Cultura musical para indios y salmones

Archivo de la categoría

PORTADA – SLIDE

Entradas que salen en el slide

EL TREN DE LA BRUJA (2017), BRIGHTON 64

en ÁLBUMES/ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE por

 

La primera vez que entraron los Brighton 64 en casa fue en verano de 1985, hoy más de treinta años después, estoy escuchando su último trabajo, es curiosa la fidelidad musical que profesan algunos músicos y de alabar esa constancia infinita.

Ahora que voy más o menos por el ecuador de la tercera escucha, encuentro más de Brigatones que de Brighton 64, no sé si estoy en lo cierto le pregunto a Albert Gil, (guitarra, voces), quien acepta servir de guía en su escucha y limpiar mis dudas.

“Tal vez es algo más elaborado, y la razón es que no es un disco más de Brighton 64, es una obra de madurez en la que queríamos arriesgarnos, tocar estilos diferentes, estar al servicio de una única narración en la que cada personaje tuviese su voz. Por esta razón hay varios cantantes”.

Me ha encantado el toque conceptual que tiene el disco, un hilo conductor de la mano del multi-artista Carlos Zenón, y ese personaje que narra sus pesares de hombre ya no adolescente, es Rai (personaje del relato) el “Jimmy” en la madurez, que se mofa de sus recuerdos o que se enorgullece de ellos?.

Rai se los toma muy en serio pero poco a poco se da cuenta que recuperar el tiempo perdido es algo imposible. No sé si la gente puede llegar a entender lo difícil que es una empresa como la que nos hemos propuesto y que llegue a buen término. Estamos muy contentos porque el público está entendiendo el planteamiento y nos llegan muy buenos comentarios”.

Me parece un trabajo muy maduro y tozudo , mezclar y de esta manera la música con la literatura no debe ser fácil y, además que suene a POP contundente y rabioso, con unas guitarras que llaman la atención desde el primer corte y que van tomando protagonismo absoluto:

Desde hace mucho tiempo basamos nuestra música en unas guitarras muy potentes, sobre todo en directo. En este caso ha quedado mejor reflejado que nunca en la grabación del nuevo disco, gracias a la labor del productor y de los guitarristas, lógicamente”.

No sé si estoy en lo cierto, pero la contradicción existencial que se respira en el disco y que entiendo como base del relato que hila el trabajo de Brighton 64, evidente en “Que garfio mate a Peter Pan”, es pura ironía o burla a los que quieren matar a los músicos de cincuenta, esa es mi impresión.

No es una historia con segundas, es una historia de un músico pero podría tener cualquier otra profesión. Con Zanón vimos que si hablábamos de música nos íbamos a sentir más cómodos. Además, esta letra la hizo él, no me corresponde contestar a esta pregunta”.

Además del sonido B64 nos encontramos con nuevas incursiones que me han sorprendido y que jamás imaginé en un trabajo de la banda, me despista vuestra incursión en la Bossa con “Antes de la tormenta” que os ha quedado preciosa,  y “Despertar de un sueño”, que me recuerda a La Granja, parece que fueseis otro grupo: ¿es Brighton 64 el último grupo de los Hermanos Gil?.

Me gusta mucho ese tema tipo bossa, era necesario una especie de descanso antes de la tormenta, se trataba de crear un clima relajado pera que cayese el siguiente, el “Agua de los floreros”, con toda su fuerza. “Despertar de un sueño” también se aparta de nuestro estilo clásico y ofrece la visión de un niño que no ha conocido a su padre. La canta Pablo Jiménez, que además ha compuesto la música y ha grabado los bajos del disco”.

Uno de mis temas favoritos es “Chica 10” cantado por la canadiense Rachel Playfair, quien además de poner esa voz ultra cool toca el acordeón en “El mundo no es para mi”; me mola mucho ese toque Groove para el baile,  ¿qué tres temas no faltan en vuestros conciertos y qué tres no pueden faltar en una fiesta mod?.

En nuestros conciertos no pueden faltar los clásicos, nosotros también nos debemos a nuestro pasado. Temas que nunca han desaparecido de nuestro repertorio como “En mi ciudad”, “La próxima vez” o la inevitable “La casa de la bomba”. En cuanto a las fiestas mod seré algo más genérico, no las concibo sin música negra”. 

 Ya estoy llegando al final del disco que lleva casi cuatro horas sonando en casa sin parar, y me pregunto que le ha faltado a esta banda para conseguir un gran éxito o varios y salir del underground modernista que es como casi no existir:

“¿Más calidad?, ¿más público? Es difícil contestar a eso porque, a pesar de sentirnos en nuestro medio natural (el underground), todo artista desea llegar a cuanto más gente mejor. Esperamos romper nuestro techo con este disco”.

Tengo en la cabeza, sin dejar de martillear el estribillo de uno de los temas que cantan en catalán “Vent que bufa al meu favor”,  me suena al BBC de Ming Tea para la BSO de Austin Powers:

A veces la gente encuentra referencias que nosotros ni siquiera imaginamos. Nunca he visto Austin Powers ni he oído la banda sonora, pero seguro que debe incluir algún tema garagerogaragero de los 60 que te pueda recordar a esta canción”, sentencia Ricky Gil la otra media naranja de la banda y compositor.

Rotundo el sonido, tremenda instrumentación, magistral la producción y compacto el resultado, este es el resumen que hago tras la tercera escucha de “El Tren de la Bruja” veinte canciones cosidas por el relato de Carlos Zanón, tejidas de forma magistral por Santi García y envueltas en papel de lujo de la mano de Adrià F. Marquès.

Me deja este disco muy tocado, casi tanto como aquel “Haz el Amor” de hace treinta y dos años, me he quedado con ganas de más, y voy a ponerme ahora todos los discos de esta banda imperecedera,  y voy a recordar batallas vividas, a pegar trozos de mi vida en una cartulina roja y voy a “recuperar cachos de juventud” y a salir con mi traje negro de tres botones a comerme el mundo, ¡otra vez!.

¿Por qué no?

Artista: BRIGHTON 64; Título: EL TREN DE LA BRUJA; Sello: BCore Disc; Fecha lanzamiento: septiembre 2017.

ENTREVISTA A TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE/Sin categoría/SUPLEMENTO PAPEL por

El próximo 29 de julio en el Idò Fest tendremos a Triángulo de Amor Bizarro actuando en Inca. Toda una referencia del indie de nuestro país cuyo cuarto trabajo editado el año pasado no paró de cosechar buenas críticas y cuyo directo no deja indiferente. Charlamos con Rodrigo Caamaño guitarrista, una de las voces principales y compositor de la banda gallega.

Salve Discordia, cuarto trabajo de la banda, tuvo unas críticas y reconocimiento especialmente positivo, ¿sorprendió especialmente o cuando estabais trabajando en el disco teníais la sensación de subir un peldaño por encima de los anteriores trabajos?

Lo cierto es que ahora mismo tenemos una formación muy sólida internamente y le dedicamos mucho tiempo a la composición de Salve Discordia, descartamos mucho e intentamos llevar las canciones lo más trabajadas posible al estudio para centrar la grabación en conseguir un sonido determinado. Hacer un disco es un proceso muy largo y se tienen que tomar infinidad de decisiones. Nuestra forma de encarar un disco es poder hacer el mejor disco que podamos y ese fue el objetivo que se mantuvo constante durante todo el proceso. Las críticas y el reconocimiento son un regalo para nosotros en ese sentido porque no sabríamos hacerlo mejor.

