Cultura musical para indios y salmones

Archivo de la categoría

PORTADA – SLIDE

Entradas que salen en el slide

LA PLAYLIST DEL INVITADO: NUDOZURDO

en PORTADA - SLIDE/SESIONES Y PLAYLISTS por

La banda liderada por Leo Matos se cascó el año pasado uno de los mejores discos nacionales con Voyeur Amateur. Precisamente la canción que da nombre al disco formó parte de nuestro top nacional 2017. Atrás queda ya aquel premio de la Música Independiente al Artista Revelación de hace diez años. Su sonido potente, letras crípticas y el peculiar timbre de voz de Leo (a mi me recuerda extrañamente a Bombo de los Fraggle Rock) han hecho que sean actualmente uno de los grupos top del panorama musical nacional.

Hoy la banda madrileña nos regala a todos los seguidores de Notodoesindie esta playlist.

THE WHEELS, LISTOS PARA GIRAR (CON TEXTO DE PACO LOCO)

en ARTÍCULOS/BALEARES/PORTADA - SLIDE por

“¿A qué artista le dedicamos la portada del próximo número?” Ahí empezó una entretenida discusión entre la redacción de Notodoesindie que se acabó tajantemente en cuanto vimos el borrador del cartel de la gira que The Wheels estaban a punto de presentar a la prensa. Impresionante es para un grupo español salir a girar internacionalmente (más de cuarenta citas por Europa, Australia, Canadá, Estados Unidos…), es por ello que nos alegramos enormemente por el tour mundial al que se van a enfrentar, sin duda la gira de mayor envergadura emprendida por un grupo mallorquín. El grupo de Guille Borrás & Co. sin duda se lo merece. Su propio nombre, cogido de la canción “I’m a Wheel” de Wilco, es desde sus inicios un guiño a lo que querían sonar, musicalmente tenían bastante claro hacia dónde ir. Ahora podrán presentar su sonido y estilo propio por todo el mundo. Guille, Rik, Andrés, Tomi, Toni y Albert… ¡Enhorabuena!

Cualquier cosa que digamos sobre ellos puede sonar ahora ventajista. Es por ello que le pedimos unas líneas a alguien que musicalmente los ha conocido de cerca. Escribe Paco Loco, uno de los productores españoles de mayor prestigio y con el que grabaron “The Year of the Monkey”. Les dedica las siguientes palabras:

Yo voy a ir… Yo no sé tú pero yo pienso salir esta noche e ir a ver a The Wheels. Vienen a mi ciudad y no me los pienso perder. Pocas veces tengo la suerte de ver un grupo que suena como un grupo y se comporta como un grupo. He de decir que cada vez me llama menos ver música en directo. Hoy en día las grabaciones hacen que los grupos pierdan su identidad, se experimenta mucho con su música en el estudio, cosa que me parece genial…, pero lo que no me parece tan genial es que esa experimentación no se lleve al directo.

Tampoco espero escuchar a un grupo que suene como el disco. Como decía Lou Reed cuando alguien le criticaba por cambiar las canciones del disco al directo, ”el que quiera escuchar las canciones como en el disco que se compre el disco”… Yo repito, no espero escuchar lo mismo que el disco pero si espero escuchar el ambiente y la sonoridad del disco. En ese sentido creo que The Wheels lo consiguen. Su directo es maravilloso, consiguen recordarte su sonido y el ambiente de sus grabaciones pero dándole la energía propia del directo: cantan, corean, tocan… se preocupan por el directo. En fin que yo sí voy a verlos y si yo fuera tu no me los perdía.

Y ocasiones de verlos no te van a faltar. Hace unos días Guille de The Wheels me mandó un mensaje por whatsapp, (bueno quizás no tendría que poner marcas comerciales por aquello de la publicidad…nada, ya está dicho)… El mensaje me hablaba de que tenían una gira mundial. ¡Mi madre! ¡Gira mundial! No hay muchos grupos que yo grabe que hagan giras mundiales, las Hinds y poco más así que echando la vista atrás y pensando en el disco que grabamos y en el trabajo del grupo no puedo sentirme más contento por ellos. Espero que me lleven con ellos algún día. Lo han pasado mal buscando su sitio… pero al final parece que ese trabajo está dando resultados.  Espero que sea el principio de muchas giras y muchos discos…a ver si me llevan algún día a visitar mundo y poder verlos girar de cerca.

NATHY PELUSO: LA REINA DE LA VIGILIA

en ARTÍCULOS/PORTADA - SLIDE por

Nathy Peluso se presenta en la escena musical mainstream como el híbrido perfecto para el devenir del hip hop y del neosoul latino. El pasado 6 de Abril salió a la luz su EP La Sandunguera del que ya tiene single con videoclip incluido.

Una noche mientras dejaba sonar una playlist de “artistas relacionados” que tenía como origen el disco Banzai de Gata Cattana, se instaló en mi cerebro un repentino e inesperado alarde musical de personalidad, calidad y extravagancia. Todo empezó con un poético “fuera de mi inverso centro como saliva del arce negro, estás” rapeado a lo que siguió un paseo rítmico lleno de hiperdramatización, vocales engullidas o deslizadas sobre una métrica cuidada y valiente. Nathy Peluso llegó para quedarse en mi TOC musical, impresionada por su manera tan iconoclasta de hacer rap y por la teatralidad que invade cada espacio que ocupa, al más puro estilo La Lupe o Screamin’ Jay Hawkins (de hecho, si estos últimos hubiesen copulado y tenido descendencia, Nathy habría sido su hija predilecta). La puedo imaginar perfectamente marcándose un “Honk Kong” con ritmo latino o interpretando “La Gran Tirana” a lo neosoul. De hecho, su proceder rinde tributo constante a su personaje, ya que en alguna que otra entrevista la he visto hablar de Nathy en tercera persona. Y es que, tal y como ella misma relata, el teatro forma parte de su vida desde que era una cría así que no es sorpresa que con todos esos antecedentes se modelara una artista tan ecléctica. ¡Ah! Y también canta. Y lo hace de maravilla. Con un color de voz con reminiscencias negras (declara también estar muy influenciada por el gospel), le da el punto soul a todas sus composiciones. Hay varios videos caseros suyos colgados en YouTube donde podréis deleitaros con versiones de clásicos como “Summertime”, “Georgia” o “Cry me a river”.

¡Puro flow esta mina! Y, aunque la argentinidad emana de cada poro de su piel, nos sabe despistar con ese acento yanki-galaico-argentino que se gasta. Aunque puede poner de mala hostia no entender ni papa en algún corte, ésta se compensa con el deleite de escucharlo claro en otros… That’s life! Lo bueno, a veces, viene bien escondidito.

Así que, como podéis comprobar con la previa descripción de la nena, en shock me quedé cuando escuché su single “Corashe”, así, sin haberlo elegido ni premeditado. Como un nacimiento, como una muerte. Asestó un fuerte golpe a mi cajón del hip-hop, en el cual me prometí a mí misma una y otra vez que no entraría ninguna mujer más después de la Cattana.

El mentado single precedió al anunciado EP La Sandunguera que, ya cocinado, está bien caliente en vuestras mesas (¡habrá reseña próximamente!). Por cierto, el single homónimo de este EP se pudo escuchar desde hace algo más de un mes “pa’ gose” de vuestros oídos.

Y no penséis que porque tunée palabras y escriba como le sale del higo es menos lista. Nathy sabe. Sabe mucho. Simplemente hace un alegato de creatividad y provocación como el mismísimo Juan Ramón Jiménez. Con influencias tan variopintas como Atahualpa Yupanqui, Ray Charles, Serú Giran, Notorius Big, Ella Fitzgerald, Erykah Badu y un largo etcétera, su música parece que sentará precedentes en la nueva era del hip-hop con esa dicción y fraseo tan características.

