Kentucky (2012), Roads The North (2014) y –mención especial- Autumn Eternal (2016), de un nivel altísimo. En ellos encontramos desde bluegrass  hasta black metal (mucho), pasando por partes instrumentales que podrían llevar la firma del mismísimo Angelo Badalamenti. Todo ello aderezado con muchas dosis de post-rock. La duda estaba en cómo iba a salir del doble envite (actuaciones viernes y sábado), pues Panopticon hasta el año pasado ha sido un proyecto estrictamente de estudio. El sr. Lunn, muy aficionado a perderse por la naturaleza salvaje de sus tierras y bastante dedicado a la cervecería que regenta, no hacía actuaciones en directo. Hasta 2017, para lo que por supuesto tuvo que hacerse con una banda. Puestos ya en situación, cinco de la tarde en Het Patronaat y por delante un set de 100 minutos para presentar su recientísimo The Scars Of Man On The Once Nameless Wilderness (Nordvis/Bildrune, 2018), dos horas de música divididas en dos álbumes, el primero black metal de influencias nórdicas y post rock con temazos marca de la casa como “En Hvit Ravns Død”, y el segundo una maravilla que por simplificar vamos a etiquetar como americana. El concierto arranca con Austin solo al banjo, después coge la acústica, se le van uniendo poco a poco miembros de la banda, tras la preciosa “At The Foot Of The Mountain” cambia a la eléctrica, piel de gallina en “Not Much Will Change When I’m Gone” y “A Cross Abandoned”. Tras la bella “The Moss Beneath The Snow” llega el momento de la caña con cuatro cortes de la parte black metal y dos antiguas (“Oaks Ablaze” y “Watching You”) como regalo. Conciertazo para el recuerdo.

 

Tras lo de Panopticon el cuerpo pedía retirarse a casa y paladear lo vivido el resto del día. La cosa se quedó en 10 minutos tomando el “fresco” pues venía otro bolo al que se le tenía muchas ganas. Thom Wasluck aka Planning For Burial. El juanpalomo de Matawan, con su caja de ritmos, algún que otro sample y creando capas y más capas a base de loops dio una clase magistral de shoegaze, post-todo, ambient o lo que ustedes quieran. Abrió con “(something)” y, aunque rescató algún tema de sus álbumes anteriores (para centrarse en ellos tenía otro bolo el día siguiente), dedicó gran parte de su hora de actuación a su último largo, Below The House (The Flenser, 2017). Con “Warmth Of You” se acabó de ganar a los pocos escépticos que había en una Het Patronaat abarrotada y, el cierre de concierto, con el que quizás sea el mejor tema del disco, “Dull Knife Pt.II”, fue la guinda perfecta al segundo bolazo del día.

 

Había mucho interés en ver a los polacos Furia, pero solapaban por delante con Planning For Burial y por detrás con Converge. Además tocaban en un escenario aún por explorar, el Koepelhal. Converge por su parte tocaban en el 013 y por si fuera poco haciendo íntegro otro de sus álbumes de culto, You Fail Me (Deathwish, 2004). Caballo ganador.

Con la voz de Bannon sonando mucho más nítida que el día anterior, los de Boston hicieron una vez más honor a su estatus y desgranaron trallazo tras trallazo hardcore con la precisión de un reloj suizo. La misma historia del volumen algo capado la primera mitad de concierto evitó que esa parte la disfrutara del todo. Pero a diferencia de The Dusk In Us, la segunda parte de You Fail Me, si no superior a la primera, mínimo está a la par. Así que tras la calma de “In Her Shadow”, lo que vino a continuación puso los cimientos de la sala a prueba, con “Death King” quizás como momento estelar.

 

Ya es noche cerrada en Tilburg cuando llega el momento de Godflesh interpretando Selfless (Earache, 1994). Esto ocurre gracias a Jacob Bannon, encargado de programar la sala grande el viernes y la Het Patronaat el sábado. La mezcla de industrial, electrónica, riffs pegadizos y metal de este álbum de los británicos es uno de sus discos de cabecera. La presentación en vivo recreó a la perfección la atmósfera gélida, profunda y desoladora del estudio. Momentos de headbanging (“Anything is Mine”, “Crush My Soul”, “Body Dome Light”) combinados con otros más introspectivos (“Black Boned Angel”, “Emptyreal”) y que evocan más a Jesu, una de las muchas bandas de Justin Broadrick. Él a la derecha a la guitarra y voz y G.C Green a la izquierda al bajo, con la batería -como siempre- pregrabada. Como clavos hasta el final.

 

Irra Villares, enviado especial a Sangre de Muérdago, informaba que sus paisanos galegos con sus zanfoñas y su folk de fraga enmeigada se habían ganado por completo a una Het Patronaat donde no cabía un alfiler. Tocaba pues improvisar y fue el momento de visitar por fin el Koepelhal, donde fuimos testigos de la bizarrada que es Igorrr, un proyecto que tiene cosas interesantes y otras que no lo son tanto (…). La duda estaba en cómo acabar el día, si con los británicos Gallops y sus hipnóticos sintes o la propuesta de blues acelerado y psicodélico de otra de las bandas de San Diego, Joy. Tras lo de Harsh Toke el día anterior, nos decantamos por Joy y resultó ser un gran acierto. Toneladas de fuzz y wah wahs, un heavy psych a velocidad de vértigo que puso la Green Room patas arriba. Enormes.

 

 

 


DIA 3: SABADO


 

Dos de la tarde en un Koepelhal lleno (1200 personas) para ver a Bell Witch tocando Mirror Reaper (Profound Lore, 2017). Había sido testigo de su muy buen hacer en directo pocas semanas atrás en Madrid en su gira de presentación del álbum, en un formato recortado de 50 minutos, dejando fuera las partes más tranquilas y las cantadas por Erik Moggridge. Para el Roadburn, la ocasión era especial y contaban con la presencia del Aerial Ruin para poner voz a toda la parte final y, ahora sí, hacer los 83 minutos del disco en su integridad. Con el apoyo de unas proyecciones escalofriantes, Desmond, Shreibman y Moggridge dieron el concierto más emotivo de todo el festival.

 

En el 013 es la hora de Hugsjá, la particular visión de Ivar Bjørnson (Enslaved) y Einar Selvik (Wardruna) de la evolución de la música noruega a través de los siglos. Desde sonidos tribales hasta folk más contemporáneo en una puesta en escena con todo lujo de detalles y bastante bien recibida por el respetable.

Llega la prueba de fuego para Panopticon, ahora sí con la sala grande a su disposición. Tras lo de la tarde anterior las expectativas eran muy altas y por tanto la decepción resultó ser más acusada. En su descargo diremos que la retirada del ingente atrezzo de Hugsjá tomó bastante más tiempo del que suele ser habitual, por lo que la prueba final de sonido la hicieron a la carrera. Ahí ya se intuyó que la cosa no pintaba bien y la inicial “En Hvit Ravns Død” lo confirmó. En el himno que la siguió, “Into The North Woods”, la guitarra de Austin Lunn apenas se distinguía. Muy deslavazado todo. Una pena porque el setlist no era nada malo, repartido entre sus cuatro últimos álbumes. Con paciencia y la esperanza de que la cosa mejorara llegó la final “A Superior Lament”, un temazo que a la vez vale como titular de la crónica del concierto. Las cosas no siempre salen como uno quiere. La conclusión tras viernes (donde Austin Lunn llevó gran parte del peso del concierto) y sábado, o cal y arena, es que como banda de directo están aún tiernos y les queda trabajo por hacer para estar a la altura de lo que es Panopticon en estudio.