La capa de electricidad que está presente en el sonido de vuestros discos se convierte en un muro de gran potencia cuando se lleva al directo. En uno de los conciertos que disteis en Mallorca, en concreto en Lloseta, al mismo tiempo había gente totalmente entregada a vuestro directo y gente que abandonaba la sala abrumada por tanta energía y ruido, ¿sois consciente de ello? ¿Es algo premeditado?

Es premeditado en el sentido en que es en lo que llevamos trabajando 10 años, es decir, nuestro sonido es parte inseparable de nuestras canciones, parte fundamental a la hora de componer. Los que se fueron en ese concierto es que seguro que estaban en el sitio equivocado. No soy consciente desde el escenario cuando se va o viene la gente la verdad, me centro en las primeras filas sobre todo. Igualmente, siempre he preferido gustar mucho aunque sea a unos pocos a gustar un poco a muchos, aunque económicamente salga mejor lo segundo. Lógicamente lo mejor sería gustar mucho a muchos.

¿Hasta qué punto vuestro productor, Carlos Hernández (Los Planetas, Juanita y los Feos, Viva Suecia…) tiene influencia en vuestro sonido en estudio y en directo?

Trabajamos con él continuamente en cómo plasmar la idea que tenemos tanto en soporte grabado como en directo de nuestro sonido, Carlos es un portento técnico pero sobre todo un amigo.

La dulce voz de Isa es el contrapunto perfecto a la tuya, lo que da un doble registro que enriquece mucho el sonido de la banda y aporta variedad a la hora de escuchar vuestros discos. ¿Cómo decidís quién canta qué?

Fácil: si tiene cierta melodía la canción es para Isa, si es más recitada la suelo cantar yo, a veces es casi como componer para dos grupos diferentes, pero también nos permite tener un punto de partida para las canciones, y probar cosas diferentes según quién la va a cantar. Al principio se decidía al final, pero ahora hacemos las canciones con eso fijado de partida.

Volviendo a vuestro sonido, como decíamos habéis sido capaces de crear un sello propio muy reconocible. No obstante las melodías están muy presentes y parece que fácilmente podríais llevar vuestras canciones a otros registros… De hecho con la versión de The Beach Boys que hicisteis el año pasado el resultado fue lo opuesto a lo esperado que TAB hiciera con una versión. ¿Os habéis planteado buscar otros registros o habéis probado con ello?

Es que seguimos siendo muy clásicos, componemos para el formato LP, con lo que es importante para nosotros que cada disco tenga una cierta homogeneidad. Usamos mucho las versiones para probar cosas que no hacemos en disco por el simple hecho de que no nos vemos haciendo un disco con esa idea, pero a veces muchas de esas cosas sí que acaban incorporándose a los discos.

¿Para cuándo cabe esperar nuevo trabajo de Triángulo Amor Bizarro?

Pues en ello estamos, tal vez para el año que viene, pero no nos ponemos un plazo. Tenemos unas cuantas canciones ya, pero aún mucho por hacer, seguimos aún de gira y espero que para el otoño nos pondremos en serio con el nuevo disco.

¿Qué tipo de show puede esperar el público que os vaya a ver en Inca dentro del Idò Fest?

Pues será como el último en Mallorca pero con más fuerza, ya que las canciones del último disco están mucho más tocadas y nos salen mejor.

Vosotros sois un grupo con gran presencia en festivales y que no paráis de tocar por toda España, ¿habéis notado un auge en afluencia de público en los conciertos de salas al margen de los festivales o por el contrario hay más postureo que interés real por la música?

En nuestro caso notamos que el público crece cada día. El público tendía a ser de una franja de edad determinada, pero en los últimos años eso ha cambiado y se pueden ver a generaciones más jóvenes que van a conciertos. La única forma de que realmente haya más público es interesarle a gente más joven y eso lo apreciamos tanto en salas como en festivales.

Nos gusta pedir alguna recomendación musical a todos nuestros entrevistados. ¿Qué nos recomendáis?

“Heart of the Congos” o “The white room” de The KLF.

Muchas gracias y enhorabuena por vuestra trayectoria.

ENTREVISTA A LORI MEYERS

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE por

Siete años sin venir a Mallorca ¿Por qué tanto tiempo?

Pues sí, ha sido mucho tiempo pero no porque no hayamos querido, sino porque no ha salido la posibilidad.

Cuatro años entre Impronta y En la espiral, ¿Qué os ha llevado a tomároslo con tanta calma?

No han sido cuatro años reales. La promo de Impronta duró dos años, por lo que realmente ha sido año y medio lo que hemos tenido para trabajar, grabar y editar En la espiral.

Es un disco más oscuro, que hemos trabajado desde cero en el local de ensayo y eso lleva más tiempo. Eso sí, todo en pro del resultado final, somos un grupo consolidado que no puede sacar cualquier cosa y hasta que no vimos el punto de cocción perfecto, no sacamos el plato.

¿No tuvisteis miedo a enfriar al público después de la gran acogida que tuvo el disco anterior?

Miedo no, pero es cierto que te das cuenta de que todo pasa rápido y entre disco y disco han pasado 4 años y la gente ha cambiado, aunque tenemos una trayectoria y enganchamos a mucha gente con el disco Cuando el destino nos alcance y con Impronta, la gente nos estaba esperando.

De todas maneras no desaparecimos del todo, en 2016 seguimos haciendo algún concierto para recordarle a la gente que ahí seguíamos y no nos habíamos peleado (risas).

Después de meses con el disco en el mercado, ¿Contentos con la acogida?

¡Mucho!. Tenemos la suerte de que el último momento de Lori Meyers siempre es el mejor.
Desde el disco Viaje de estudios todo ha ido hacia arriba. Estamos marcando una línea de subir y llegar a los retos que nos ponemos y este disco no se ha quedado atrás.

Lo sacamos sabiendo que había mucha expectación y la gente respondió bien.

La primera canción que sacamos fueEvolución” para ir abriendo boca y a la gente le gustó, seguimos con “Siempre brilla el sol” y lo mismo. De hecho ha sido número 1, para nosotros es un orgullo.

Así que ahora estamos deseosos de tocarlo y quemar los escenarios.

El disco tiene esencia Lori Meyers pero es algo más calmado y atmosférico, ¿Estamos ante una evolución del grupo?

No es tanto como una evolución. Nosotros sabemos que tenemos algo subyacente debajo. La forma de componer, las melodías… Aunque hayamos cambiado de estilo si comparas el primer disco con el último siempre hay un tipo de melodía que la gente reconoce.

Quizás en discos anteriores no habíamos explorado los sonidos más oscuros y atmosféricos, lo que se traduce en que de primeras no es un disco tan accesible, pero con las escuchas, vas encontrando algo nuevo.

Luego están las críticas, que las hay positivas y negativas. Si haces un disco inmediato te van a decir que es comercial, si le tienes que dar más escuchas, te dirán que es aburrido. Así que si no te entra, cambia. ¡Hay tantos grupos hoy en día para elegir! Nosotros hacemos lo que nos pide el cuerpo y siguiendo nuestra intuición. Al que le guste, que se agregue a nosotros.

Y a la hora de componer, ¿Hay total libertad o hay presión por hacer canciones parecidas a otras que han tenido éxito previamente?

No nos dejamos llevar por eso, sino hubiésemos podido hacer tres o cuatros veces canciones como “Mi realidad” qué es lo que triunfó, pero no.

El proceso compositivo no se basa en pensar en lo que habíamos hecho antes.

Mi realidad se hizo en 2009, estamos en 2017, ya no pensamos lo mismo, escuchamos otra música. Ese es el camino del artista, exteriorizar lo que tienes en la cabeza y aunque cambiar a veces sea duro, siempre hay que ser sincero.