Eso sí, como todo lo revolucionario puede generar grandes pasiones. Entiendo a quien no pueda escucharla. Tanta extravagancia puede resultar molesta. Pero sus reclamos nos han llegado. Nathy quería ser escuchada, y lo hemos hecho. Tiene placeres que contarnos, versos muy poéticos que recitarnos y una imagen desmarcada de cualquier estilo hermético que parece decir a gritos: “¡copiame si te atrevés!”

A sus 23 años le queda mucha trayectoria que recorrer y mucho estilo por forjar pero este EP que acaba de publicar y todos los singles ya germinados parece que pueden sentar unas bases sólidas que construirán su pista de despegue. No le interesa el lujo ni la ostentación, pues como decreta en su cuenta de Instagram “Acá venimos a hacer MÚSICA. Luego que venga la guita, el bling bling, lo diamante, el sueño dorao y la concha e su mare. Pero acá venimos a hacer música. A emocionar al mundo con lo que de verdad sabemos hacer, que es música. Que pasen los años, y mi gente recuerde nuestras canciones como algo esencial, una marca en una etapa, una ayuda, una canción amiga”. Y de canciones amigas interpretadas por mujeres está el hip-hop cojo desde su misma concepción. Siempre eché en falta mujeres referentes por estos lares que llegasen para dejar una huella profunda en los beats de nuestros corazones. En el panorama internacional podemos encontrar varios ejemplos (aunque no todos de mi gusto, personalmente) pero de habla hispana son mucho más difíciles de hallar si no hablamos de Mala Rodríguez, Anita Tijoux o Mai. Sé que hay más, pero tengo que reconocer que no muchas me han calado hondo, así como sí lo ha hecho la Mala, Gata Cattana y, por supuesto, otras diosas del hip-hop como Lauryn Hill, Keny Arkana, Missy Eliott o Queen Latifah.

Así pues, os emplazo a que echéis un oído a La Sandunguera o un vistazo a las próximas fechas de sus bolos en la península (porque la isla parece que no le queda a mano todavía…).

La Peluso lo va a petar y si no, ¡al tiempo!

COBRETTI VELOZ

en ARTÍCULOS/BALEARES/PORTADA - SLIDE por

Escorpio es la banda de Toni Cobretti, Rafa Cor Romput y Sofía de Dol. Si todavía no los conoces es obligado que no te los pierdas. Mallorca Live, Monkey Week, el Primavera Pro o el Death in June de Londres fueron algunos de los festivales en los que tocaron el año pasado. Nosotros tuvimos la suerte de disfrutar de su directo recientemente en nuestro Tercer Aniversario. En este 2018 actuarán además en el Ruido Fest en Chicago, considerado el festival de música latina más importante de Estados Unidos, en el Low y en el Cranc Festival de Menorca. A Escorpio y especialmente a su alma mater: Toni Cobretti, le dedicamos la portada de nuestro suplemento del pasado mes de marzo.

Toni Cobretti inició su andadura musical con The Last Dandies. En la actualidad tiene un proyecto paralelo bajo el nombre de Correa, pero es con Escorpio donde se hace evidente la influencia que su tío, Pere Pla, líder de las bandas míticas de Mallorca, Forats Negres o Furnish Time, teloneros de The Smiths en Madrid en el 85.

Y quien mejor que el propio Pere Pla para hablarnos de Toni Cobretti. Dejemos que sea él mismo en primera persona quien nos cuente más sobre él.

“La jugada ha salido bien. Cuando Cobretti era casi un niño le dejé (y luego regalé) mis guitarras eléctricas porque vi que estaban en buenas manos. Reconocí en él algo de mí… en su manera de entender la música.

Ahora tenemos varios proyectos para trabajar juntos. Ya lo hicimos en la presentación de mi disco “El Pes del Cel” en el teatro de Lloseta y fue genial. La verdad es que tenemos una intensa conexión.

Él es VELOZ. Está en una época de gran creatividad. Siempre, cuando viene a casa coge una guitarra y me ofrece una idea o una canción nueva. Hablamos de literatura o de pintura (ha conectado muy bien con Rafel Joan, el pintor que tantas obras hizo con Furnish Time y que ha hecho la portada del disco de Escorpio).

VELOZ. A veces creo que se aleja demasiado, que ya no volverá. Va muy lejos, a territorios salvajes y oscuros (que yo también he conocido) pero siempre regresa con algún tesoro en las manos y alguna herida que le hace más fuerte. VELOZ.

COBRETTI es VELOZ Y BRILLA!!!”

 

LOS ORÍGENES DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA

en ARTÍCULOS/PORTADA - SLIDE por

Muchos de nosotros pensaremos que la música electrónica no es tan vetusta, que comenzó a erigirse sobre la década de los sesenta o setenta, pero no es así, los orígenes de éste sonido se data en el año 1910: la primera composición electrónica está elaborada por un genio avezado y osado denominado Luigi Russolo, considerado el primer compositor de este género. Luigi Russolo era un personaje muy heterogéneo; escribía poesías de inclinación futurista, pintaba, y evidentemente componía música con hilo vanguardista. Su inquieta mente desarrollaba grandes creaciones artísticas aportando contemporaneidad en dichas disciplinas, sobre todo en aquella época, dónde la sociedad, cultura y el arte era demasiado costumbrista.  En aquellas fechas redactó un manifiesto llamado “El arte de los ruidos” dónde explicaba que “el arte de los ruidos no debe limitarse a una simple tentativa de reproducción… Debemos ampliar y enriquecer el campo sonoro”. Luigi Russolo construyó junto con su amigo y compañero Piatti el primer instrumento de música electrónica: era una gran máquina bautizada Explosionador. Era un aparato de grandes dimensiones que reproducía solamente y automáticamente 10 notas completas y el sonido era idéntico al ruido de un motor. Estos dos impulsores del futurismo, el pintor Piatti y el polifacético Russolo no sólo se centraron en manufacturar el Explosionador, trabajaron en la producción de más máquinas que emulaban los mismos sonidos, generadores de ruido: el Ululador, el Guglulador, el Silbador, el Crepitador y el Rascador, con estos aparatos ultimaron la estructura de una orquesta nombrada Intonarumori.

Los Intonarumori fueron los primeros dispositivos del género. Todo esto fue la incoación para la música electrónica, tanto para su sonido cómo para su instrumentación, conllevando a una evolución tecnológica. Luigi Russolo no se conformaba con escuchar los ruidos que reproducían sus máquinas, también se dedicaba a grabar cualquier ruido que aportaba la ciudad, el bullicio de la gente y los minúsculos sonidos que aportaba la naturaleza. Las grabaciones de Russolo están fechadas en el año 1913, pero muchísimas de sus obras desaparecieron debido a la II Guerra Mundial.

Cuándo anteriormente hablábamos de Russolo, él que fue el creador de la música electrónica, en los años posteriores, concretamente en el 1920, surgen nuevos eruditos y vanguardistas, y uno de ellos es el ruso Leon Sergevych Termen, más conocido por Leon Theremin. Se le reconoce por su excelsa labor en la contribución en la electrónica, ya que crea el instrumento Theremin, éste instrumento fue un aporte trascendental para el género y para confeccionar la experimentación en el sonido. A finales de los años 40, aparece el compositor francés Pierre Schaeffer, dotado con un gran intelecto compositivo, llegó a realizar música usando simplemente una cinta magnética. Un perfecto constructor de la experimentación, ya que estuvo en pleno rendimiento creativo, y en el año 1952 edita una sublimación de su obra llamada En busca de una música concretaque recopila toda su metodología de  composición empleando los grandes instrumentos creados en el campo de la experimentación, como el arco de Duddell, el telarmonio de Cahill, el Theremin, el electrófono de Mager, las ondas de Martenot y el trautonio de Sala. En 1951 es el año que la música electrónica se establece y se declara oficialmente cómo género. Sus otros precursores fueron los alemanes Robert Beyer y Herbert Eimert. Estos ilustrados compositores, fueron maestros de otro docto de la experimentación sonora: Karlheinz Stockhausen. El nombre de Stockhausen se caracteriza por haber sido el fundamento para la música contemporánea: creó, perfeccionó y sincretizó una vastedad de complejas composiciones electrónicas, derivándolo a la vertiente electroacústica. Los principios de los 50 fue la eclosión de la electrónica experimental; de Alemania nos trasladamos a Estados Unidos, en Los Ángeles, dónde nació el padre de la música aleatoria: John Cage. Éste genio era un perfil idéntico y de la misma índole que Luigi Russolo. Cage era un personaje muy culto, genuino compositor de música experimental, filósofo, poeta, escritor y músico. Su música era puro radicalismo, improvisación, excentricidad y fue un gran aporte para la experimentación sónica. Habitualmente trabajaba con una cinta magnética, -lo mismo que usaba Pierre Schaeffer-, y también grababa los sonidos generados por la naturaleza, de los cuales los mostraba en sus propias obras.