 

Tras el bajón, doble diría, que asistir a este bolo había supuesto dejar de ver a los italianos Forgotten Tomb, era necesario reconciliarse con el mundo. Planning For Burial acababa de empezar hacía escasos minutos, en el Cul de Sac, su segundo bolo del fin de semana. Los hados fueron favorables y se pudo sortear sin problemas el tapón que se suele formar en este garito para acceder a pista. Sonó “Desideratum”. Ya todo estaba bien. Insistió en el álbum de mismo nombre –que era el que menos gracia me hacía de él- y me demostró que quien se equivocaba, una vez más, era yo. Mientras con la púa en una mano se atornillaba el enganche –que se había soltado- de la cinta de su guitarra, con los pies descalzos iba grabando los loops de la final y enorme “Golden”. Muy crack Thom Wasluck, uno de los pequeños grandes triunfadores del festival. Llevaba una camiseta de Boris & Soma, nuestra próxima parada.

 

Los japos locos de Boris haciendo su debut Absolutego (Fangs Anal Satan, 1996), uno de esos discos que, aunque no te guste, conviene tener en casa para cuando los vecinos te buscan las cosquillas. ¿Tu vida es miserable desde que el piso de al lado es de alquiler vacacional por días? La solución; un subwoofer de 1000 watios y Absolutego. Sí, cuando se den cuenta que no se trata de una tuneladora abriendo en canal el edificio, llamarán a la policía. No pasa nada, tampoco tú les oirás timbrar. Por si fuera poco, para la ocasión se les une como invitado especial Stephen O’Malley, de profesión Maestro Drone y que con sus Sunn O))) ya había participado con Boris en Altar (Southern Lord, 2006).  La primera media hora de concierto fue de desarrollo lento, con escenificación teatral incluida para hacerlo más llevadero, preparando poco a poco al personal para lo que vendría a continuación, que no fue otra cosa que un crescendo drone megalítico. Cuando llegó el momento en que era imposible subir más, alzaron sus guitarras y mantuvieron esa orgía sonora de retroalimentación durante un largo rato de catarsis colectiva a través del ruido.

 

La primera vez que vi a Godspeed You! Black Emperor fue en su regreso de 2010, un festival ATP en el que además de ejercer de curators tocaron los tres días. Uno de esos casos en que los recuerdos son tan gratos que tienes miedo a que te los estropeen. No fue así. Que GY!BE es una de las bandas trascendentales de los últimos 20 años debería estar fuera de toda duda. Si a eso le sumamos el sonido de la 013, habemus bolaco. La sobria puesta en escena habitual -individuos en segundo plano para que la música y las proyecciones sean las únicas protagonistas-, tan sólo alterada por la irrupción de la danesa Mette Rasmussen para poner su saxo a dos temas de Luciferian Towers (Constellation, 2017), álbum que repasaron a fondo. Como también hicieron con el EP Slow Riot for New Zerø Kanada, que tocaron íntegramente. Sus dos largas piezas junto con la excelente “Bosses Hang” fueron lo mejor de un concierto antológico donde el colectivo de Montreal puso de manifiesto su posición de tótems dentro del universo post-rock.

 

Sin tiempo que perder rápida incursión en la Green Room para ver los últimos minutos de Sacri Monti, otra de las bandas de San Diego. Apenas fueron quince minutos, pero suficientes para confirmar las buenísimas impresiones transmitidas por su único largo hasta la fecha, Sacri Monti (Tee Pee Records, 2015). Después, a costa de sacrificar una jam session que estaba marcada en rojo (Earthless & Kikagaku Moyo) para reponer energías, había ganas de marcha y los elegidos fueron Hair Of The Dog. Los escoceses decidieron poner el Cul de Sac patas arriba arrancando el bolo con la zeppeliana “Inmigrant Song”. Las cervezas empezaron a volar y aquello fue una fiesta tremenda a ritmo de rock setentero. La guinda perfecta a un gran día.

 

 

 


DIA 4: DOMINGO


 

Aunque problemas de logística me impidieron acudir al primer concierto previsto esta jornada (el post-rock avant-garde de Wrekmeister Harmonies), cuarto de hora antes del inicio de Bell Witch estaba en la puerta de la Het Patronaat. Eso sí, para hacer cola. Increíble el tirón de los canadienses. Ni el hecho de que fuera domingo -día en el que hay bastantes menos asistentes-, ni la temprana hora a la que estaban programados, impidió que llenaran. Cuando finalmente pude acceder a la sala de las vidrieras, ya llevaban casi la mitad de un concierto en  el que, de nuevo con la participación del vocalista Erik Moggridge, repasaban colaboraciones pasadas de este último con el dúo.

 

Llega el momento de otro concierto bastante esperado, el de Hell, banda/alías del enigmático y apocalíptico multi-instrumentista  M.S.W., originario de una ciudad ya de por sí con áurea de maldita –Salem-. Viene a presentar su último trabajo, de título Hell (Sentient Ruin, 2017) y que es uno de los mejores discos de metal del año pasado. Una atmósfera angustiosa, asfixiante, voces demoníacas, gritos sobrenaturales y unas canciones que se desarrollan en estructuras no demasiado convencionales convierten este artefacto en la banda sonora del mismísimo purgatorio. En Tilburg, la banda abrió con el tema que cierra el álbum, la bellísima “Seelenlos”, que sin la voz femenina fue una especie de intro antes de que MSW y compañía se metieran en harina. Con un sonido doom más tradicional, sin llegar a plasmar del todo el desasosiego que al menos a mí  me transmite el disco, Hell dieron un muy buen concierto.

 

En la Green Room es el turno de Alda, uno de los muchos grupos que cada año descubro gracias al festival. Alda son del estado de Washington y hacen algo que llaman Cascadian black metal, un movimiento con una temática profundamente inspirada en la naturaleza. En sus temas, estos chicos con camisas de cuadros, combinan pasajes acústicos de voces limpias con partes de black metal atmosférico en unas melodías muy por encima de la media. Tienen tres álbumes, dos de los cuales –Tahoma (2011) y Passage (2015)- he escuchado muchísimo estos últimos meses. Antes de empezar hicieron una especie de corro, como conjurándose ante una oportunidad de esas que no se pueden dejar escapar. No lo hicieron. “The Clearcut”, “Tearing Of The Weave”, “Adrift”, “The Crooked Trail”, “In The Wake Of An Iron Wind”… gran concierto de un grupo a seguir.

 

Segunda velada con Godspeed You! Black Emperor. Hora de disfrutar de nuevo de unas proyecciones analógicas alucinantes y un sonido de auditorio. El repertorio no fue del todo distinto al de la jornada anterior, ya que repitieron las dos piezas de Luciferian Towers donde participa la saxofonista danesa. Quizás el único pero que se le pueda poner a los Menuck, Pezzente, Moya y compañía, básicamente porque tienen temas bastante mejores. Un pero muy pequeño en todo caso, ya que no se olvidaron de álbumes clásicos como F#A#∞ (1997) o Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas to Heaven! (2000) y,  en momentos como “The Sad Mafioso”  o “Monheim”, los canadienses nos hicieron tocar el cielo.