Se dice que el público a veces es demasiado quejicoso, si te sales de lo que has hecho hasta ahora te dirán “antes molabas más”, y si no, que “siempre es lo mismo”…

Sí, pasamos por eso con Cuando el destino nos alcance, hicimos música más actual, con menos guitarras y hubo un sector del público que nos dio pal pelo.
Nosotros venimos del indie, una música que se hizo en los 90 para poner frente a la música comercial y dependía de las multinacionales. Empezaron Los Planetas, Mercromina… y poco a poco intentaron que esa música la escuchase más gente sin importar los cánones de las multinacionales.

Después de Los Planetas llegó la segunda generación del indie que fuimos Sidonie y nosotros entre otros, donde intentamos que esa escena independiente la escuchase más gente, y la verdad es que se ha conseguido.

En el fondo eso es positivo y creemos que hemos puesto nuestro granito de arena para que ahora esta música, llegue a un público mayoritario y salgamos en los medios de comunicación más grandes, que antes no se acercaban, con lo cual es un logro de todos.

Sidonie han sido criticados por sonar en Los 40, vosotros por sonar en M80. ¿Qué les dirías a estos críticos?

Que tienen una idea errónea. Creen que sales en esos medios porque la discográfica paga para que salgas y lo que ha sucedido es que todos los grupos, desde Los Planetas hasta Vetusta Morla, Love of lesbian o nosotros y los posteriores como Izal o Supersubmarina, hemos hecho que toda esta música llegue a mucha más gente gracias a los grandes medios, que antes se la pelábamos, y ahora se han acercado a nosotros porque se han dado cuenta que hay mucho público detrás. No por salir en M80 eres comercial, son las emisoras las que han cambiado. Siempre van a haber puristas que tendrán esa opinión porque se tienen que sentir diferentes, “yo quiero escuchar lo que nadie escucha”… Nosotros somos mayores y sabemos discernir entre lo importante y lo superfluo.

Empieza la época de festivales, ¿Con ganas de subiros a la caravana como en Hostal Pimodan o ahora vais en AVE?

Ahora mismo somos tantos que vamos como podemos (risas). Estamos deseando presentar en los festivales. Hemos hecho un trabajo previo enfocado a festivales para que sea un espectáculo muy diferente y va a haber cosas muy chulas y sorprendentes, todo en pro de que la gente disfrute y el disco resalte.

Además, durante la hora y cuarto de concierto va a dar tiempo de que suenen las canciones de este disco y canciones de siempre.

ENTREVISTA A LA MALA RODRÍGUEZ

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE por

¿Donde empieza la primera historia de La Mala?

Me gustaba el graffiti, solía pintar paredes, primero ponía “maría” muy grande luego empecé a escribir “mala”…

¿Como surgen las primeras letras?

Siempre escribí, empecé a rapear encima de ritmos cuando escuché las primeras grabaciones de música rap, gente de mi barrio. En esas canciones hablaba de lo que sentía, de lo que veía…

Tras 5 álbumes, y casi cerca de 20 años de carrera, ¿En qué punto te encuentras?

Siento el poder que te da conocerte a ti misma, me dejo llevar cuando la inspiración llega pero estoy entrenada para matar si es necesario.

“Bruja”, el quinto y ultimo trabajo de estudio presentado en 2013, nos acerca algunas rimas como en “Caliente” a tus inicios, a tu desparpajo de tus primeros álbumes. Curiosamente el periodo transcurrido entre la publicación de cada disco es de unos tres años ¿Cómo es el proceso creativo del disco? ¿Por qué etapas pasas?

Vivo, dejo que me pasen cosas, asimilo las experiencias y supongo que de esto es de lo que se llena mi música. Es mi vida.

Las dosis de realidad que suministras en muchas canciones como “La Rata” solo son la punta del iceberg de tu faceta más protesta. ¿Qué es lo que te empuja a escribir letras con tanta sinceridad?

Aquella noche estaba en un piso muy alto de un hotel de México, llevaba mucho rato con ganas de escribir y fue cuando regresé al hotel esa noche cuando explotó. A veces pasa así. Yo solo me dejo llevar. Algunas veces busco dentro de mí y no encuentro nada. Otras veces las palabras llegan y la canción se escribe sola… es como si tuvieran vida propia. No protesto solo muestro algo que todos vemos.

Hace unos años, colaboraste aportando algunas canciones en diferentes bandas sonoras para películas como “Yo puta” o “Yo soy la Juani”. ¿qué tal ha sido la experiencia de poder participar en un proyecto de esta magnitud? ¿Qué tal ha sido la experiencia?

Me gusta mucho trabajar con otros artistas sean de la índole que sean, el cine es maravilloso, me gusta unir mi nombre al de proyectos en los que se cuentan cosas poco usuales.

20 años de carrera dan para muchas historias. Escuchando “Bruja” me invade de alguna manera un sentimiento de nostalgia, me acerca a la primera vez que escuché tu primer single por allá en 1999 ¿Cuál ha sido el momento más dulce de tu carrera y el momento más duro?

No lo sé, he vivido muchas cosas, buenas malas y regulares, yo me quedo con todo. De eso estamos hechos. Todo cuenta pero no miro demasiado atrás. Soy una persona que mira hacia delante.

Tenemos muchas ganas de verte en la isla sobre los escenarios. Creo recordar que has actuado solo un par de veces en la isla. A parte de presentar tu ultimo trabajo, ¿Tendremos la oportunidad de escuchar clásicos? ¿Qué nos tienes preparado para el próximo concierto en el Mallorca Live festival?

Me hace especial ilusión venir a Mallorca, estas islas son mágicas y la gente es realmente bonita, humilde y sencilla, me da mucha alegría poder hacer sonar mi música en este lugar, me siento honrada y muy afortunada por formar parte de este festival y de que hayan contado conmigo.

Nos encantan las colaboraciones que sueles elegir en tus discos. Has trabajo con artistas nacionales e internacionales muy dispares como Akon a Raimundo Amador. En “Bruja” podemos escuchar canciones con Rapsusklei, Canserbero o Sefyu ¿Quién es el artista con el cual no hayas trabajado aun y le tengas muchas ganas?

Me encantaría trabajar con el rapero norte americano Kendrick Lamar. Es un excelente letrista y sus actuaciones tienen mucha fuerza, los temas de sus canciones son siempre muy comprometidos con el público que le escucha y para la juventud es un valor tener un ídolo como él.

¿Como ves el panorama musical nacional en el mundo del Hip-Hop? ¿Quiénes son los artistas nacionales que sigues de cerca?

El panorama siempre está creciendo, me gustan los nuevos talentos que inspiran a las nuevas generaciones, hay mucha variedad y todo me parece de calidad, me gustaría mencionar a H Roto por ejemplo, alguien que destacaría por su personalidad y talento.

Finalmente nos gustaría que te mojaras contándonos cuales son las canciones que suenan con más frecuencia en tu jukebox personal.

Mmmmm Lana del Rey, Beatles, Bach, afrotrap (risas).

ENTREVISTA A KASE.O

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE/SUPLEMENTO PAPEL por

Una vez escuchado y re-escuchado El Círculo, no puedo evitar pensar (aunque sea un tópico) el hecho de que tal vez Kase.O cede el paso a Javier Ibarra en gran parte del álbum.