Van transcurriendo los años y la música electrónica sufre una transformación y un progreso tecnológico y compositivo muy abundante y relevante. Se crean los modulares, sintetizadores, cajas de ritmo, pc’s, software, controladores midi, procesadores de efectos, etc…,  surgen nuevos creadores, productores y compositores, nuevos sonidos y vertientes, aparece la figura del dj,… así podríamos estar detallando de manera exhaustiva la trascendencia que ha supuesto la música electrónica para la música. Lo que es innegable que estos creadores e impulsores fueron eruditos y avanzados en su tiempo y con la creación de estos artilugios, máquinas, herramientas e instrumentos han servido para definir la música electrónica y han sido determinantes para su evolución.

 

LUIGI RUSSOLO – Risveglio di una Città

Pierre Schaeffer – Études de bruits (1948)

 

Leon Theremin

 

Karlheinz Stockhausen: Gesang der Jünglinge (1955/1956)

NOTODOESINDIE III, FIESTÓN CON LOS PUNSETES Y ESCORPIO

en ARTÍCULOS/BALEARES/PORTADA - SLIDE por

Desde el inicio de Notodoesindie tuvimos bastante claro que el que mucho abarca poco aprieta… Lo malo es que, también desde el principio, esa frase la hemos acabado ignorando por completo y ahí estamos aparte de con la web también con nuestra edición en papel, sesiones musicales, programa de radio, sacando libros y organizando nuestras fiestas.

En el primer aniversario contamos con Los Bélmez en una divertidísima sesión en el Novo Café Lisboa. Meses más tarde, para el segundo cumpleaños, repetimos formato y local con la banda Amarillo… Y, como no nos gusta repetirnos, para este tercer año vamos a cambiar de local y celebrar una fiesta por todo lo alto con dos de nuestras bandas más admiradas: Los Punsetes y Escorpio.

Los madrileños de Los Punsetes sacaron en 2017 uno de nuestros discos favoritos, ¡Viva! Los que los hemos visto en directo sabemos que son un auténtico ciclón y temas como “Tu puto grupo”, “Mabuse” u “Opinión de mierda” arrasan cual apisonadora. Que no te engañe la interpretación sin sangre de Ariadna, su vocalista capaz de no parpadear durante todo el show, si los grupos indies siempre han tenido fama de moverse menos que un espantapájaros, ellos divertidamente lo parodian hasta alcanzar el absurdo… eso sí con un chorrazo de electricidad guitarrera que a quien no deja inmóvil es al público asistente a sus conciertos.

Por otro lado Escorpio sacó el que para nosotros ha sido uno de los mejores discos de Baleares de 2017 y con la mejor canción, “Ser violencia”. No en vano Toni Cobretti, vocalista al frente del proyecto, ha visitado dos veces nuestro programa de radio, en la primera creo que lo avasallamos con la expectación del mini acústico de lujo que nos ofrecería… una entrevista que los que estuvimos recordamos con risas y cariño. En su directo lo dan todo, como en la pasada edición del Mallorca Live Festival donde Cobretti literalmente se tiró al vacío acabando el concierto estampado contra el suelo pero, eso sí, sin dejar de tocar la guitarra… ¡Espectacular!

Para el hilo musical estaremos los Notodoesindie Dj’s, dándole al play con máxima elegancia. Rematará la sesión un Dj merecedor de nuestra admiración… ¿Quién es? No te lo decimos que lo gafamos.

El sitio será L’Espai Focal de Casa Planas, sede de nuestra querida Sputnik Radio, emisora que nos acoge semanalmente desde marzo de 2015.

Solo una cosa que añadir, las entradas están disponibles en Entradium… por si acaso no te retrases que el aforo es bastante limitado.

¡Nos vemos el 24 de marzo!

UN SOPLO EN EL CORAZÓN (1994), FAMILY

en ÁLBUMES/PORTADA - SLIDE por

Ilustración de cabecera por Pato Conde.

Hace más de veinte años se alinearon los astros y en plena lucha mediática entre el grunge y el brit pop apareció una joya que solo podía haberlo hecho en San Sebastián. Allí el Donosti Sound se desmarcaba de las guitarras del Noise que inundaban la escena alternativa de nuestro país y reivindicaban un sonido próximo a Sarah Records con sencillez en los arreglos, guitarras limpias, letras cuidadas en castellano perfectamente inteligibles… Todo lo contrario a lo que hacían las bandas del indie incipiente que eclosionaba. Era la alternativa a la alternativa y realmente de las escenas más sólidas de nuestra geografía con bandas como los propio Family, La Buena Vida, Lemans, Aventuras de Kirlian que confluyeron en lugar y tiempo.

Family son Javier Aramburu e Iñaki Gametxogoikoetxea que provenían de los proyectos previos La insidia y El joven lagarto. La historia de la banda es tan apasionante como el propio disco. El nombre de esta banda se pone en boca de la escena musical gracias a unas demos grabadas en un casete que empiezan a correr de mano en mano, muchos años antes de que supiéramos que sería eso de convertirse en virales. El hecho es que el disco finalmente se publicaría con el apoyo de gente como Alaska y se editaría por el sello Elefant. Las críticas y el público lo convirtieron en disco de culto, apoyado por el hecho que tras su publicación desaparecieran sin dar entrevistas ni explicaciones.

Mucho se ha escrito sobre ellos y las canciones. Las letras y los arreglos crean un universo donde las canciones casi pueden visualizarse. Sutiles sintetizadores visten las canciones de una manera elegante que recuerda a unos New Order sosegados. Las letras rozan la cursilería con el AMOR como hilo conductor, pero lejos de caer en ñoñas consiguen llevarte a su mundo por poco que abras los oídos. Yo los conocí años más tarde de su lanzamiento en recopilatorios de Elefant primero y en el recopilatorio que les dedicarían diversos grupos (La Buena Vida, La Casa Azul, Astrud, Los Planetas, Ana D, Niza…) publicándose conjuntamente por Elefant y la Rockdelux.

Amor, desamor, viajes galácticos, paseos oníricos, evasión, veranos de ensueño, piscinas, noches inventadas… todo ello construye un mundo mágico que consigue atraparte por poco que te dejes. “Nadadora”, “El bello verano”, “Dame estrellas o limones” o “Viaje a los sueños polares” (de ahí cogió prestado el mítico programa de Indie que Luis Calvo consiguió colarle a Los 40 Principales a mitad de los 90) son auténticas referencias dentro de nuestro POP… Pocas veces un grupo ha acaparado tantos elogios, no obstante nunca han sido suficientemente reivindicados pues por mucho que les hayan dedicado homenajes, versiones e incluso en 2015 se publicaron sus demos en vinilo, la realidad es que son desconocidos para el gran público.

Cierra los ojos, escucha el disco y visualiza el mundo de Family… Y si no recréate con el ejercicio visual que nuestro estimado Pato Conde nos regala y se pone en el papel del propio Javier Aramburu, portadista de referencia hasta que se cansó y que tantas veces ilustró discos de Los Planetas, La Buena Vida, Fangoria o Duncan Dhu por citar algunos ejemplos.