GosT es el elegido para poner broche final al festival. Dentro de la onda synthwave/horror synth, toma el testigo de Perturbator y Carpenter Brut, representantes del género en la edición anterior. Ataviados como dos espectros de Tolkien, comparecen en escena GosT y su maestro de armas, cuya única misión durante todo el bolo consiste en sostener una calavera entre las manos, hacer de pedestal humano de guitarra y -no menos importante- permanecer inmóvil. El único en toda la sala, porque el americano alternando guitarra-synth con teclados (o las dos cosas a la vez) y con un directo bastante contundente, convirtió la repleta Green Room en una pista de baile con pogos incluidos. Sorpresa muy grata.

 

Reunión final con el resto de la comitiva desplazada este año a Tilburg durante los últimos momentos de los chinos Zuriaake, encargados de cerrar la programación de la 013, antes de tomar una cerveza de despedida en el Cul de Sac con Bison sonando de fondo. Cuatro días espectaculares en un festival que se hace querer y todo ello en una compañía inmejorable. La tristeza del adiós paliada por el anuncio de las fechas de la próxima edición. Allí estaremos si nada lo impide.

 

 

EBROVISIÓN 2018 INCORPORA OCHO NUEVOS NOMBRES A SU CARTEL

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La próxima edición del Ebrovisión, organizado ininterrumpidamente por la Asociación Amigos de Rafael Izquierdo desde el verano de 2001, que tendrá lugar los días 30 y 31 de agosto y 1 de septiembre en Miranda de Ebro (Burgos) acaba de incorporar 8 nuevos nombres a su cartel.

Ron Gallo, La Habitación Roja, Viva Suecia, Modelo de Respuesta Polar, Revel In Dimes, La Plata, Vulk y Carolina Durante se suman a la 18º edición del festival, que ya ha confirmado anteriormente a Lori Meyers, Superfood, La Casa Azul, La M.O.D.A., Los Bengala, Quentin Gas & Los Zíngaros y Texxcoco.

El festival que ha registrado tres sold-out consecutivos gracias a unas señas de identidad que lo hacen diferenciarse de otros grandes nombres. Cartel diferenciador y de calidad contrastada, comodidad, cercanía, pasión, cero colas (¿hay algún otro festival que pueda alardear de lo mismo?), camping gratuito con servicios de verdad, transporte interno gratuito para todos los asistentes del recinto al centro y a la zona de acampada son valores que han convertido a Ebrovisión en referente imprescindible del panorama nacional, con identidad propia y un público fiel.

Por si esto fuera poco la Muestra Gastronómica, Ebropeque, exposiciones, mercadillo, Festival Internacional de Cortos, conciertos gratuitos, distribuidos por toda la ciudad, sesiones de dj’s en los lugares más insospechados y muchas otras sorpresas hacen que Miranda de Ebro se convierta durante tres días en una auténtica fiesta de la música y de la cultura. Si no os lo creeis aquí os dejamos el resumen en forma de vídeo de los tres días que pasamos el año pasado en el Ebrovisión de la mano de nuestros amigos de Six Producciones.

 

Ebrovision’17. Vol. I – Jueves 31 de agosto

 

Ebrovision’17. Vol. II – Viernes 1 de septiembre

 

Ebrovision’17. Vol. III – Sábado 2 de septiembre

JOANA GOMILA FOLK SOUVENIR

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Joana Gomila Folk Souvenir, dia 22 de novembre, a la sala petitia del Principal dintre el cicle Folk You! 2017, ens oferiren molt més que un concert. Confeso que no els havia sentit ni una sola vegada i que, després d’escoltar-los, no serà la darrera. Telonejaven Martin Simpson, que essent també un gran del folk, és un altra rollo.

En concert va esser un espectacle memorable i emocionant, dadaista i arcaic, innovador i ancestral, enèrgic i sensible, eteri i concret, ambiental i localitzat. Tot alhora! I això és molt. L’actuació, se’ns va fer insuficient per abastar tot el que se’ns va oferir.

S’inicià la sessió amb la incorporació progressiva dels músics (contrabaix, bateria i percussions, teclats i guitarra… bé… i un ocellet mecànic). Després aparegué ella amb un reproductor de cassette portàtil a la mà, reproduint una tonada del nostre cançoner més nostrat. Ella és impossible que en tengui coneixement, perquè crec que no hi ha cap document audiovisual i probablement no hagués nascut encara, però això mateix li vaig veure fer a n’en Jaume Sisa ja fa molts d’anys, no recordo si a un Selva Rock o a Ca’n Picafort. Va comparèixer totalment folrat de paper de plata i una veu llunyana, com la que duia en la mà Joana, li sortia no sabiem d’on. Duia un radiocassette Phillips penjat davall de la cuirassa cromada que finalment va mostrar esbutzant el vestit d’astronauta.

A Joana, les veus que venen de molt enrera i de molt lluny, l’acompanyaren durant gairebé tot el concert, de forma majoritària en enregistraments originals (beneïda locura la d’Alan Lomax). Joana va retornar a la vida un caramull de fantasmes que per sort mai han acabat d’esvair-se i que, de tant nostres que són, no sabríem viure sense ells. Ens fan companyia i ens recorden qui som i d’on venim. Por no en fan, però vertigen si. Referències se’ns venen moltes al cap, de glossadors morts i vius, de John Cage, de Stockhausen, de músiques ètniques de països d’orient, d’Antònia Font, de Nusrath Fate Ali Khan

Sa Cançó de ses transformacions, el So de Pastera, Sa Ximbomba, la Cançó des Desbarats, la Tonada des Segar, la Tonada des Ventar damunt s’Era, la Tonada de Sa Son i la Tonada de Collir Olives, entre d’altres, varen esser s’excusa perquè Joana i el seu grup, anés molt més enllà d’una reproducció ortodoxa i acurada d’aquestes tonades, d’altra banda prou conegudes. En aquest sentit comparteix el mateix afany que va dur a Miquel Brunet a enregistrar el també magnífic i arriscat “Ferments”. La idea és clara, si el rock i el jazz són fills il.lustres de la música negra més popular, perquè no generar descendència de les nostres arrels també més ancestrals, fins allà on arribi la memòria acumulada del poble i fins allà on siguem capaços de projectar-la cap al futur. Vist així, la transgressió és fins i tot una necessitat per la supervivència. Ella ho digué i, a més, està enregistrat al seu primer volum (que va esser el que varen tocar i dramatitzar al concert): “el folklore no és per veurer-lo o per sentir-lo, el folklore és per viurer-lo”.

La veu de Joana Gomila és una veu nova, clara, intel·ligent, neta i potent, molt potent. I no parlam només de volum. La seva veu plana per sobre els penya-segats del Rafal d’Ariant i per sobre el rostoll de Maria de la Salut, rodola per les marjades de Deià i es banya els peus a la mar de la Cala Sant Viçens, roman a l’ombra d’una alzina al boscos de Sant Miquel i corre per les garrigues d’Artà, rodola com un mac de torrent per Coanegra i salta pel Freu, se bat sobre una era de Sant Joan i balla a la plaça de Manacor.

Joana Gomila Folk Souvenir eran ja una necessitat i ens han regalat un miracle.

 

50 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE SITGES: TOMA 2 Y PALMARÉS

en CINE Y MÚSICA/FESTIVALES por

El palmarés de Sitges de este año 2017 se puede ver accediendo a este enlace.