Sí, es cierta esta apreciación… era mi reto, mi objetivo… bueno el de toda mi carrera realmente. He ido puliendo el personaje para que se fuera pareciendo lo máximo posible a Javier Ibarra, y en el disco de El Círculo es cuando se ha culminado este reto u objetivo. En el proceso del disco me enfrenté a esto. A que no estaba a la altura de Kase.O en ciertos aspectos. Así como Kase.O se ha mostrado siempre invencible en casi todos sus raps, en egotrips, con mucha seguridad en si mismo… justo en el momento de realizar este disco, no me apetecía defender esto ni estaba dispuesto a ello. Me apetecía mostrar un poco más de mi. Usar el arte para expresarme sinceramente. No creando un personaje y adornándolo, sino hurgando en la persona y que la persona, que es el artista, se liberara de ciertos traumas y ciertos pesos que había en mis espaldas… en mi mente… en mi corazón y claro, Kase.O no estaba acostumbrado, al cabrón solo le gustaba fardar y ser el mejor (risas). Es un disco en el que he plasmado una época de mi vida… así me lo pedía el cuerpo. Me apetecía más expresarme que la mera rima, la mera técnica… yo siempre he sido un obsesionado de la técnica y de la métrica, y de las palabras bonitas, que quedan muy bonitas pero al final no has dejado ver nada de ti. Entonces también rompí con la técnica, aunque en el disco hay mucha técnica y mucha métrica, pero me daba igual rimar “hora” con “ahora” o “mesa” con “fresa” si la mesa tenía que ser la que tenía que ser y la fresa era verdadera ¿entiendes? Necesitaba hacer un mensaje más directo y más simple y que simplemente me purgara.

A principios de los años 90 publicabas con tan solo 13 o 14 años tus primeras maquetas. Imagino que es la época de la que trata “Guapo Tarde” en la que hablas de tu difícil paso por la adolescencia llena de complejos. ¿Fue el rap tu vía de escape? ¿En él encontraste la manera de enfrentarte a los complejos… a la vida en definitiva?

A mí el rap me ha salvado la vida, es mi pasión… tengo algo por lo que vivir. Y por supuesto cuando tenía quince años, me sirvió para soltar mucha violencia verbal, también mucha rabia, mucha energía… y aunque no hablaba de esto que estaba viviendo…

Efectivamente, parece que lo que estabas viviendo realmente, era algo que escondías…

Claro, era algo completamente desconocido por la gente. Estaba muy desvirtuada la imagen de Kase.O con el gacho que había detrás. Evidentemente faltaba mucha información… las leyendas se crean así ¿no? Porque falta información y te tienes que idealizar, te tienes que inventar a la persona. Y aquí, como era mi disco en solitario también, sentía que se lo debía a mis fans, que supieran quien era, aunque no solamente para ellos, era más un experimento mío espiritual… una purga. Luego me he dado cuenta que todo el mundo tiene complejos a los quince años, todos pasamos por depresiones, cuando yo creía que solamente me estaba pasando a mí y que era una canción súper personal. Entonces, sin grandes rimas ni grandes volteretas en el aire la gente se ha identificado con este tema.

Sí, de hecho la canción es muy directa. Cala muchísimo o al menos a mí me cautivó… al ser historias tan claras puedes verlas en el momento que las escuchas

Me interesaba más esto, que fueran imágenes. Es muy gráfica. Para confeccionar la canción usé la técnica del storytelling, es decir, contar la historia en presente, como si me estuviera pasando ahora… impresiona más.

Muchos Mc’s hablan de sus influencias basándose únicamente en referencias americanas. En tu caso, creo no equivocarme que si digo que tus influencias más fuertes son los raperos zaragozanos de la época de los noventa. Hablo de Presión, Alan Beler, Bufank… ¿Qué significaron para ti? Personalmente veo la gran influencia de Presión, tal vez un Mc muy olvidado hoy en día pero que tiene el don de la veracidad en cada rima.

Sí, para mi Presión es lo más parecido a un artista. Arte puro. Es como la fuente original. Alguien en quien fijarte. Es alguien al que admiro mucho y que no se ve tanto. Yo siempre he flipado con sus raps porque… porqué era él, tenía personalidad, no estaba imitando a nadie, aunque luego escarbando en sus influencias seguro que encuentras a algunos maestros, pero ya te digo, para mí Presión es un maestro junto a Lírico, Alan Beler, José Blazquez… son maestros literales… también Supernafamacho, Mucho Muchacho al que también considero un artista con todo lo que conlleva.

Presión, aunque no lo parezca, sigue teniendo muchos fans. Si algo es bueno, la gente realmente interesada lo encuentra. Pero claro, dejó de sacar cosillas y se quedó un poco en el olvido. Pero nosotros que lo conocemos estamos pendientes de él y lo tenemos siempre muy presente. Para mí es el mejor y siempre lo será. Es jodido cuando tienes que decir que eres el mejor sabiendo que el Juanjo (Presión) es el mejor ¿sabes? He intentado durante mi carrera lanzarle guiños, usar algunas de sus frases, nombrarlo en alguna canción… Presión lo que tiene es que se anticipa al futuro. En el año 1992 él rapeaba como yo lo hice después en el 2001, y los raps que hace ahora, tampoco imita a nadie y está usando unas métricas muy extrañas y muy locas, pero no las hace nadie… parece el rap del futuro. A mi lo que me sorprende es que los americanos lo han hecho todo en cuanto a métricas, entonces, el Juanjo en 2017 te hace una técnica que no ha hecho nadie. Y claro, cuando le escucho se me pegan cosas, es inevitable. Estás haciendo un tema y dices “joder que flows más guapos que he hecho” y cuando acabas, o al mismo tiempo dices, “ya sé de donde lo he sacado, esto ya lo ha hecho el puto Juanjo” (risas). Le adoro y tengo pendiente hacer canciones con él. Se quedó pendiente la colaboración con Alan Beler y con Presión en el disco.

En el tema “Pavos Reales” dices lo siguiente “Decir mi propio nombre me produce vértigo” al igual que uno se da cuenta que durante tu carrera nos has estado avisando continuamente de esta presión, como por ejemplo en “Javat y Kamel” del año 2004 en el que decías “Es agotador ser domador y esclavo del público” Entonces ¿Cómo se soporta durante tantos años esta presión?

Eres muy observador y detallista. Yo mismo me lo he buscado con los versos. Hay por ahí más avisos como “Es la presión del campeón” o “cada vez más solo, cada vez más triste, cada vez más cadáver ¿Quién coño resiste?”. Para la confección de este disco es cuando más he notado la presión, cuando más acojonado he estado… cuando me he visto solo delante de los ritmos, delante de los folios… sabiendo que todo el mundo estaba pendiente del disco. Está claro que cualquier artista quiere que la gente esté esperando sus obras pero claro, nunca vas a cumplir las expectativas generadas. Piensas ¿Qué queréis que haga?¿Qué ponga una bomba en el Cd o que salga dando volteretas? Me las vi muy putas, porque ya había hecho todas las técnicas del mundo… no sabía como enfocar el disco. Así que tuve que llamar a Javier Ibarra y le dije “tío, arregla esto, encárgate tú y apechuga”. Gente esperando un disco totalmente de los noventa, gente esperando Violadores del Verso…. No podía responder a todos y al final tuve que ser yo mismo, que es la mejor solución.

Sabemos que para la confección de este nuevo disco, has estado muy implicado en las instrumentales. En la red hemos podido ver un video en el que creabas la melodía que se puede escuchar al final de “Repartiendo Arte” por poner un ejemplo ¿Cómo ha sido el proceso de aprendizaje, confección y conclusión de las producciones?