Ilustración por Pato Conde inspirada en la canción “Viaje a los sueños polares”:

VIAJE A LOS SUEÑOS POLARES

Cuando pesen demasiado la rutina,

el trabajo y la vida en la ciudad,

nos iremos en un viaje infinito

con esa tonta sensación de libertad.

EL TREN DE LA BRUJA (2017), BRIGHTON 64

en ÁLBUMES/ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE por

 

La primera vez que entraron los Brighton 64 en casa fue en verano de 1985, hoy más de treinta años después, estoy escuchando su último trabajo, es curiosa la fidelidad musical que profesan algunos músicos y de alabar esa constancia infinita.

Ahora que voy más o menos por el ecuador de la tercera escucha, encuentro más de Brigatones que de Brighton 64, no sé si estoy en lo cierto le pregunto a Albert Gil, (guitarra, voces), quien acepta servir de guía en su escucha y limpiar mis dudas.

“Tal vez es algo más elaborado, y la razón es que no es un disco más de Brighton 64, es una obra de madurez en la que queríamos arriesgarnos, tocar estilos diferentes, estar al servicio de una única narración en la que cada personaje tuviese su voz. Por esta razón hay varios cantantes”.

Me ha encantado el toque conceptual que tiene el disco, un hilo conductor de la mano del multi-artista Carlos Zenón, y ese personaje que narra sus pesares de hombre ya no adolescente, es Rai (personaje del relato) el “Jimmy” en la madurez, que se mofa de sus recuerdos o que se enorgullece de ellos?.

Rai se los toma muy en serio pero poco a poco se da cuenta que recuperar el tiempo perdido es algo imposible. No sé si la gente puede llegar a entender lo difícil que es una empresa como la que nos hemos propuesto y que llegue a buen término. Estamos muy contentos porque el público está entendiendo el planteamiento y nos llegan muy buenos comentarios”.

Me parece un trabajo muy maduro y tozudo , mezclar y de esta manera la música con la literatura no debe ser fácil y, además que suene a POP contundente y rabioso, con unas guitarras que llaman la atención desde el primer corte y que van tomando protagonismo absoluto:

Desde hace mucho tiempo basamos nuestra música en unas guitarras muy potentes, sobre todo en directo. En este caso ha quedado mejor reflejado que nunca en la grabación del nuevo disco, gracias a la labor del productor y de los guitarristas, lógicamente”.

No sé si estoy en lo cierto, pero la contradicción existencial que se respira en el disco y que entiendo como base del relato que hila el trabajo de Brighton 64, evidente en “Que garfio mate a Peter Pan”, es pura ironía o burla a los que quieren matar a los músicos de cincuenta, esa es mi impresión.

No es una historia con segundas, es una historia de un músico pero podría tener cualquier otra profesión. Con Zanón vimos que si hablábamos de música nos íbamos a sentir más cómodos. Además, esta letra la hizo él, no me corresponde contestar a esta pregunta”.

Además del sonido B64 nos encontramos con nuevas incursiones que me han sorprendido y que jamás imaginé en un trabajo de la banda, me despista vuestra incursión en la Bossa con “Antes de la tormenta” que os ha quedado preciosa,  y “Despertar de un sueño”, que me recuerda a La Granja, parece que fueseis otro grupo: ¿es Brighton 64 el último grupo de los Hermanos Gil?.

Me gusta mucho ese tema tipo bossa, era necesario una especie de descanso antes de la tormenta, se trataba de crear un clima relajado pera que cayese el siguiente, el “Agua de los floreros”, con toda su fuerza. “Despertar de un sueño” también se aparta de nuestro estilo clásico y ofrece la visión de un niño que no ha conocido a su padre. La canta Pablo Jiménez, que además ha compuesto la música y ha grabado los bajos del disco”.

Uno de mis temas favoritos es “Chica 10” cantado por la canadiense Rachel Playfair, quien además de poner esa voz ultra cool toca el acordeón en “El mundo no es para mi”; me mola mucho ese toque Groove para el baile,  ¿qué tres temas no faltan en vuestros conciertos y qué tres no pueden faltar en una fiesta mod?.

En nuestros conciertos no pueden faltar los clásicos, nosotros también nos debemos a nuestro pasado. Temas que nunca han desaparecido de nuestro repertorio como “En mi ciudad”, “La próxima vez” o la inevitable “La casa de la bomba”. En cuanto a las fiestas mod seré algo más genérico, no las concibo sin música negra”. 

 Ya estoy llegando al final del disco que lleva casi cuatro horas sonando en casa sin parar, y me pregunto que le ha faltado a esta banda para conseguir un gran éxito o varios y salir del underground modernista que es como casi no existir:

“¿Más calidad?, ¿más público? Es difícil contestar a eso porque, a pesar de sentirnos en nuestro medio natural (el underground), todo artista desea llegar a cuanto más gente mejor. Esperamos romper nuestro techo con este disco”.

Tengo en la cabeza, sin dejar de martillear el estribillo de uno de los temas que cantan en catalán “Vent que bufa al meu favor”,  me suena al BBC de Ming Tea para la BSO de Austin Powers:

A veces la gente encuentra referencias que nosotros ni siquiera imaginamos. Nunca he visto Austin Powers ni he oído la banda sonora, pero seguro que debe incluir algún tema garagerogaragero de los 60 que te pueda recordar a esta canción”, sentencia Ricky Gil la otra media naranja de la banda y compositor.

Rotundo el sonido, tremenda instrumentación, magistral la producción y compacto el resultado, este es el resumen que hago tras la tercera escucha de “El Tren de la Bruja” veinte canciones cosidas por el relato de Carlos Zanón, tejidas de forma magistral por Santi García y envueltas en papel de lujo de la mano de Adrià F. Marquès.

Me deja este disco muy tocado, casi tanto como aquel “Haz el Amor” de hace treinta y dos años, me he quedado con ganas de más, y voy a ponerme ahora todos los discos de esta banda imperecedera,  y voy a recordar batallas vividas, a pegar trozos de mi vida en una cartulina roja y voy a “recuperar cachos de juventud” y a salir con mi traje negro de tres botones a comerme el mundo, ¡otra vez!.

¿Por qué no?

Artista: BRIGHTON 64; Título: EL TREN DE LA BRUJA; Sello: BCore Disc; Fecha lanzamiento: septiembre 2017.

ENTREVISTA A TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE/Sin categoría/SUPLEMENTO PAPEL por

El próximo 29 de julio en el Idò Fest tendremos a Triángulo de Amor Bizarro actuando en Inca. Toda una referencia del indie de nuestro país cuyo cuarto trabajo editado el año pasado no paró de cosechar buenas críticas y cuyo directo no deja indiferente. Charlamos con Rodrigo Caamaño guitarrista, una de las voces principales y compositor de la banda gallega.

Salve Discordia, cuarto trabajo de la banda, tuvo unas críticas y reconocimiento especialmente positivo, ¿sorprendió especialmente o cuando estabais trabajando en el disco teníais la sensación de subir un peldaño por encima de los anteriores trabajos?

Lo cierto es que ahora mismo tenemos una formación muy sólida internamente y le dedicamos mucho tiempo a la composición de Salve Discordia, descartamos mucho e intentamos llevar las canciones lo más trabajadas posible al estudio para centrar la grabación en conseguir un sonido determinado. Hacer un disco es un proceso muy largo y se tienen que tomar infinidad de decisiones. Nuestra forma de encarar un disco es poder hacer el mejor disco que podamos y ese fue el objetivo que se mantuvo constante durante todo el proceso. Las críticas y el reconocimiento son un regalo para nosotros en ese sentido porque no sabríamos hacerlo mejor.

La capa de electricidad que está presente en el sonido de vuestros discos se convierte en un muro de gran potencia cuando se lleva al directo. En uno de los conciertos que disteis en Mallorca, en concreto en Lloseta, al mismo tiempo había gente totalmente entregada a vuestro directo y gente que abandonaba la sala abrumada por tanta energía y ruido, ¿sois consciente de ello? ¿Es algo premeditado?