Un palmarés que coincide en su mayoría con el palmarés de Notodoesindie. “Thelma”, como premio del público y mejor guión, mejor interpretación femenina para Marsha Timothy por la soberbia Marlina the Murderer in Four Acts” y mejor fotografía para “A Ghost Story”.

Viernes, 13 de octubre

“Killing Ground” es la ópera prima de Damien Power. Un survival horror film en la línea de “Eden Lake” de James Watkins. Ambas óperas primas de ambos directores, que en distinto nivel de crueldad nos enseña las debilidades y amenaza a las que se someten diferentes parejas que se introducen en lo angosto de un bosque. Homo homini lupus podría ser un preciso resumen para las atrocidades que se reflejan en “Killing Ground”. Unos actores sobresalientes y una banda sonora chirriante crea una atmósfera que hará que nos pensemos dos veces acampar en la selva Australiana en algún momento de nuestra vida. Incluye versiones inquietantes de “El Condor pasa”, de Simon & Garfunkel.

Podéis ver el trailer de Killing Ground haciendo click aquí.

Sábado, 14 de octubre

“What happened to Monday” de Tommy Wirkola (“Dead Snow”, “Hansel & Gretel”), es un relato distópico interpretado magistralmente por Noomi Rapace y Willem Dafoe, que hace aguas en su guión. Un buen planteamiento que finalmente deriva en una decepción ante lo abrupto e increíble de su final. Christian Wibe, quien compuso la banda sonora para “Dead Snow” también, firma una banda sonora apropiada para la película y con notas de la mejor ciencia ficción. Una película que merece la pena ser vista con pocas expectativas de inicio.

Podéis ver el trailer de “What happened to Monday” haciendo click aquí.

Domingo, 15 de octubre

Y finalmente, qué decir de la fantástica “A ghost story”, de David Lowery (“Ain´t them bodies loving saints”,”Pete´s Dragon”). Protagonizada por una pareja con una química cinematográfica fuera de lo normal y a quienes David Lowery había dirigido previamente, Casey Affleck y Roonie Mara, “A ghost story” es una historia sobre la enormidad del tiempo y cómo a escala humana es tan difícil de comprender en términos absolutos. En muchos aspectos, “A ghost story” es una historia que no habíamos visto antes. Primero, por la complejidad de la composición de sus planos (podemos ver cómo afecta que David Lowery también sea editor) y segundo por la estética y técnica usadas. Grabada en 1.33 : 1 con una Arri Alexa, otorga a la película un halo de misterio y atemporalidad. Pero es una película sobre la que es mejor no saber nada antes de verla- con lo cual os invito a verla y después ver algunas entrevistas con su director como ésta.

La banda sonora, compuesta por Daniel Hart, es una obra maestra en sí misma. Podréis apreciar la naturaleza editora de Lowery, ya que muchas veces los planos parecen compuestos a través de la música. Altamente recomendable para un e incluso un segundo visionado. Una joya de nuestro año cinematográfico.

Podéis ver el trailer de “A ghost story” haciendo click aquí. 

 

 

50 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE SITGES – TOMA 1

en CINE Y MÚSICA/FESTIVALES por

Un año más, rodeada de zombies y extrañas criaturas de todos los lugares del planeta que a duras penas aguantan entre película y película desde las 8 a.m. hasta los trashy maratones que comienzan a la 1 a.m. Actores y directores amigos y conocidos que se apuran para presentar su último esperado estreno.

Lunes, 9 Octubre 2017

Recién aterrizada y con sed fílmica, el primer visionado será “Rabbit”, la ópera prima de Luke Shanahan. Un interesante thriller psicológico compuesto en dos partes diferenciadas, separadas por la misma pantalla en rojo que vemos al inicio del film. Maude siente que Chleo, su hermana gemela, sigue viva. Emprenderá una búsqueda guiada por los pasos de sufrimiento y dolor que su hermana parece estar sintiendo en paralelo. Un film estéticamente interesante y potente para ser una ópera prima. En las Q&As una vez finalizado el pase de la película, Shanahan explicó al público que la banda sonora de la película está tan presente porque quiso e manera intencionada mostrarla como un personaje más.

Hablaremos también de “Wind River”, que fue proyectada el pasado fin de semana en el Festival Fantástico de Sitges. Aunque no la vimos en Sitges, tuvimos la oportunidad de verla anteriormente y por ello dejaremos nuestra reseña. Taylor Sheridan, el guionista de “Sicario” de Denis Villeneuve y “Hell or high water”, de David MacKenzie se abre paso en la dirección con una cinta que explora de nuevo los territorios fronterizos que inició en los guiones de las películas previamente mencionadas. Una primeriza agente del FBI se adentra en una reserva india para investigar el descubrimiento de el cadáver de una niña en la nieve. Lo cruento e inhóspito de la propia naturaleza no deja lugar para ningún tipo de orden o ley externa. La banda sonora original, de Nick Cave y Warren Ellis, es un deleite para los sentidos.

Escuchar la banda sonora de Nick Cave & Warren Ellis aquí. 

Martes, 10 de Octubre de 2017

“Thelma” de Joachim Trier (“Louder than bombs”, “Reprise”), se erige como una de las cintas favoritas del festival. Podemos entender el por qué. El director noruego narra la historia de una adolescente criada en una conservadora y extremadamente católica familia noruega, quien descubrirá el amor y unas habilidades sobrenaturales que hasta ese momento desconocía. Una película extremadamente recomendable con un elevado nivel actoral y técnico. Eili Harboe protagoniza la película, que abrió el 45º Internacional Film Festival Noruego en Haugesund.

Haciendo click aquí podéis ver el teaser trailer subtitulado en español e inglés.

Entre la banda sonora de la película podemos escuchar Feral Love, de la fantástica Chelsea Wolfe.

Miércoles, 11 de Octubre de 2017

“Marlina, the murderer in four acts”, película indonesia dirigida por Mouly Surya, la cual retrata, según la propia directora “un área de la Indonesia pobre, que ya que Indonesia lo es, muestro una de las áreas más deprimidas en esta película”. Una historia deliciosamente feminista con toques de humor negro y un tono western en su fotografía que satisfará a los paladares más selectos. Mención especial a la banda sonora de Zeke Khaseli y Ydhi Arfan, la cual recupera el espíritu de Morricone, que termina de conformar lo excepcional de la cinta.

Haciendo click aquí podéis ver el trailer oficial de “Marlina, the murderer in four acts”.

“My friend Dahmer”, película basada en el cómic homónimo de John “Derf” Backderf y que relata la historia real de su amistad con Jeffry Dahmer, un adolescente sumido en el alcoholismo y la marginación adolescente, quien acabaría siendo el Caníbal de Milwaukee, uno de los más feroces depravados sexuales y asesinos en serie de Estados Unidos. Una cinta esperada y dirigida brillantemente por Marc Meyers, la cual nos recuerda en varias ocasiones a la atmósfera asfixiante de “Elephant” de Gus Van Sant o estéticamente a “Napoleon Dynamite”, de Jared Hess.

Haciendo click aquí podéis ver el trailer de “My friend Dahmer” con subtítulos en español.