Durante el proceso buscaba bases que sonaran americanas. Que sonaran a lo que la gente esperaba de mí, pero luego no me apetecía rapear encima. Las que he elegido, realmente es porque me decían algo. En este disco no estaba dispuesto a llenar un ritmo con palabras. No me apetecía hacer lo mismo que venía haciendo antes, así que decidí ponerme las pilas. El mundo de la producción no me es para nada ajeno, compro discos habitualmente para buscar samplers, me gusta programar baterías… mi problema era usar los programas para plasmar lo que quería y tampoco encontraba los samplers adecuados, así que decidí crear mis propios acordes. Conseguí programas para poder tocar mis propios acordes e hice una maqueta con las esencias de las producciones del disco. Empecé a ver la luz. Además, como músico quieres dejar tu impronta… yo estoy muy orgulloso de mis producciones que son muy minimalistas… que son justo lo que quería

Además, tus producciones tienen una línea muy marcada, con el minimalismo que comentas. Se nota perfectamente que son del mismo productor.

Me gusta que lo hayas notado. Son bases desnudas y basadas en uno, dos o tres acordes largos y fuera.

Es realmente curioso como en “Basureta”, una base, en principio, tan simple. Se conjugue con la tremenda intensidad de la letra y todo junto cree algo que te golpea tan fuerte. No sé muy bien como decirlo…

En “Basureta” se busca el bucle. Porque es una canción de monotonía… de depresión… de que no puedes salir de ahí, entonces la base no podía evolucionar a más, no podía contener un subidón… aunque hay ciertos trucos, aunque son los mismos acordes, el mismo bombo, la misma caja todo el rato, sin charleston, pero por decisión propia. Es mi concepto de música, destaco la letra por encima de la base. Y también algo muy importante en “basureta” es que es un mantra.

¿Cómo es el proceso artístico para la creación de un tema de Kase.O? en este caso centrándonos en la letra ¿dejas que las palabras fluyan por si solas?, ¿tal vez intentas crear ambientes? ¿Eres hombre de libreta?

Normalmente lo que hago es ir escribiendo frases sueltas en libretas, cuadernos o en el móvil. Es el procedimiento que más uso. Cuando llega el momento de hacer el disco, es el momento de abrir las libretas para investigar que puedes usar. Mira, para escribir El Círculo me compré un cuaderno con hojas de colores, aparte tenía seis cuadernos repletos de frases. Entonces lo que hice fue separar las frases por colores. En el rojo todas las frases románticas, de amor, sensuales… en el color amarillo las frases más tristes, en el azul las frases más filosóficas… todas las frases de competición en otro color. Después se trató de buscar ritmos (o de crearlos) y a través de estas frases, que son, para decirlo de alguna manera, las frases gordas. Normalmente las cuartas y las octavas y claro, tienes que crear más frases para llegar a las gordas. Por ejemplo la frase “El tiempo es una broma macabra” de “Basureta”. Y claro, a ver como lo hago yo para llegar a esta frase. Por eso siempre acaban bien, porque siempre empiezo por el final. Esta es una de las maneras… hay un trabajo muy intenso en mi caso.

Los últimos años, antes de la publicación de El Círculo, has girado con el proyecto Jazz Magnetism con el que publicaste un álbum. Siempre he encontrado paralelismos entre el jazz y el rap sobre todo por la libertad al improvisar. En todo caso, ¿Cuándo viste claro que querías materializar el proyecto? Recuerdo aquella frase de “Es la única manera de que escuchéis jazz

Fue más una sorpresa también para mí. Empecé a ir a jam sessions en el club El Zorro de Zaragoza y subíamos a rapear. Como quien no quiere la cosa seguíamos quedando cada semana y cada vez hacíamos más temas. Hasta que un día vino con el saxo Hugo Astudillo aka Escandaloso Expósito Acabamos rapeando juntos y nos hicimos amigos. Poco después me propuso ir a Barcelona para hacer lo mismo pero con músicos de allí, así que conocí a Juan Pablo Balcázar, Dani Comas y Dani Domínguez. Estrenamos el proyecto en Hospitalet creo y la cosa funcionaba. Hablamos de músicos de mucho nivel y yo me sentía en plena sintonía con ellos. Veía aquello como algo muy moderno… muy cool como diría aquel… ¡incluso muy salvaje! Aunque los tuve que domar evidentemente. Tuve que cortar mucho bacalao dejando matices y espontaneidad, llevarlo a un 4×4 porque sino se hubiera convertido en un disco de free jazz y claro, no era mi intención. A todo esto, tengo la espina de escribir rap encima de jazz porque lo que hice fue adaptar viejas letras, no le saqué todo el jugo al Jazz Magnetism. Esto está todavía por sacar, pero bueno, ahí se fue fraguando el proyecto. Estuvimos mucho tiempo de gira sin sacar el disco por lo que la gente venía a los conciertos sin saber exactamente lo que se iba a encontrar. No tenían ningún referente. Fue una experiencia muy loca. Después de estar con Violadores llenando pabellones, pasé a salas más pequeñas y con un grupo de jazz… la gente sin saberse las letras… fue como un experimento. El disco no salió antes porque tenía cierto miedo. Todo el mundo esperaba mi disco de rap y no lo tenía muy claro. Y es que era sacar un disco recopilatorio y con un grupo de rap. Me daba pánico… pero no lo pude parar. Y no me arrepiento porque quedó perfecto y además gustó muchísimo, me abrió mucho público… todo ha sido positivo.

Tengo curiosidad por saber que te parecen Ayax y Prok. Para mí tal vez de lo mejor que se puede escuchar hoy en día si hablamos de rap nacional.

Para mí, Ayax y Prok junto a Foyone, Momo y Osian son el rap en español tal y como lo conocemos. Son los supervivientes… los herederos… como lo quieras llamar. Eso es rap en toda su esencia. Tanto por lo que dicen, como lo dicen, también los ritmazos que se gastan. Para mí es como ir a ver a Violadores del Verso en su época. Tiene esencia, tiene actitud, tiene verdad… a veces lo pienso… estos mantienen vivo el rap.

¿Te mojas y nos recomiendas algunos nombres que de verdad te transmitan y te emocionen?

Me gusta mucho Elphomega que ha publicado disco hace muy poco. Un disco que me ha flipado, el tema “El hombre en el hielo” me parece impresionante. Me vuelve muy loco. Por ahí hay un chico venezolano que se llama Akapellah que hace rap también como lo conocemos. También me gusta Crudo Means Raw, que también me ha producido algún tema y que también ha sacado un disco hace poco. Rxndy Acosta, Pielroja… Canserbero también, menudos letrones. Lo que estaría escribiendo ahora mismo… una pena.

Aunque ahora mismo la gira de El Círculo está en pleno auge, imagino que empiezas a vislumbrar el final de la misma pare cerrar definitivamente el círculo. ¿Hay algún proyecto que ya se está formando en tu mente? O simplemente suscribes tus palabras de “No sé qué voy a hacer (Booty Song)”

Algunas veces pienso en el final aunque queda muchísimo tiempo de carretera. Posiblemente dos años… vamos a ver como se desarrolla todo… también está el tema de Violadores del Verso… en principio, a día de hoy, creo que me gustaría hacer algo compartido. No hacerlo solo. Pero bueno, nunca se sabe. Puede que me salga la inspiración y me presento con nuevos temas… también hay que decir que una vez sacado el primero, siento que he sacado muchas mierdas de dentro y el segundo tiene que ser mucho más relajado. Eso seguro… También hay el gusanillo de hacer algo más experimental… tal vez con otro nombre… ¡Qué estoy muy loco! (risas) claro, todas las locuras que tenía que hacer, no las he hecho en el disco por lo que tengo que ver como lo gestiono…

Siempre he pensado que se tendrían que publicar más proyectos de poca durada. Maxis de tres temas como Atrás (Rap Solo / Boa, 2000 ) que publicaste con Violadores o como Previo (Rap Solo / Boa, 2015) que sacaste antes de El Círculo.