Es premeditado en el sentido en que es en lo que llevamos trabajando 10 años, es decir, nuestro sonido es parte inseparable de nuestras canciones, parte fundamental a la hora de componer. Los que se fueron en ese concierto es que seguro que estaban en el sitio equivocado. No soy consciente desde el escenario cuando se va o viene la gente la verdad, me centro en las primeras filas sobre todo. Igualmente, siempre he preferido gustar mucho aunque sea a unos pocos a gustar un poco a muchos, aunque económicamente salga mejor lo segundo. Lógicamente lo mejor sería gustar mucho a muchos.

¿Hasta qué punto vuestro productor, Carlos Hernández (Los Planetas, Juanita y los Feos, Viva Suecia…) tiene influencia en vuestro sonido en estudio y en directo?

Trabajamos con él continuamente en cómo plasmar la idea que tenemos tanto en soporte grabado como en directo de nuestro sonido, Carlos es un portento técnico pero sobre todo un amigo.

La dulce voz de Isa es el contrapunto perfecto a la tuya, lo que da un doble registro que enriquece mucho el sonido de la banda y aporta variedad a la hora de escuchar vuestros discos. ¿Cómo decidís quién canta qué?

Fácil: si tiene cierta melodía la canción es para Isa, si es más recitada la suelo cantar yo, a veces es casi como componer para dos grupos diferentes, pero también nos permite tener un punto de partida para las canciones, y probar cosas diferentes según quién la va a cantar. Al principio se decidía al final, pero ahora hacemos las canciones con eso fijado de partida.

Volviendo a vuestro sonido, como decíamos habéis sido capaces de crear un sello propio muy reconocible. No obstante las melodías están muy presentes y parece que fácilmente podríais llevar vuestras canciones a otros registros… De hecho con la versión de The Beach Boys que hicisteis el año pasado el resultado fue lo opuesto a lo esperado que TAB hiciera con una versión. ¿Os habéis planteado buscar otros registros o habéis probado con ello?

Es que seguimos siendo muy clásicos, componemos para el formato LP, con lo que es importante para nosotros que cada disco tenga una cierta homogeneidad. Usamos mucho las versiones para probar cosas que no hacemos en disco por el simple hecho de que no nos vemos haciendo un disco con esa idea, pero a veces muchas de esas cosas sí que acaban incorporándose a los discos.

¿Para cuándo cabe esperar nuevo trabajo de Triángulo Amor Bizarro?

Pues en ello estamos, tal vez para el año que viene, pero no nos ponemos un plazo. Tenemos unas cuantas canciones ya, pero aún mucho por hacer, seguimos aún de gira y espero que para el otoño nos pondremos en serio con el nuevo disco.

¿Qué tipo de show puede esperar el público que os vaya a ver en Inca dentro del Idò Fest?

Pues será como el último en Mallorca pero con más fuerza, ya que las canciones del último disco están mucho más tocadas y nos salen mejor.

Vosotros sois un grupo con gran presencia en festivales y que no paráis de tocar por toda España, ¿habéis notado un auge en afluencia de público en los conciertos de salas al margen de los festivales o por el contrario hay más postureo que interés real por la música?

En nuestro caso notamos que el público crece cada día. El público tendía a ser de una franja de edad determinada, pero en los últimos años eso ha cambiado y se pueden ver a generaciones más jóvenes que van a conciertos. La única forma de que realmente haya más público es interesarle a gente más joven y eso lo apreciamos tanto en salas como en festivales.

Nos gusta pedir alguna recomendación musical a todos nuestros entrevistados. ¿Qué nos recomendáis?

“Heart of the Congos” o “The white room” de The KLF.

Muchas gracias y enhorabuena por vuestra trayectoria.

ENTREVISTA A LORI MEYERS

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE por

Siete años sin venir a Mallorca ¿Por qué tanto tiempo?

Pues sí, ha sido mucho tiempo pero no porque no hayamos querido, sino porque no ha salido la posibilidad.

Cuatro años entre Impronta y En la espiral, ¿Qué os ha llevado a tomároslo con tanta calma?

No han sido cuatro años reales. La promo de Impronta duró dos años, por lo que realmente ha sido año y medio lo que hemos tenido para trabajar, grabar y editar En la espiral.

Es un disco más oscuro, que hemos trabajado desde cero en el local de ensayo y eso lleva más tiempo. Eso sí, todo en pro del resultado final, somos un grupo consolidado que no puede sacar cualquier cosa y hasta que no vimos el punto de cocción perfecto, no sacamos el plato.

¿No tuvisteis miedo a enfriar al público después de la gran acogida que tuvo el disco anterior?

Miedo no, pero es cierto que te das cuenta de que todo pasa rápido y entre disco y disco han pasado 4 años y la gente ha cambiado, aunque tenemos una trayectoria y enganchamos a mucha gente con el disco Cuando el destino nos alcance y con Impronta, la gente nos estaba esperando.

De todas maneras no desaparecimos del todo, en 2016 seguimos haciendo algún concierto para recordarle a la gente que ahí seguíamos y no nos habíamos peleado (risas).

Después de meses con el disco en el mercado, ¿Contentos con la acogida?

¡Mucho!. Tenemos la suerte de que el último momento de Lori Meyers siempre es el mejor.
Desde el disco Viaje de estudios todo ha ido hacia arriba. Estamos marcando una línea de subir y llegar a los retos que nos ponemos y este disco no se ha quedado atrás.

Lo sacamos sabiendo que había mucha expectación y la gente respondió bien.

La primera canción que sacamos fueEvolución” para ir abriendo boca y a la gente le gustó, seguimos con “Siempre brilla el sol” y lo mismo. De hecho ha sido número 1, para nosotros es un orgullo.

Así que ahora estamos deseosos de tocarlo y quemar los escenarios.

El disco tiene esencia Lori Meyers pero es algo más calmado y atmosférico, ¿Estamos ante una evolución del grupo?

No es tanto como una evolución. Nosotros sabemos que tenemos algo subyacente debajo. La forma de componer, las melodías… Aunque hayamos cambiado de estilo si comparas el primer disco con el último siempre hay un tipo de melodía que la gente reconoce.

Quizás en discos anteriores no habíamos explorado los sonidos más oscuros y atmosféricos, lo que se traduce en que de primeras no es un disco tan accesible, pero con las escuchas, vas encontrando algo nuevo.

Luego están las críticas, que las hay positivas y negativas. Si haces un disco inmediato te van a decir que es comercial, si le tienes que dar más escuchas, te dirán que es aburrido. Así que si no te entra, cambia. ¡Hay tantos grupos hoy en día para elegir! Nosotros hacemos lo que nos pide el cuerpo y siguiendo nuestra intuición. Al que le guste, que se agregue a nosotros.

Y a la hora de componer, ¿Hay total libertad o hay presión por hacer canciones parecidas a otras que han tenido éxito previamente?

No nos dejamos llevar por eso, sino hubiésemos podido hacer tres o cuatros veces canciones como “Mi realidad” qué es lo que triunfó, pero no.

El proceso compositivo no se basa en pensar en lo que habíamos hecho antes.

Mi realidad se hizo en 2009, estamos en 2017, ya no pensamos lo mismo, escuchamos otra música. Ese es el camino del artista, exteriorizar lo que tienes en la cabeza y aunque cambiar a veces sea duro, siempre hay que ser sincero.

Se dice que el público a veces es demasiado quejicoso, si te sales de lo que has hecho hasta ahora te dirán “antes molabas más”, y si no, que “siempre es lo mismo”…

Sí, pasamos por eso con Cuando el destino nos alcance, hicimos música más actual, con menos guitarras y hubo un sector del público que nos dio pal pelo.
Nosotros venimos del indie, una música que se hizo en los 90 para poner frente a la música comercial y dependía de las multinacionales. Empezaron Los Planetas, Mercromina… y poco a poco intentaron que esa música la escuchase más gente sin importar los cánones de las multinacionales.