Concluimos la jornada con”The wall” de Dough Liman (“The Bourne Identity”). Un thriller bélico psicológico en una sola localización, consiguiendo una atmósfera inquietante y casi de terror psicológico, se conforma como una mortal partida de ajedrez en la que cada movimiento cuenta. Notable la declamación de “El Cuervo” de Edgar Allan Poe en medio del conflicto bélico. Parte de a banda sonora está compuesta por Kenneth “Babyface” Edmonds, compositor de “El Club de la Lucha” y “Dos policías rebeldes”, entre otras.

Haciendo click aquí podéis ver el trailer de “The Wall” con subtítulos en español.

¿Y si nos vamos al EBROVISIÓN 2017?

en ARTÍCULOS/FESTIVALES por

Ese día, como cualquier otra tarde de verano, se encontraban los dos frente a una cerveza esperando que el ventilador, en su rutinaria ida y vuelta, volviese a pasar por ellos para apaciguar un poco el calor del ambiente.

– ‘Este año para mi cumpleaños podríamos ir al Ebrovisión’ dijo él, de repente, con una sonrisa de entusiasmo en la cara.

– ‘¿A eurovisión?’ le preguntó su amigo extrañado de ese cambio de registro en los gustos musicales.

– ‘No, a EBRO-VISIÓN. Un festival de música que se celebra en Miranda de Ebro.

Su amigo en ese momento saco el móvil y consultó en Wikipedia allí leyó que ‘Miranda de Ebro es un municipio y ciudad de España, ubicado en el norte del país, perteneciente a la provincia de Burgos, en la comunidad autónoma de Castilla y León. Está situado en la comarca del Ebro, al noreste de la provincia, junto a los límites con Álava y La Rioja. Cuenta con una población de 35 922 habitantes (INE 2016), y es la segunda ciudad más poblada de la provincia tras la capital.

En el plano económico tiene un marcado carácter industrial y es un importante nudo de comunicaciones, especialmente ferroviario. ​ La industria química, alimentaria y aeronáutica son sus máximos exponentes.’

Parecía que una vez más Wikipedia no daba la información completamente pues desde el 2001 se viene organizado ininterrumpidamente por la Asociación Amigos de Rafael Izquierdo EBROVISIÓN, un festival que desde entonces va creciendo en propuestas y calidad llegando a congregar (el año pasado) más de 18 mil personas.

Todo la situación descrita anteriormente fue la que ha provocado que este este año Notodoesindie (o al menos una representación) viaje hasta Miranda de Ebro, del 31 de agosto al 2 de septiembre, para contaros lo que se cuece en la localidad burgalesa donde se darán cita bandas como Love os lesbian, Nada Surf, León Benavente, Rufus T. Firefly, Sidonie, Luis Brea y el miedo, Biznaga, Kuve, Cala Vento. Uno de los platos fuertes del festival nos encontramos la única actuación en España de Ty Segall.

La representación mallorquina en el festival, además de la nuestra, correrá a cargo de The Wheels que suman Miranda de Ebro a la larga lista de bolos realizados en este su Year of the monkey.

Además el festival ha querido jugar a las adivinanzas y ha programado un grupo sorpresa del que únicamente se han dado dos pistas:
1.- Es un grupo referente dentro de la música indie española.

2.- Llevan más de 20 años de carrera.

Nuestra apuesta es La habitación roja, habrá que esperar hasta el dos de septiembre para despejar las dudas.

 

Si os animáis a acompañarnos las entradas por día las tenéis desde 22€ en ebrovisión.com

 

En el próximo artículo repasaremos las 5 bandas que no pensamos perdernos (y que vosotros tampoco deberíais), hasta entonces os dejamos la playlist oficial del festival para ir abriendo boca.

IDÒ Fest (29 de julio – Inca)

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IDÒ FEST, el festival alternativo de música Indie, Rock y Eléctronica que combina la presencia de grandes nombres y grupos emergentes.

El evento que en colaboración con el ayuntamiento de Inca celebra su segunda edición presenta su cartel completo este miércoles 17 de mayo, con un plantel de grandes nombres, así como de figuras del panorama indie emergentes, que sitúa al IDÒ Fest como una de las grandes fechas del panorama festivalero de la isla.

El evento se celebrará en los cuarteles del General Luque, aumentando así su aforo respecto a la primera edición celebrada en la ciudad de Palma. Habrá dos escenarios, uno dedicado al pop/rock y otro a la electrónica.

De entre los nombres cabe destacar a Triángulo de Amor Bizarro, grupo que ha cosechado grandes éxitos y premios en su último trabajo, Aeroplane, máximo exponente de la “cultura de club” con su electronic cosmic disco o Amatria, que vendrá con trabajo recién estrenado. La propuesta se completa con nombres locales como Go Cactus, que fueron uno de los ganadores del pasado OFF Sant Sebastià, Odio París (Barcelona), Ben Pearce, y una retahíla de nombres locales y nacionales de renombre.

La propuesta se completará con exposición de artes visuales, atracciones y oferta gastronómica a través de Food Trucks.

La entrada anticipada cuesta 15€

WWW.IDOFEST.COM

FUNTASTIC DRÁCULA CARNIVAL XI

en FESTIVALES por

“-Tenemos un refrán en la India.

-¿Si?

-Si.

-¿Bien?

-¿Bien qué?

El Guateque AKA La Risión

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Sumergirse en el mundo Funtástico es como estar dentro de la película El Guateque; diversión, confusión, pura anarquía y la máxima del “todo puede pasar” dentro de una nube narcótica que envuelve Benidorm AKA Beniyork. Me advertía una amiga que era probable que me golpease el Síndrome de Stendhal al entrar en esta cuna del bizarrismo patrio. Y la verdad es que es una ciudad que impresiona, una obra faraónica del chavolismo vertical, con esa mezcla imposible de vejez y playa.

Y una vez instalados en nuestro hotel con piscina e ingleses nos preparamos para disfrutar del Viernes y su Fiesta de Presentación.

Empezamos en el Back Stage, un Rock Bar que es punto de reunión de los Funtásticos, un sitio de Bien donde escuchar musicón y tomar unos fríos cubos de birra y desde allí ir a la discoteca Ku, auténtico santuario POP, una discoteca con forma de UFO y con piscina. Ahí lo dejo. Empezaban la jornada los patrios Aullido Atómico y su TrashRoll que contó en un tema con un invitado peludo, nuestro Hombre Lobo Internacional. A continuación la banda inglesa de hardPunk Scraper que dieron un bolo de mucha calidad.

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Más tarde la reunión de  Shock Treatment con su punk Ramoniano y posteriormente el plato fuerte de la primera nit, The Phantom Surfers, la banda norteamericana ahora con dos componentes de The Mummies en sus filas y su look de bandidos mexicanos. Empezaron con una elegante clase de surf instrumental y acabaron como una apisonadora de Rock,N,Roll. Se acaban los conciertos pero quedan horas por delante de estupendos DJ´s.