Precisamente soy muy partidario de publicar este mismo año algún maxi con canciones inéditas y no esperar a tener otras dieciséis… no es mala idea el hecho de publicar de esta manera el nuevo material.

También soy partidario de publicar discos de poca durada. Sus diez temas redondos, que los puedas escuchar del tirón…

Yo también. Realmente quería publicar muchas menos canciones en El Círculo pero me encontré que tenía muchísimo material… y además, después de tantos años… de hecho es un disco larguísimo… pero sí, prefiero sus diez o doce canciones y fuera.

Muchísimas gracias por conceder la entrevista a Notodoesindie. Un auténtico lujo y un placer. Esperamos que la gira funcione tan bien como de momento y nos vemos el próximo día 22 de julio de 2017 en Palma de Mallorca.

Muchas gracias a vosotros me ha encantado. Sí, ahí estaré. Un abrazo.

 

“SUPER M”, EL VIDEOCLIP DE EL DÍA ELÉCTRICO

en BALEARES/PORTADA - SLIDE/VIDEOJUEGOS Y MÚSICA por

No es la primera vez que desde Notodoesindie os recomendamos a El Día Eléctrico y es que el dúo mallorquín nos ha ido ganando con sus sintes, vocoders y esa temática robot que tanto les caracteriza.

El grupo de David Fernández (Guitarra y Voz) y Toni Sánchez (teclados, pad, synths…) está de estreno y es que desde hoy, los humanos, podemos disfrutar de su primer video “Super M”, realizado por PigPanther con un look retro de aquellos videojuegos arcade de los 80, que vació los bolsillos a más de uno en las recreativas del barrio. Y es que otra cosa no, pero el video les viene que ni pintado a los retrogamers de David y Toni.

En breve Pink Tiramisu Agency, nos dirá más sobre la fecha de publicación del primer EP, hasta entonces, “Super M” en bucle todo el día.

Fotografía Portada: Six Producciones

INVOCANDO EL ESPÍRITU ‘TITANIC’

en ARTÍCULOS/OPINIÓN/PORTADA - SLIDE/SUPLEMENTO PAPEL por

Parece mentira, pero nos plantamos ya en nuestro tercer suplemento en Última Hora y lo que empezó como una aventura un tanto kamikaze, va tomando cuerpo y consolidándose. Pues bien, una vez superada la famosa la cuesta de enero sin tener que lamentar mayores pérdidas en lo musical (después de lo de Bowie el año pasada por estas fechas) afrontamos el mes de febrero, ese mes especial y diferente, como con prisa por acabar… El mes en el que todos esos centros comerciales se encargan de recordarnos que el espíritu del amor es la gran esperanza mundial y tal. Luego está Spotify, que empezará a recomendarnos listas de reproducción para enamorarse, para cenas románticas, otras para hacer el amor…, qué sé yo.

Obviamente puede ser una buena ocasión para pensar en la relación tan estrecha que siempre ha tenido la música con el amor, entendiendo este último sobre todo como el gran triunfador de la vida y aquello que nos completa como seres vivos. Pero desde luego nadie es ajeno a esa faceta poliédrica del amor, a sus múltiples vertientes: el amor platónico, el no correspondido, el amor eterno, el ciego; ese amor dañino, o el prohibido…, el imposible.  De hecho, estaremos muchos de acuerdo en que es muy probable que las mejores canciones de amor hayan sido de hecho de desamor. ¿Cómo distinguirlas? Pues eso ya depende mucho de cada uno y sus circunstancias. Pero el denominador común será casi seguro, ya sea en un caso u otro, ese “subidón” repentino propio del enamoramiento, o bien el sentido desgarro del corazón cuando nos estrellamos.

Es uno de los temas universales; y todos los grandes escribieron (y escribirán) algún día canciones sobre ello; desde The Beatles -que ya hicieron su particular declaración de intenciones con ”All you need is love”-, Elvis Presley o el recién galardonado Premio Nobel Bob Dylan; hasta grupos nacionales ochentudos como Los Secretos -quién no ha escuchado en bucle “Pero a tu lado” con sus primeros amores-, o el mismísimo Iván Ferreiro, que cuando se trata de canciones de desamor sabe dejarte hecho trizas como nadie. Todos tenemos nuestras preferidas, aquellas a las que acabamos recurriendo en determinados momentos. Y aunque sea siempre difícil hacer una lista personal de las mejores canciones “moñas”, creo que siempre metería “I miss you” de Incubus en cualquiera de ellas. Pero en mi opinión me aburre mucho, incluso me cabrea, que cada febrero nos bombardeen con el temita de San Valentín, para invitarnos a gastar principalmente. Eso sí, si se trata de regalar un disco quizás lo vea de otro modo. Y es que lo cierto es que gracias al regreso del vinilo – el disco de toda la vida- y a la vuelta de lo vintage, parece que la industria musical puede recuperar algo del terreno perdido durante los últimos tiempos. Además, 2017 llega con muchas novedades interesantes, tanto nacionales como internacionales, y seguro que habrá aún muchas nuevas historias de amor y desamor en las que vernos reflejados.

En cualquier caso, no hagan caso a este que escribe; si tienen pareja aprovechen y salgan, alcen sus copas y celebren conjuntamente el amor y la música; y si no la tienen… salgan, beban igualmente y celebren su amor por la música.

(Foto portada: Pato Conde @PatoCondeHP)

ENTREVISTA A PÁJARO SUNRISE

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE por

Disco cada dos años, hasta el 2013 cuando se publica Kulturkatzenjammer, espera de tres años y en este 2016 dos discos casi seguidos. ¿Cúal es la razón de este ritmo de estrenos?

Dos años me parece un intervalo ideal entre discos. Nunca dejo de escribir canciones, pero de esta forma tengo un año de transición en el que puedo repetir patrones del disco anterior mientras aprendo cosas distintas –o eso quiero creer- y otro año del que saco casi todo el material nuevo. Entre Kulturkatzenjammer y estos dos discos sucedieron muchas cosas en mi vida –incluido un disco-libro con Hovik Keuchkerian (Resiliente, 2014), que probablemente fue más complicado de hacer que ninguno de los de Pajaro Sunrise, y la traducción de El Sonido y la Perfección, de Greg Milner-; las canciones estaban ahí pero no encontraba el momento o la motivación para reunirlas en un disco –una parte de lo que acabó siendo “Oh My”-. Hice Kulturkatzenjammer prácticamente yo solo y, después de Resiliente, supongo que necesitaba un descanso de grabaciones y que pasase algo más de tiempo.

Pajaro Sunrise ha tocado desde el Folk  puro hasta la electrónica más exquisita, crees que este es tu disco más POP en el sentido más amplio de la palabra?

Creo que los dos primeros discos, sobre todo el primero, ya eran muy pop; en realidad, quizá Old Goodbyes sea la única excepción. En cualquier caso, The Collapse es un álbum muy de guitarras. Y guitarras de Bart Davenport, que es una enciclopedia andante del pop. Puedo entender la pregunta.

A pesar que la música transmite alegría y optimismo, algunas letras son muy agridulces, el título del disco tiene que ver con algún tipo de colapso personal?