Después de Los Planetas llegó la segunda generación del indie que fuimos Sidonie y nosotros entre otros, donde intentamos que esa escena independiente la escuchase más gente, y la verdad es que se ha conseguido.

En el fondo eso es positivo y creemos que hemos puesto nuestro granito de arena para que ahora esta música, llegue a un público mayoritario y salgamos en los medios de comunicación más grandes, que antes no se acercaban, con lo cual es un logro de todos.

Sidonie han sido criticados por sonar en Los 40, vosotros por sonar en M80. ¿Qué les dirías a estos críticos?

Que tienen una idea errónea. Creen que sales en esos medios porque la discográfica paga para que salgas y lo que ha sucedido es que todos los grupos, desde Los Planetas hasta Vetusta Morla, Love of lesbian o nosotros y los posteriores como Izal o Supersubmarina, hemos hecho que toda esta música llegue a mucha más gente gracias a los grandes medios, que antes se la pelábamos, y ahora se han acercado a nosotros porque se han dado cuenta que hay mucho público detrás. No por salir en M80 eres comercial, son las emisoras las que han cambiado. Siempre van a haber puristas que tendrán esa opinión porque se tienen que sentir diferentes, “yo quiero escuchar lo que nadie escucha”… Nosotros somos mayores y sabemos discernir entre lo importante y lo superfluo.

Empieza la época de festivales, ¿Con ganas de subiros a la caravana como en Hostal Pimodan o ahora vais en AVE?

Ahora mismo somos tantos que vamos como podemos (risas). Estamos deseando presentar en los festivales. Hemos hecho un trabajo previo enfocado a festivales para que sea un espectáculo muy diferente y va a haber cosas muy chulas y sorprendentes, todo en pro de que la gente disfrute y el disco resalte.

Además, durante la hora y cuarto de concierto va a dar tiempo de que suenen las canciones de este disco y canciones de siempre.

ENTREVISTA A LA MALA RODRÍGUEZ

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE por

¿Donde empieza la primera historia de La Mala?

Me gustaba el graffiti, solía pintar paredes, primero ponía “maría” muy grande luego empecé a escribir “mala”…

¿Como surgen las primeras letras?

Siempre escribí, empecé a rapear encima de ritmos cuando escuché las primeras grabaciones de música rap, gente de mi barrio. En esas canciones hablaba de lo que sentía, de lo que veía…

Tras 5 álbumes, y casi cerca de 20 años de carrera, ¿En qué punto te encuentras?

Siento el poder que te da conocerte a ti misma, me dejo llevar cuando la inspiración llega pero estoy entrenada para matar si es necesario.

“Bruja”, el quinto y ultimo trabajo de estudio presentado en 2013, nos acerca algunas rimas como en “Caliente” a tus inicios, a tu desparpajo de tus primeros álbumes. Curiosamente el periodo transcurrido entre la publicación de cada disco es de unos tres años ¿Cómo es el proceso creativo del disco? ¿Por qué etapas pasas?

Vivo, dejo que me pasen cosas, asimilo las experiencias y supongo que de esto es de lo que se llena mi música. Es mi vida.

Las dosis de realidad que suministras en muchas canciones como “La Rata” solo son la punta del iceberg de tu faceta más protesta. ¿Qué es lo que te empuja a escribir letras con tanta sinceridad?

Aquella noche estaba en un piso muy alto de un hotel de México, llevaba mucho rato con ganas de escribir y fue cuando regresé al hotel esa noche cuando explotó. A veces pasa así. Yo solo me dejo llevar. Algunas veces busco dentro de mí y no encuentro nada. Otras veces las palabras llegan y la canción se escribe sola… es como si tuvieran vida propia. No protesto solo muestro algo que todos vemos.

Hace unos años, colaboraste aportando algunas canciones en diferentes bandas sonoras para películas como “Yo puta” o “Yo soy la Juani”. ¿qué tal ha sido la experiencia de poder participar en un proyecto de esta magnitud? ¿Qué tal ha sido la experiencia?

Me gusta mucho trabajar con otros artistas sean de la índole que sean, el cine es maravilloso, me gusta unir mi nombre al de proyectos en los que se cuentan cosas poco usuales.

20 años de carrera dan para muchas historias. Escuchando “Bruja” me invade de alguna manera un sentimiento de nostalgia, me acerca a la primera vez que escuché tu primer single por allá en 1999 ¿Cuál ha sido el momento más dulce de tu carrera y el momento más duro?

No lo sé, he vivido muchas cosas, buenas malas y regulares, yo me quedo con todo. De eso estamos hechos. Todo cuenta pero no miro demasiado atrás. Soy una persona que mira hacia delante.

Tenemos muchas ganas de verte en la isla sobre los escenarios. Creo recordar que has actuado solo un par de veces en la isla. A parte de presentar tu ultimo trabajo, ¿Tendremos la oportunidad de escuchar clásicos? ¿Qué nos tienes preparado para el próximo concierto en el Mallorca Live festival?

Me hace especial ilusión venir a Mallorca, estas islas son mágicas y la gente es realmente bonita, humilde y sencilla, me da mucha alegría poder hacer sonar mi música en este lugar, me siento honrada y muy afortunada por formar parte de este festival y de que hayan contado conmigo.

Nos encantan las colaboraciones que sueles elegir en tus discos. Has trabajo con artistas nacionales e internacionales muy dispares como Akon a Raimundo Amador. En “Bruja” podemos escuchar canciones con Rapsusklei, Canserbero o Sefyu ¿Quién es el artista con el cual no hayas trabajado aun y le tengas muchas ganas?

Me encantaría trabajar con el rapero norte americano Kendrick Lamar. Es un excelente letrista y sus actuaciones tienen mucha fuerza, los temas de sus canciones son siempre muy comprometidos con el público que le escucha y para la juventud es un valor tener un ídolo como él.

¿Como ves el panorama musical nacional en el mundo del Hip-Hop? ¿Quiénes son los artistas nacionales que sigues de cerca?

El panorama siempre está creciendo, me gustan los nuevos talentos que inspiran a las nuevas generaciones, hay mucha variedad y todo me parece de calidad, me gustaría mencionar a H Roto por ejemplo, alguien que destacaría por su personalidad y talento.

Finalmente nos gustaría que te mojaras contándonos cuales son las canciones que suenan con más frecuencia en tu jukebox personal.

Mmmmm Lana del Rey, Beatles, Bach, afrotrap (risas).

ENTREVISTA A KASE.O

en ENTREVISTAS/PORTADA - SLIDE/SUPLEMENTO PAPEL por

Una vez escuchado y re-escuchado El Círculo, no puedo evitar pensar (aunque sea un tópico) el hecho de que tal vez Kase.O cede el paso a Javier Ibarra en gran parte del álbum.

Sí, es cierta esta apreciación… era mi reto, mi objetivo… bueno el de toda mi carrera realmente. He ido puliendo el personaje para que se fuera pareciendo lo máximo posible a Javier Ibarra, y en el disco de El Círculo es cuando se ha culminado este reto u objetivo. En el proceso del disco me enfrenté a esto. A que no estaba a la altura de Kase.O en ciertos aspectos. Así como Kase.O se ha mostrado siempre invencible en casi todos sus raps, en egotrips, con mucha seguridad en si mismo… justo en el momento de realizar este disco, no me apetecía defender esto ni estaba dispuesto a ello. Me apetecía mostrar un poco más de mi. Usar el arte para expresarme sinceramente. No creando un personaje y adornándolo, sino hurgando en la persona y que la persona, que es el artista, se liberara de ciertos traumas y ciertos pesos que había en mis espaldas… en mi mente… en mi corazón y claro, Kase.O no estaba acostumbrado, al cabrón solo le gustaba fardar y ser el mejor (risas). Es un disco en el que he plasmado una época de mi vida… así me lo pedía el cuerpo. Me apetecía más expresarme que la mera rima, la mera técnica… yo siempre he sido un obsesionado de la técnica y de la métrica, y de las palabras bonitas, que quedan muy bonitas pero al final no has dejado ver nada de ti. Entonces también rompí con la técnica, aunque en el disco hay mucha técnica y mucha métrica, pero me daba igual rimar “hora” con “ahora” o “mesa” con “fresa” si la mesa tenía que ser la que tenía que ser y la fresa era verdadera ¿entiendes? Necesitaba hacer un mensaje más directo y más simple y que simplemente me purgara.