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Es sábado por la mañana y toca catar la piscina del hotel, café y a pasear por las calles de Beniyork en busca del garito de María Jesús y su acordeón y/o del local donde dará el próximo bolo Lorenzo Santamaría. Comida y siestaja para llegar a Johnny Casino 3, garajeRock astraliano con más actitud que kilos. Una de las sorpresas del Festival y uno de los mejores conciertos sin duda. Pasamos a ver a Hombre Lobo Internacional en el escenario exterior. Una actuación que mezclaba clásicos con temas propios, lentejuelas y poses. Entramos corriendo a ver el divertido final de Zelators y a coger un buen sitio para disfrutar de las Monjitas del Fuzz. Empezó el concierto con un audio donde se nos avisaba del peligro de la drogaína o se ensalzaban sus propiedades, NO me quedó muy claro. Formación con integrantes de Doctor Explosion y muchas tablas, aun así todo les salió mal, POPblemas con el bajo, los micros, etc…de todas maneras dieron un conciertazal, con Ana Curra como guest star. Inmediatamente después salían a tocar los japos Guitar Wolf y su directo en forma de Guerra Mundial. Punk ruidoso, invasión de escenario y chupas de cuero sudando. Y llegaba un momento muy esperado por el que suscribe, Young Fresh Fellows, mítica banda de Seatle que se disfruta con una sonrisa de Joker en la careto. Mención especial a las gogós en este bolo.

Es domingo y nos enteramos que el Funtastic traen de sorpresa y gratis a MFC Chicken el día siguiente. Nervios, mirar billetes de avión, bajar Santos y resignación por este orden antes de irnos al Rock Star a ver a Las Jennys de Arrollo Culebro que empezaron al grito de:” Comprad nuestro disco, maricones!!!” Demasiado alto/temprano para nuestras cabecitas, cambiamos concierto por hamburguesa…

Otra siestaja y después del oportuno carajillo a calentar motores al Back Stage,cena y a la Ku. Entramos saltando a ver a The Cavemen, banda neozelandesa de Rock,N,Roll Retard con claras influencias de The Stooges. Una estupenda actuación con baño final en la piscina por parte del bajista. Aquí tenemos que hacer un apunte y decir que por aclamación POPular el bateria era la chica más guapa del festi. Unas birras después empiezan Fuzillis y con ellos la locura. Papá e hijo, saxos vaciletas, carteles, pogos, invasión del escenario y uno de los mejores conciertos en tiempo.

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Es el momento de The Mummies y su garaje incendiario. Hicieron honor a su fama de directo salvaje y subieron la temperatura en el escenario unos cuantos grados. Literalmente. Quedaba ver quién ganaba el concurso de disfraces, para dar por terminado el Festival. Uno de las mayores diversiones reside en jugar a quién está disfrazado y quién NO. Te llevas sorpresas…

Ya lunes y a punto de coger el autobús que nos llevaría al aeropuerto nos dió tiempo a tomar una birra en la terraza de un Kebab que servía de escombrera para el mañaneo de un grupo de la Resistencia Funtástica que con pinchada incluída se resistían a que la fiesta se acabase.

Resumiendo una experiencia desbordante en todos los sentidos y muy recomendable y por poner alguna pega la poca oferta culinaria en el UFO y quizá la falta de un poco de Soul. Por decir algo.

Y ahora la pregunta:” Ustedes que son más, de Los Sonics o de Los Masonics?”

PD: Gracias a Toni y Joana por el reportaje gráfico.

49 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE SITGES – TOMA 2

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La jornada del lunes 10  de Octubre en el Festival Internacional de Sitges comienza con una de las cintas que más interesantes nos han parecido hasta la fecha. Se trata de ‘The autopsy of Jane Doe’, del director noruego André Ovredal, quien declaró en una entrevista realizada por Juan Manuel Freire (El Periódico) que “Pasé mucho miedo solamente leyendo el guión de mi nueva película, algo que no suele pasar”. Director del big hit ‘Troll Hunter’, también estrenado en Sitges en 2011. ‘The autopsy of Jane Doe’ es una película que no deja indiferente por lo envolvente de su atmósfera y ritmo y la originalidad de su guión. Un film recomendable y de factura de las más interesantes de los films vistos hasta la fecha.

Más tarde visionamos ‘The Silenced’, del director coreano Hae-Young Lee (‘The Story f Mr. Sorry, entre otras). Un interesante thriller encuadrado en el perfecto y terrorífico entorno de un orfanato coreano. Unas brillantes interpretaciones y una espectacular fotografía conforman un más que aceptable resultado. Incluso hay algunos momentos de altibajo de guión que se perdonan porque gana el conjunto. Un director muy emocionado se ganó el afecto del público haciéndose un selfie con él desde el escenario.

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La jornada del martes 11 de octubre comienza con el reestreno restaurado en 4K por J.J. Abrahams de un clásico de Don Coscarelli de 1979. Una película de culto, con un final tan increíble como infumable, pero con elementos que la dotan de la categoría de clásico sin lugar a dudas. Coscarelli estuvo presente en la presentación de la película y, entre otros, nombró al recién fallecido Angus Scrimm (‘The tall man’), a quien dedica el visionado de la película.

 

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Continuamos con el visionado de ‘Herederos de la bestia’, un interesante e imperdible documental para los amantes del cine fantástico y de terror español en general y del cine de Álex de la Iglesia en particular. Dirigido por Diego López y David Pizarro, habla del punto de inflexión que supuso ‘El día de la Bestia´en el cine de género fantástico y de terror español.  Contó con la espectacular presencia de la actriz Terele Pávez, quien también habló de ‘El bar’, la nueva película que Álex de la Iglesia estrenará en 2017.

Finalmente en Auditori se proyecta la última cinta de Paul Schrader que, en sus propias palabras antes de la proyección de la misma: “conoceréis de mi obras maestras, y ésta no será una de ellas”. Dog eat dog, su último trabajo, con un espectacular como siempre William Dafoe y un más que aceptable (en su registro) Nicholas Cage, se presenta como un film efectista mezcla entre Snatch y Reservoir Dogs, con buena factura por ser de quien es pero un resultado cuestionable. Una frase del propio Schrader resume lo que podemos extraer básicamente de ella: “me lo pasé bien haciéndola”.

Y quizá el miércoles 12 sea el día más flojo de todos los días del festival hasta ahora. ‘Blair Witch’, que se erige como la esperada secuela del acertado producto ‘Blair Witch project’, se acaba conformando con una tímida intención de hacer algo arriesgado y de calidad sin conseguirlo, cayendo en la premisa fácil de repetir lo mismo mostrando más tipos de cámara. Un punto a su favor es que mantiene la tensión y las interpretaciones de los personajes principales son bastante buenas.

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Posteriormente vemos ‘Ballad in Blood’, de Ruggero Deodato (‘Cannibal Holocaust’, ‘The house on the edge of the park’). Por el mero hecho de ser un director tan rompedor esperábamos una cinta loca, gore y despiadada… Pero se queda en una sobredosis de sexo, drogas y pinceladas gore (sin llegar a serlo). La interpretación de Carlotta Morelli, sin embargo, sostiene la historia.

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En la sesión nocturna en Auditori contamos con la presencia de Rob y  Sheri Moon Zombie, que presentan su última película, ’31’. Ambos además horas antes habían impartido una masterclass y una exposición basada en la obra de Zombie ilustra la salida de la sala de proyección. Toda una atmósfera milimétricamente preparada para unos fans que esperaban una película con su sello de autor. Un sello que en ’31’ podía haber sido, al menos, un film auténtico, desenfadado y perverso. En la línea Zombie. Pero desafortunadamente, nada de eso re refleja en una película con un argumento loco, pero no lo suficiente. Arriesgado, pero tampoco lo suficiente. Y unos personajes locos, pero tampoco lo suficiente. Una suerte de ‘AHS Freak Show’ o incluso ‘Balada Triste de Trompeta’, fallida como las anteriormente mencionadas. Destacar, como siempre, su dirección artística e interpretaciones. Lo mejor, sin duda, el personaje de Demonhead.