Tiene que ver sobre todo con un colapso personal, sí, pero también con una especie de sensación pre-apocalíptica que está muy presente en el ambiente durante los últimos años. Recuerdo haber hablado de esto con Bart en el viaje de vuelta y a él diciendo que probablemente cada época ha tenido que vivir con esa sensación, no sólo la nuestra. En parte estoy de acuerdo, pero son tiempos raros estos y, fantasía o no, se diría que ya no dan mucho más de sí.

En este disco trabajas mano a mano con Bart Davenport, cómo ha sido la experiencia?

Soy (muy) fan de Bart desde el Bart Davenport / Bart Davenport y recuerdo haber pasado otra época personal bastante difícil casi exclusivamente a base de su Palaces: sólo el hecho de que estuviese dispuesto a participar en este disco ya fue un alegrón. Nos habíamos conocido en Madrid unos años antes pero nunca habíamos hecho nada juntos, así que ninguno de los podía saber qué iba a salir de todo aquello. Y lo cierto es que cuando llegó el momento fue todo facilísimo: él es un encanto de tipo y tenemos bastante terreno común musicalmente; fueron dos semanas increíbles de grabar, ver atardeceres en la playa, comer estupendamente –gracias, Nini- y reírnos mucho. No sé cómo será la grabación del próximo disco, pero va a ser difícil que la disfrute más.

Háblanos del equipo de lujo que te acompaña; Charlie Bautista, Javier Jiménez, Shawn Lee…

De Shawn conocía sus producciones y algunos vídeo suyos en YouTube, pero no a él personalmente. Al montar la banda nos encontramos con que el batería propuesto por Bart estaba girando con José González durante esos días y no había ninguna otra forma de organizar el calendario de grabación. Shawn ya había hecho algunos conciertos con Incarnations –como bajista- y además puede tocar prácticamente cualquier instrumento. De hecho, si no fue la primera opción seguramente se deba a que no creíamos que estuviese disponible (o interesado). Pero dijo que sí sin dudarlo y ahora me alegro mucho del conflicto de agendas que nos lo trajo: el disco sería muy distinto sin él.

Charlie ha grabado teclados en prácticamente todos los discos de PS y para mí gusto es uno de los mejores músicos de las Españas. Y viendo el número de discos en los que graba y el número de grupos con los que toca, parece ser una opinión bastante extendida. También hay mucho de él en The Collapse.

Javi y yo llevamos tocando juntos desde la gira de Done/Undone –podéis escuchar algunas versiones increíbles que graba como “Noble Beast” en su SoundCloud-, casi siempre el violín y últimamente también guitarras. Aunque en este disco ha grabado sólo en unas pocas canciones, ha sido un apoyo enorme durante todo el proceso y probablemente conozca el disco tan bien como yo –o mejor, muchas veces-. Agradecimiento infinito.

De momento tienes cerrados tres conciertos; Madrid, Barcelona y Coruña. No te prodigas mucho en directo, ¿esta gira la tienes pensada organizar con banda o en solitario?

Las presentaciones han sido con banda y después habrá un poco de todo: algunos conciertos a principios de año los haré yo solo o con Javi y en primavera habrá más conciertos con el grupo entero. Desde el verano he estado tocando bastante y espero seguir así una buena temporada: había dejado los directos prácticamente de lado porque necesitaba recuperarle el gusto y la pausa ha funcionado a la perfección.

En Palma tenemos muchas ganas de verte y hay un festival que te vendría perfecto, el Summer Pie, donde han actuado gente como: Rayland Baxter, Julie Dorion, Cuff The Duke, The Parson Red Heads, ¿podemos soñar con verte algún día?

¡Ojalá!, ¿dónde se apunta uno?

Me comentaba un amigo de León que tuvo la suerte de verte en un directo en acústico que le llamó mucho la atención como temas electrónicos o con muchos arreglos sonaban de maravilla sólo con una guitarra. ¿Es tu forma primigenia de componer, una guitarra acústica a la que le vas añadiendo capas de sonidos y diferentes texturas?

De hecho a menudo sucede al revés: escribo las canciones usando bases electrónicas y luego busco la manera de adaptarlas a la guitarra o al piano. Estoy acostumbrado a tocar cualquier canción de cualquier manera y creo que ésa es una de las cosas que más me divierte hacer en directo. Los conciertos con Javi se prestan estupendamente para eso: llevamos siete años tocando juntos y podemos permitirnos tocar sin pensar y hacer cosas nuevas cada vez. Sería muy aburrido tener que hacer siempre lo mismo.

Has dado conciertos por Europa y Asia con una excelente acogida, ¿crees que, debido al eterno complejo español,  si hubieses sido un músico americano o inglés serías más reconocido en España?

La verdad es que no tengo ni idea. Quizá cantase en español o en francés y me ocurriría exactamente lo mismo. En todo caso, no puedo quejarme de reconocimiento y en Madrid y Barcelona hemos tocado con las salas llenas. Poco a poco vamos teniendo más público y quiero creer que con un poco de persistencia llegaremos a tener al menos el suficiente como para poder girar más a menudo.  Creo que con eso me conformo.

¿Alguna vez has pensado en cantar en castellano?

Lo cierto es que grabé un disco en castellano en 2004 como parte del paso fugaz de V2 por España. Había escrito las canciones a toda prisa el verano anterior a la grabación y me faltaba mucha práctica, así que vistas ahora la mayoría me suenan bastante ingenuas, pero me sirvió para entrar por primera vez en un estudio grande y para aprender una barbaridad de todo aquello –la banda fue Jairo Zavala, Javier Vacas, Javier Gómez y el productor, Dani Alcover-. También aprendí que no quería volver a saber nada de multinacionales y que estaba más cómodo tocando la música que tocaba hasta entonces. Seguí escribiendo canciones en castellano durante un tiempo para intentar sacarme la espina con otro disco que me gustase más, pero poco después empezamos con PS y acabé dejándolo abandonado. Últimamente pienso en ello de vez en cuando, pero me sigue gustando viajar a sitios extraños y las letras en inglés me han pagado los billetes de avión hasta ahora. En algún momento llegará, supongo, pero no por ahora.

Siempre has estado vinculado al sello madrileño Lovemonk, has tenido la oportunidad de firmar por una multinacional o es una posibilidad que no valoras?

Pasé por una multinacional con el disco del que hablaba antes y, al menos entonces, no me gustó especialmente. No veo a ninguna multi interesándose por mí ahora mismo y tampoco me veo fuera de Lovemonk mientras les queden ganas de publicar discos: quizá no tengan muchos medios –y tampoco me quejo-, pero ponen un cariño enorme en todo lo que hacen y me apoyan en cada locura que se me ocurre. ¿Dónde iba a estar mejor?

En el otro disco que has publicado este año “Oh My(Lost Songs 2006-2016)” nos das alguna pista de tus influencias musicales, ¿qué está escuchando ultimamente Yuri?

Según mi perfil de Last.fm los últimos tres meses han sido para Nils Frahm, Ólafur Arnalds, Ghost Culture (discazo), Franco Battiato y Sonny and the Sunsets, por ese orden. En este tiempo también he pasado una época de adicción intensa a la electrónica africana de los ‘70/’80 (William Onyeabor, Francis Bebey) y, en la época en la que grabamos The Collapse aún estaba superando otra enganchada de tamaño mediano con John Maus, Connan Mockasin y Ariel Pink. La lista no se acaba nunca.