A principios de los años 90 publicabas con tan solo 13 o 14 años tus primeras maquetas. Imagino que es la época de la que trata “Guapo Tarde” en la que hablas de tu difícil paso por la adolescencia llena de complejos. ¿Fue el rap tu vía de escape? ¿En él encontraste la manera de enfrentarte a los complejos… a la vida en definitiva?

A mí el rap me ha salvado la vida, es mi pasión… tengo algo por lo que vivir. Y por supuesto cuando tenía quince años, me sirvió para soltar mucha violencia verbal, también mucha rabia, mucha energía… y aunque no hablaba de esto que estaba viviendo…

Efectivamente, parece que lo que estabas viviendo realmente, era algo que escondías…

Claro, era algo completamente desconocido por la gente. Estaba muy desvirtuada la imagen de Kase.O con el gacho que había detrás. Evidentemente faltaba mucha información… las leyendas se crean así ¿no? Porque falta información y te tienes que idealizar, te tienes que inventar a la persona. Y aquí, como era mi disco en solitario también, sentía que se lo debía a mis fans, que supieran quien era, aunque no solamente para ellos, era más un experimento mío espiritual… una purga. Luego me he dado cuenta que todo el mundo tiene complejos a los quince años, todos pasamos por depresiones, cuando yo creía que solamente me estaba pasando a mí y que era una canción súper personal. Entonces, sin grandes rimas ni grandes volteretas en el aire la gente se ha identificado con este tema.

Sí, de hecho la canción es muy directa. Cala muchísimo o al menos a mí me cautivó… al ser historias tan claras puedes verlas en el momento que las escuchas

Me interesaba más esto, que fueran imágenes. Es muy gráfica. Para confeccionar la canción usé la técnica del storytelling, es decir, contar la historia en presente, como si me estuviera pasando ahora… impresiona más.

Muchos Mc’s hablan de sus influencias basándose únicamente en referencias americanas. En tu caso, creo no equivocarme que si digo que tus influencias más fuertes son los raperos zaragozanos de la época de los noventa. Hablo de Presión, Alan Beler, Bufank… ¿Qué significaron para ti? Personalmente veo la gran influencia de Presión, tal vez un Mc muy olvidado hoy en día pero que tiene el don de la veracidad en cada rima.

Sí, para mi Presión es lo más parecido a un artista. Arte puro. Es como la fuente original. Alguien en quien fijarte. Es alguien al que admiro mucho y que no se ve tanto. Yo siempre he flipado con sus raps porque… porqué era él, tenía personalidad, no estaba imitando a nadie, aunque luego escarbando en sus influencias seguro que encuentras a algunos maestros, pero ya te digo, para mí Presión es un maestro junto a Lírico, Alan Beler, José Blazquez… son maestros literales… también Supernafamacho, Mucho Muchacho al que también considero un artista con todo lo que conlleva.

Presión, aunque no lo parezca, sigue teniendo muchos fans. Si algo es bueno, la gente realmente interesada lo encuentra. Pero claro, dejó de sacar cosillas y se quedó un poco en el olvido. Pero nosotros que lo conocemos estamos pendientes de él y lo tenemos siempre muy presente. Para mí es el mejor y siempre lo será. Es jodido cuando tienes que decir que eres el mejor sabiendo que el Juanjo (Presión) es el mejor ¿sabes? He intentado durante mi carrera lanzarle guiños, usar algunas de sus frases, nombrarlo en alguna canción… Presión lo que tiene es que se anticipa al futuro. En el año 1992 él rapeaba como yo lo hice después en el 2001, y los raps que hace ahora, tampoco imita a nadie y está usando unas métricas muy extrañas y muy locas, pero no las hace nadie… parece el rap del futuro. A mi lo que me sorprende es que los americanos lo han hecho todo en cuanto a métricas, entonces, el Juanjo en 2017 te hace una técnica que no ha hecho nadie. Y claro, cuando le escucho se me pegan cosas, es inevitable. Estás haciendo un tema y dices “joder que flows más guapos que he hecho” y cuando acabas, o al mismo tiempo dices, “ya sé de donde lo he sacado, esto ya lo ha hecho el puto Juanjo” (risas). Le adoro y tengo pendiente hacer canciones con él. Se quedó pendiente la colaboración con Alan Beler y con Presión en el disco.

En el tema “Pavos Reales” dices lo siguiente “Decir mi propio nombre me produce vértigo” al igual que uno se da cuenta que durante tu carrera nos has estado avisando continuamente de esta presión, como por ejemplo en “Javat y Kamel” del año 2004 en el que decías “Es agotador ser domador y esclavo del público” Entonces ¿Cómo se soporta durante tantos años esta presión?

Eres muy observador y detallista. Yo mismo me lo he buscado con los versos. Hay por ahí más avisos como “Es la presión del campeón” o “cada vez más solo, cada vez más triste, cada vez más cadáver ¿Quién coño resiste?”. Para la confección de este disco es cuando más he notado la presión, cuando más acojonado he estado… cuando me he visto solo delante de los ritmos, delante de los folios… sabiendo que todo el mundo estaba pendiente del disco. Está claro que cualquier artista quiere que la gente esté esperando sus obras pero claro, nunca vas a cumplir las expectativas generadas. Piensas ¿Qué queréis que haga?¿Qué ponga una bomba en el Cd o que salga dando volteretas? Me las vi muy putas, porque ya había hecho todas las técnicas del mundo… no sabía como enfocar el disco. Así que tuve que llamar a Javier Ibarra y le dije “tío, arregla esto, encárgate tú y apechuga”. Gente esperando un disco totalmente de los noventa, gente esperando Violadores del Verso…. No podía responder a todos y al final tuve que ser yo mismo, que es la mejor solución.

Sabemos que para la confección de este nuevo disco, has estado muy implicado en las instrumentales. En la red hemos podido ver un video en el que creabas la melodía que se puede escuchar al final de “Repartiendo Arte” por poner un ejemplo ¿Cómo ha sido el proceso de aprendizaje, confección y conclusión de las producciones?

Durante el proceso buscaba bases que sonaran americanas. Que sonaran a lo que la gente esperaba de mí, pero luego no me apetecía rapear encima. Las que he elegido, realmente es porque me decían algo. En este disco no estaba dispuesto a llenar un ritmo con palabras. No me apetecía hacer lo mismo que venía haciendo antes, así que decidí ponerme las pilas. El mundo de la producción no me es para nada ajeno, compro discos habitualmente para buscar samplers, me gusta programar baterías… mi problema era usar los programas para plasmar lo que quería y tampoco encontraba los samplers adecuados, así que decidí crear mis propios acordes. Conseguí programas para poder tocar mis propios acordes e hice una maqueta con las esencias de las producciones del disco. Empecé a ver la luz. Además, como músico quieres dejar tu impronta… yo estoy muy orgulloso de mis producciones que son muy minimalistas… que son justo lo que quería

Además, tus producciones tienen una línea muy marcada, con el minimalismo que comentas. Se nota perfectamente que son del mismo productor.

Me gusta que lo hayas notado. Son bases desnudas y basadas en uno, dos o tres acordes largos y fuera.