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Durante el fin de semana publicaremos la crónica de los días siguientes. ¡No os la perdáis!

 

 

49 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE SITGES – TOMA I

en CINE Y MÚSICA/FESTIVALES por

Sitges llegó de nuevo, un año más rodeada de zombies y frikis de todos los lugares del planeta que a duras penas aguantan entre película y película desde las 8 a.m. hasta los trashy maratones de la 1 a.m. (horario de inicio) y actores amigos y conocidos que se apuran para presentar su último esperado estreno.

El festival se inauguró con ‘Inside’ de Miguel Ángel Vivas, remake de la película gore de culto ‘À l’Interieur’ de Bustillo & Maury. La gala inaugural contó con la presencia de su director y parte del equipo técnico y artístico.

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Nuestro Sitges desde Notodoesindie comenzó el sábado 8 con un relato gótico llamado ‘Sweet, sweet lonely girl’, de A.D. Calvo (‘House of Dust’, ‘The Melancholy Fantastic’. Un relato de terror victoriano con varios elementos de interés (la descripción de los personajes, la atmósfera inquietante, la fotografía de Ryan Parker), pero que finalmente no termina colmado las expectativas que crea. Además de la película de Calvo, también visionamos ‘Under the Shadow’, del director iraní Babak Anvari (‘Two & Two’ y ‘Solitary’). Un sobresaliente film de horror psicológico ambientado en la guerra de Irán-Irak (la comúnmente llamada ‘The War of the Cities’). Muy recomendable.

https://www.youtube.com/watch?v=4fhejr94P14

El fin de semana acabó el domingo 9 con dos películas. La primera, ‘Are we not cats´, un film de Xander Robin, un relato de una obsesión que finalmente puede tornarse mortal. Una pieza puramente Sitges, con toques de humor negro y 100% entretenida. No apta para públicos sensibles.

La última película fue ‘Creepy’, de Kiyoshi Kurosawa (‘Pulse’, ‘Bright Future’), un thriller de suspense psicótico que promete más de lo que ofrece.

Continuaremos con la crónica en unos días. ¡No os la perdáis!

PLAYING FOR CHANGE DAY

en ARTÍCULOS/BALEARES/CONCIERTOS/FESTIVALES por

Ha llovido. Ha llovido y tronado tanto que temíamos, como los galos de Asterix, que el cielo cayera sobre nuestras cabezas. Y también que se suspendiera el Playing for Change Day. En San Antonio, Ibiza, a un hombre le ha partido un rayo. Y aunque se encuentra bien, esto da que pensar a la organización del evento. No sería la primera vez que un músico muere electrocutado, enganchado para siempre a su guitarra eléctrica por tocar bajo la lluvia. A pesar de que las nubes deciden darnos una tregua y el festival no se suspende, sí se suprimen las actuaciones en dos de los cuatro escenarios que se esperaban abiertos.

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Entre tipis blancos con tambores a pie de playa para que niños y padres hagan el indio –o el salmón, que todo vale–, talleres de telas y acrobacias, y mercadillo se desenvuelve la música por todo Cala Llonga en este último sábado de septiembre. Durante todo el día, más de 30 bandas llenan de música esta playa. Las invasiones bárbaras nos dejan en este caso el gusto de lo distinto, un dulce sabor californiano, amable y alegre, con ese puntito naif y con esa extraña mezcla de suavidad llena de energía con la que ellos se saben expresar, cantar y tocar. Son un bálsamo en esta época de cierres machacones de Space y Amnesia, en esta isla donde la electrónica que todo lo invade se compensa casi solo a base de grupos locales rockeros tirando a metaleros y no hay mucho más a lo que acudir, auditivamente hablando. Se agradece la variedad, el soplo de aire fresco de estas bandas que han venido desde el otro lado del océano a traernos su buen hacer, su buen sonar, y han hermanado transatlánticamente la Costa Oeste de USA con la costa este de la pequeña isla.

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La segunda edición del “Playing for Change Day” en Ibiza busca recaudar fondos para ayudar a la escolarización y el aprendizaje musical de niños de países en desarrollo. Pero este día de conciertos en la isla forma parte de algo más grande. 222 eventos musicales, 49 países. En escenarios, escuelas y esquinas callejeras de todo el mundo este sábado ha habido gente tocando en una acción global para llevar la música a la vida de los niños y promover un cambio social positivo en todas partes del mundo.

Creo que la música es lo único que abre la puerta para llevar a la gente a un lugar donde están conectados. Y es fácil conectar al mundo a través de la música. La religión, la política, son cosas que dividen a todo el mundo. Pero la música parece unir a todos.” Mark Johnson

Playing for Change es un proyecto musical multimedia y también una fundación, ambos creados por iniciativa de Mark Johnson. Comenzando como un viaje alrededor del globo con la intención de unir y de realizar un descubrimiento positivo de la diversidad de este mundo a través de la música, su objetivo inicial era el de reunir, grabar y filmar músicos de diferentes culturas. En marzo del 2005, el ingeniero de sonido y productor estadounidense grabó a Roger Ridley en las calles de Santa Mónica, California, cantando la canción Stand by Me. Decidió añadir otros músicos a esta misma canción: viajó a Barcelona, a Sudáfrica, a la India, a Nepal, a Oriente Próximo y a Irlanda, donde añadiría a muchos otros intérpretes a la grabación de esta y otras canciones. El sonido era posteriormente mezclado, y aunque los músicos nunca estaban en la misma habitación –o en el mismo país o continente– quedaban unidos por la música y por su aportación particular al movimiento colectivo. Hasta la fecha, el vídeo ha sido visto 92.950.286 veces en internet.

El sueño no solo ha sido realizado, sino que ha crecido tomando diversas formas: la del documental Peace trough music, la de una banda musical, la de un día global de unión a través de la música, y la de una fundación. En 2014, Playing For Change Day consiguió recaudar 150.000 dólares para proveer instrumentos, clases gratuitas de danza, idiomas y teoría musical para niños, instruidos por profesores locales en Bangladesh, Brasil, Ghana, Mali, Ruanda, Nepal, Sudáfrica, Tailandia y Estados Unidos. Como dice la propia organización, “Cuando los niños tocan juntos, aumenta la colaboración y se reduce el conflicto. Y muy importante para ellos, particularmente aquellos en situación vulnerable debido a la pobreza, conflicto, drogas y negligencia, es que aprender música aumenta la autoestima y fomenta la resilencia y la alegría.”

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You see, music has a lot of power. There´s music into everything, everywhere you go, everywhere you turn.”