Ilustración: Diego Ingold (@DiegoIngold)

LA PLAYLIST DEL INVITADO: SANTI CAPOTE

en PORTADA - SLIDE/SESIONES Y PLAYLISTS por

Santi Capote, quien fuera mitad del dúo Ellos, en este 2016 que despedimos se ha sacado de la manga un EP en solitario que lleva por título Exorcismo. Próximamente publicaremos una entrevista en la que le preguntaremos acerca de sus primeras impresiones con este nuevo proyecto en el que hace de todo… Mientras tanto le hemos pedido que nos ponga en una playlist la música que lleva en la cabeza.

Nos deja una lista con pop de muchísima calidad con The Lightning Seeds, Carlos Berlanga, Los Magnéticos, Pulp, Geneva, Marc Almond & Gene Pitney, Bernard Butler, Ash o Manich Street Preachers… Escuchando sus influencias uno entiende porque las canciones de su EP enganchan tanto…

Si estás en Barcelona el próximo 21 de enero puedes ver a Santi Capote en la sala Razzmatazz donde luego estará pinchando temas junto a Algar. Hasta entonces disfruta con su selección:

ENTREVISTA A EXSONVALDES

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE por

exsonvaldesSi hay un grupo francés que está pegando fuerte en España ese es Exsonvaldes. Aunque los parisinos llevan ya 15 años en activo, es hace 3 que despuntan con “L’Aérotrain”, canción incluída en LIGHTS (Le Periscope, 2013). Este año han vuelto a sacar álbum: ANANDA (Interference / Green Ufos, 2016) en el que ya han sido éxito canciones como “Cyclop” o “En Silencio”, ambas con la colaboración de Helena Miquel. Tras su paso por diferentes festivales veraniegos en España, Simon Beaudoux, voz y guitarra de Exsonvaldes, ha tenido la amabilidad de atender a la entrevista de NOTODOESINDIE.

¿A qué se debe el éxito de Exsonvaldes en España?

Realmente no lo sabemos… supongo que el momento era el correcto. Teníamos el sello correcto en el momento adecuado y las canciones correctas. Tan pronto como empezamos a tocar en España sentimos una conexión muy especial con el público y este vínculo ha seguido creciendo. Ahora es nuestro lugar favorito para tocar.

Un compañero de Notodoesindie que no os conocía os vio en el LOW FESIVAL y quedó muy sorprendido por vuestro directo. Me imagino “Walls” en vivo y debe ser fantástico tanto encima como debajo del escenario…

¡Muchas gracias! Tocar en directo es muy divertido para nosotros… y muy importante. Después de todo el trabajo duro escribiendo canciones y grabándolas, es en el escenario donde finalmente puedes divertirte. Además hemos tenido la suerte de tocar en algunos festivales muy chulos en España. El LOW FESTlVAL fue uno de ellos.

No queremos sonar a nada que se parezca a los clásicos franceses

¿Qué grupos españoles escucháis?

Muchos…, Délafé obviamente, y el nuevo proyecto de Helena Miquel “Elena”, León Benavente…también me gusta mucho Mourn, de Barcelona.

Hablando de Helena Miquel… la verdad es que disteis en el clavo con ella…

Queríamos hacer un dúo durante mucho tiempo, y también queríamos hacer algo especial para la audiencia española, así que parecía lógico. Conocimos a Helena en un festival en Andalucía y ya nos encantaba su voz. La verdad es que estamos muy contentos con los resultados. Escribir las dos canciones con ella fue una gran experiencia artística y además estamos encantados de haber lanzado un álbum en el que se dan 3 idiomas diferentes.

La popularidad llegó con LIGHTS pero con ARANDA habéis logrado encontrar la fórmula perfecta…

LIGHTS fue, sin duda, un punto de inflexión para nosotros. Las canciones en francés, “L’Aérotrain” que se escuchó mucho tanto en Francia como en España… empezamos a dar conciertos muy buenos, recorrimos muchas ciudades y eso nos sirvió para coger confianza. Con ARANDA quisimos hacer algo más espontáneo, más crudo… sí, definitivamente quisimos hacer algo más oscuro. Grabamos el álbum en vivo en Aranda de Duero, y la verdad es que estamos muy contentos con él.

España es nuestro lugar favorito para tocar

Al hablar de música francesa inevitablemente se piensa en la escena electrónica, en el movimiento musical llamado FRENCH TOUCH. ¿Vivisteis ese tiempo? ¿Os interesó todo aquello?

Sí, por supuesto. Escuchamos y seguimos escuchando un montón de música de esa escena, que además es amplísima. Phoenix, Air, Alan Braxe, Modjo… realmente pusieron la música pop Francesa de nuevo en el mapa. De Daft Punk por ejemplo me gustan mucho sus dos primeros álbumes, lo posterior dejó de interesarme.

En nuestro programa de radio de Notodoesindie en Sputnik Radio hemos utilizado este año como sintonía el  “Comment te dire adieu” de Françoise Hardy… ¿hasta qué punto hay algo de influencia de los clásicos franceses en la música de Exsonvaldes?

No escuchamos la mayoría de clásicos franceses, así que supongo que la influencia que tuvieron en nosotros es que no queríamos sonar para nada como ellos.

¿Pronto nuevo álbum?

Vamos a tener más conciertos en 2017 y después de eso vamos a pensar en el nuevo álbum.

¿Qué grupos de la escena musical francesa nos recomiendas?

Os recomendaría a Louis-Jean Cormier (él es de Quebec), a Jacques, a Fishbach… la compilación LA SOUTERRAINE. También a Maud Lübek, que hemos sacado desde nuestro propio sello FINALISTES y que es un álbum magnífico.

¿Volveréis a tocar en Mallorca?

Estuvimos ya hace años, en el 2010 en concreto, en el MALAFAMA FEST… la verdad es que estaríamos encantados de volver a tocar en la isla.

Pues ya lo sabéis promotores de Festivales de Mallorca, la mano de Exsonvaldes está tendida… los mallorquines queremos disfrutar del vibrante directo de los parisinos.

LA PLAYLIST DEL INVITADO: DIOSQUE

en PORTADA - SLIDE/SESIONES Y PLAYLISTS por

De vez en cuando le ponemos la oreja a lo que pasa a lo otro lado del Atlántico, y así fue como descubrimos al argentino Diosque, a quien entrevistamos hace un tiempo en Notodoesindie. Hoy la playlist del invitado viene de muy lejos y con muchas canciones por descubrir. Nos la hizo hace ya un tiempo y casualidades de la vida, termina con una canción de Leonard Cohen, quien tristemente ha fallecido hoy.

ESPECIAL 25 AÑOS DE ACHTUNG BABY Y 40 DE U2

en ARTÍCULOS/PORTADA - SLIDE por

ab_morocco2_640

El 19 de noviembre el disco “Achtung baby” cumple 25 años, un álbum para muchos el mejor de la larga carrera del grupo irlandés y un disco importante para al menos dos de los miembros de Notodoesindie. Además en 2016 U2 han cumplido 40 años juntos como grupo. Así que hemos aprovechado la doble excusa para ponernos a divagar musicalmente sobre ellos en una serie de artículos que verán la luz en los próximos días.

Esperemos que os gusten, aquí te los dejamos:

  1. U2, TÚ ANTES MOLABAS (10 CLAVES DE SU ÉXITO).
  2. U2, 5 RAZONES POR LOS QUE LES CAEN TANTOS PALOS.
  3. U2, 5 MOTIVOS PARA LA ESPERANZA (O EL AUTOENGAÑO).
  4. U2, LA PLAYLIST DEFINITIVA.
  5. “ACHTUNG BABY” (1991), U2.

u2-1978-1

1 2 3 5

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Ir Arriba