Es realmente curioso como en “Basureta”, una base, en principio, tan simple. Se conjugue con la tremenda intensidad de la letra y todo junto cree algo que te golpea tan fuerte. No sé muy bien como decirlo…

En “Basureta” se busca el bucle. Porque es una canción de monotonía… de depresión… de que no puedes salir de ahí, entonces la base no podía evolucionar a más, no podía contener un subidón… aunque hay ciertos trucos, aunque son los mismos acordes, el mismo bombo, la misma caja todo el rato, sin charleston, pero por decisión propia. Es mi concepto de música, destaco la letra por encima de la base. Y también algo muy importante en “basureta” es que es un mantra.

¿Cómo es el proceso artístico para la creación de un tema de Kase.O? en este caso centrándonos en la letra ¿dejas que las palabras fluyan por si solas?, ¿tal vez intentas crear ambientes? ¿Eres hombre de libreta?

Normalmente lo que hago es ir escribiendo frases sueltas en libretas, cuadernos o en el móvil. Es el procedimiento que más uso. Cuando llega el momento de hacer el disco, es el momento de abrir las libretas para investigar que puedes usar. Mira, para escribir El Círculo me compré un cuaderno con hojas de colores, aparte tenía seis cuadernos repletos de frases. Entonces lo que hice fue separar las frases por colores. En el rojo todas las frases románticas, de amor, sensuales… en el color amarillo las frases más tristes, en el azul las frases más filosóficas… todas las frases de competición en otro color. Después se trató de buscar ritmos (o de crearlos) y a través de estas frases, que son, para decirlo de alguna manera, las frases gordas. Normalmente las cuartas y las octavas y claro, tienes que crear más frases para llegar a las gordas. Por ejemplo la frase “El tiempo es una broma macabra” de “Basureta”. Y claro, a ver como lo hago yo para llegar a esta frase. Por eso siempre acaban bien, porque siempre empiezo por el final. Esta es una de las maneras… hay un trabajo muy intenso en mi caso.

Los últimos años, antes de la publicación de El Círculo, has girado con el proyecto Jazz Magnetism con el que publicaste un álbum. Siempre he encontrado paralelismos entre el jazz y el rap sobre todo por la libertad al improvisar. En todo caso, ¿Cuándo viste claro que querías materializar el proyecto? Recuerdo aquella frase de “Es la única manera de que escuchéis jazz

Fue más una sorpresa también para mí. Empecé a ir a jam sessions en el club El Zorro de Zaragoza y subíamos a rapear. Como quien no quiere la cosa seguíamos quedando cada semana y cada vez hacíamos más temas. Hasta que un día vino con el saxo Hugo Astudillo aka Escandaloso Expósito Acabamos rapeando juntos y nos hicimos amigos. Poco después me propuso ir a Barcelona para hacer lo mismo pero con músicos de allí, así que conocí a Juan Pablo Balcázar, Dani Comas y Dani Domínguez. Estrenamos el proyecto en Hospitalet creo y la cosa funcionaba. Hablamos de músicos de mucho nivel y yo me sentía en plena sintonía con ellos. Veía aquello como algo muy moderno… muy cool como diría aquel… ¡incluso muy salvaje! Aunque los tuve que domar evidentemente. Tuve que cortar mucho bacalao dejando matices y espontaneidad, llevarlo a un 4×4 porque sino se hubiera convertido en un disco de free jazz y claro, no era mi intención. A todo esto, tengo la espina de escribir rap encima de jazz porque lo que hice fue adaptar viejas letras, no le saqué todo el jugo al Jazz Magnetism. Esto está todavía por sacar, pero bueno, ahí se fue fraguando el proyecto. Estuvimos mucho tiempo de gira sin sacar el disco por lo que la gente venía a los conciertos sin saber exactamente lo que se iba a encontrar. No tenían ningún referente. Fue una experiencia muy loca. Después de estar con Violadores llenando pabellones, pasé a salas más pequeñas y con un grupo de jazz… la gente sin saberse las letras… fue como un experimento. El disco no salió antes porque tenía cierto miedo. Todo el mundo esperaba mi disco de rap y no lo tenía muy claro. Y es que era sacar un disco recopilatorio y con un grupo de rap. Me daba pánico… pero no lo pude parar. Y no me arrepiento porque quedó perfecto y además gustó muchísimo, me abrió mucho público… todo ha sido positivo.

Tengo curiosidad por saber que te parecen Ayax y Prok. Para mí tal vez de lo mejor que se puede escuchar hoy en día si hablamos de rap nacional.

Para mí, Ayax y Prok junto a Foyone, Momo y Osian son el rap en español tal y como lo conocemos. Son los supervivientes… los herederos… como lo quieras llamar. Eso es rap en toda su esencia. Tanto por lo que dicen, como lo dicen, también los ritmazos que se gastan. Para mí es como ir a ver a Violadores del Verso en su época. Tiene esencia, tiene actitud, tiene verdad… a veces lo pienso… estos mantienen vivo el rap.

¿Te mojas y nos recomiendas algunos nombres que de verdad te transmitan y te emocionen?

Me gusta mucho Elphomega que ha publicado disco hace muy poco. Un disco que me ha flipado, el tema “El hombre en el hielo” me parece impresionante. Me vuelve muy loco. Por ahí hay un chico venezolano que se llama Akapellah que hace rap también como lo conocemos. También me gusta Crudo Means Raw, que también me ha producido algún tema y que también ha sacado un disco hace poco. Rxndy Acosta, Pielroja… Canserbero también, menudos letrones. Lo que estaría escribiendo ahora mismo… una pena.

Aunque ahora mismo la gira de El Círculo está en pleno auge, imagino que empiezas a vislumbrar el final de la misma pare cerrar definitivamente el círculo. ¿Hay algún proyecto que ya se está formando en tu mente? O simplemente suscribes tus palabras de “No sé qué voy a hacer (Booty Song)”

Algunas veces pienso en el final aunque queda muchísimo tiempo de carretera. Posiblemente dos años… vamos a ver como se desarrolla todo… también está el tema de Violadores del Verso… en principio, a día de hoy, creo que me gustaría hacer algo compartido. No hacerlo solo. Pero bueno, nunca se sabe. Puede que me salga la inspiración y me presento con nuevos temas… también hay que decir que una vez sacado el primero, siento que he sacado muchas mierdas de dentro y el segundo tiene que ser mucho más relajado. Eso seguro… También hay el gusanillo de hacer algo más experimental… tal vez con otro nombre… ¡Qué estoy muy loco! (risas) claro, todas las locuras que tenía que hacer, no las he hecho en el disco por lo que tengo que ver como lo gestiono…

Siempre he pensado que se tendrían que publicar más proyectos de poca durada. Maxis de tres temas como Atrás (Rap Solo / Boa, 2000 ) que publicaste con Violadores o como Previo (Rap Solo / Boa, 2015) que sacaste antes de El Círculo.

Precisamente soy muy partidario de publicar este mismo año algún maxi con canciones inéditas y no esperar a tener otras dieciséis… no es mala idea el hecho de publicar de esta manera el nuevo material.

También soy partidario de publicar discos de poca durada. Sus diez temas redondos, que los puedas escuchar del tirón…

Yo también. Realmente quería publicar muchas menos canciones en El Círculo pero me encontré que tenía muchísimo material… y además, después de tantos años… de hecho es un disco larguísimo… pero sí, prefiero sus diez o doce canciones y fuera.

Muchísimas gracias por conceder la entrevista a Notodoesindie. Un auténtico lujo y un placer. Esperamos que la gira funcione tan bien como de momento y nos vemos el próximo día 22 de julio de 2017 en Palma de Mallorca.

Muchas gracias a vosotros me ha encantado. Sí, ahí estaré. Un abrazo.

 

1 2 3 6

Uso de cookies

Este sitio web utiliza cookies para que usted tenga la mejor experiencia de usuario. Si continúa navegando está dando su consentimiento para la aceptación de las mencionadas cookies y la aceptación de nuestra política de cookies, pinche el enlace para mayor información.plugin cookies

ACEPTAR
Aviso de cookies
Ir Arriba