Así que entre reencuentros bonitos y alegres, que ya se sabe lo que pasa en las islas, que sale uno y se encuentra con todo el mundo, –y dadas las características del evento, CON TODO EL MUNDO, que aunque muy pueblo nuestra Ibiza es a la vez muy internacional– danzamos versiones folk y casi un poquito country de temas como el I lived de One Republic. También nos quedamos con esa mezcla de reagge-funky con ritmos africanos del segundo escenario, y aún nos sorprende en plena arena, tras un seto, una versión trance semi instrumental, acompañada de didgeridoo y proyecciones psicodélicas del mítico Another brick in the wall de Pink Floyd incluyéndole aún algún ligero toque de hip hop. Lo maravilloso de tanta mezcla es que queda bien. Que refresca. Empiezan a caer algunas gotas. Aún aguantamos danzando esta canción descalzos sobre la arena, porque mola bastante, después de tanta precaución, eso de bailar bajo la lluvia. Tiene algo de ancestral. Es la última que tocan. Después todo vuelve a ser chaparrón y torrente. El público se congrega y se apiña bajo los toldos de los bares. Procuramos salir de allí antes de que todo se embarre y se atasque, y nos llevamos impregnando nuestros cuerpos el agua y el sonido, el buenrollismo y la alegría de estos norteamericanos bienvenidos, sin saber en aquel momento que a la vez, en muchos otros lugares del mundo, otro montón de personas danzaban con nosotros.

DCODE 2016: EL 2×1 DE LOS FESTIVALES

en FESTIVALES por

Escribir sobre festivales puede resultar una motivo (cualquier excusa acaba siendo buena) recurrente para rellenar de contenido un blog musical – ahora parece ser que es más cool lo de magacín musical online. Y lo cierto es que quienes colaboramos en alguno de estos sitios web parecemos estar obligados a ello si acudimos a alguno, más aún si es de nivel nacional. Al principio, escribir sobre un acontecimiento así mola, por aquello de la novedad y tal. Incluso si se trata del festival local indie de tu pueblo no dejamos de darle bola porque claro…, no todos los días viene Sidonie (por decir un grupo que está en muchos de estos saraos) a tu localidad natal. Y nos apresuramos a pormenorizar y describir cada actuación, cada detalle acerca del recinto, el público congregado, etc. Luego acaba por hacerse pesado y tedioso. Porque no nos engañemos. Visto uno vistos todos… Sí, cierto que hay algunos mejores otros peores en lo que a cartel, organización etc. se refiere. Pero la crónica de estos eventos no deja de ser una sucesión más o menos aburrida de descripciones totalmente subjetivas acerca de las actuaciones de unas personas que, mejor o peor, con más o menos capacidad de diversión, no dejan de repetir por toda la geografía española un mismo repertorio -vale, a veces lo modifican de algún modo- a lo largo de un sinfín de escenarios sospechosamente parecidos (al fin y al cabo la publicidad manda).

Desde hacía meses tenía mi alojamiento reservado y mi billete comprado para aterrizar en Madrid el pasado 9 de septiembre, día anterior al Dcode. Sí, sé lo que estaréis pensando; un pseudo-festival concentrado (desde su tercera edición en 2013) que, bajo la premisa de despedir al verano, intenta sacar rédito a los últimos coletazos de esas bandas nacionales ya cansadas de tanta furgoneta, reuniendo además a algún “pez gordo” del panorama internacional para tratar de engañar al personal. Pero nada más lejos… Para mí era la excusa perfecta para salir de la roca y juntarme con algunos amigos, al ritmo de algún hit que otro; que al fin y al cabo…, tampoco es tan mal plan. Pero es cierto; el Dcode presentaba probablemente, desde un punto de vista objetivo (todo lo objetivo que se pueda ser en esto de los gustos musicales), el cartel más flojo de todas sus ediciones. Y es que después de haber contado con Band of Horses (2011), The Killers (2012), Vampire Weekend (2013), Beck (2014) o Foals (2015), ver a Zara Larsson o Kodaline como cabezas de cartel pues duele bastante. Menos mal que gracias a algún apellido ilustre como el de Bunbury aún quedaban ciertas expectativas para la sorpresa. Creo que poca gente dudará de que el maño fue (en mi opinión de largo) el vencedor de la jornada. Y lo dice uno que no es precisamente sospechoso de ser un incondicional.

El día amanecía, y apetecía… Salimos de nuestro piso reservado vía AirBnB (primera experiencia satisfactoria por cierto), muy bien ubicado en la zona de Malasaña, y no desperdiciamos la ocasión de darnos un pequeño homenaje a modo de tostadas con tomate, café y zumo de naranja. El festi abría puertas pronto, ya que alrededor de las 11 había prometido pachanga de fútbol entre algunos de los artistas participantes; minipunto para los ideólogos, ya que fue divertido ver al Balmes & CIA mostrar todas sus carencias futbolísticas… Menos mal que en lo suyo bien y tal…

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Pese al manifiesto mosqueo de la banda, me pareció un acierto también programar a León Benavente a mediodía; pues proporcionalmente, y teniendo en cuenta que actuaron en el escenario-carpa Complutense (el más pequeño), lograron generar uno de los momentazos del día bien pronto. Y es que esta banda curtida a la sombra de Nacho Vegas lo tiene clarísimo, y Boba escenifica como pocos en este país esa mezcla entre elegancia, soberbia y actitud rockera. Un rato antes me habría sorprendido gratamente el poderío vocal del frontman, y su sonido en general, de los ingleses Nothing But Thieves; así como el descaro de unos jovencísimos Belako, que no por nada se han convertido en una de las revelaciones de la escena nacional. A este escenario ya sólo regresaría para ver un rato a la mexicana Carla Morrison que aunque no me entusiasmó musicalmente me sorprendió por su teatralidad. Así, me dejé propuestas que iban desde Bambikina, Dagny, Garden City Movement hasta los propios Triángulo de Amor Bizarro y Delorean, a quienes ya había tenido la oportunidad de ver en otras ocasiones.

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La tarde concentraba supuestamente los platos fuertes a medida que avanzaban las horas. Entre medias pude disfrutar de una banda que llevaba años queriendo ver en directo; Jimmy Eat World son a mi particular hacienda musical lo que los granos a la adolescencia. No dejan de ser una de las muchas bandas del denominado emo-rock surgidas a mediados-finales de los ‘90, quizás de las primeras; pero que sin duda despertaron en mí ese gusto por las guitarras afiladas, casi lloronas… Eagles of Death Metal también mantuvieron un buen nivel con un Jesse Hughes que iba alternando monólogos entre canción y canción. El momento más tierno, tanto en lo escénico como en lo musical, se lo llevó Oh Wonder, que con su pop sedoso parecían ir acompasados con el atardecer madrileño propiciando una estampa de postal. A excepción de Bunbury, después ya sólo quedaría volver a ver a Love of Lesbian que ya sabemos todos que llevan la palabra “festival” en su ADN; aunque tampoco su bolo pasará a los anales de los directos. Y no acabaré este artículo sin acordarme de la madre de más de un programador/a del Dcode que pensó que el show de Zara Larsson, digno de aquel programa de los sábados de José Luis Moreno –Noche de Fiesta creo que se llamaba-, iba a revolucionar en positivo el signo del evento. Señores, no vale todo. Denle una vuelta al tema si eso…

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La noche acabaría mejorando sensiblemente con Jungle, un colectivo-orquesta londinense que actualizan el funk y soul de los ‘70 que incitan al movimiento, aunque no quieras. Luego vendrían los ya clásicos DJ sets de ilustres como Mark Ronson o los 2ManyDJs que garantizaban el bailoteo hasta altas horas.

El Dcode ha resultado ser el zumo concentrado de los festivales y aunque muy mejorable en cartel, hay que reconocerles el buen tinglado que montan.

Y bien, aunque esta no iba a ser una crónica más festivalera aquí estoy yo, con mis dos cojones por delante, para hacer lo propio con el Dcode 2016, ¿cómo lo veis?

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