Cultura musical para indios y salmones

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ENTREVISTA A RICARDO LEZÓN (McENROE)

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El sexteto de Getxo McEnroe, publicó el pasado mes de abril de 2015 su quinto álbum de estudio, Rugen las flores (Subterfuge Records). Su escucha es una experiencia sonora que sin duda nos agita, siempre bajo el influjo emocional de unas letras que tocan todos esos momentos de luz y oscuridad que aprendemos mientras vivimos. Todo menos indiferencia. 11 canciones que pueden sumergirte en corales de melancolía y deseo.

Hablamos con Ricardo Lezón, vocalista y compositor en McEnroe.

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En breve Rugen las Flores cumplirá un año de su publicación, ¿cómo afrontáis un quinto álbum después del tiempo de barbecho?

La verdad es que habían pasado tres años desde Las Orillas, como bien dices, y estábamos en un punto bastante extraño en el que la idea de parar para siempre era bastante atractiva. Nos cuesta cada vez más juntarnos y cuando lo hacemos es para ensayar los conciertos, el tema de ensayar canciones nuevas quedaba muy lejos. El caso es que de pronto nos vino el impulso de nuevo y en lugar de darle vueltas nos metimos de lleno en él. Rugen las Flores es un impulso, algo poco planeado y nada meditado.. Y estamos muy contentos de que fuese así.

Personalmente ha sido un disco que me ha marcado en lo musical y en lo lírico; ¿os cuesta mucho alcanzar esta conjunción estilística, o es un proceso espontáneo y relativamente rápido?

Lo que más nos cuesta es encontrar tiempo para el grupo y quizás esa falta de tiempo nos haya enseñado a aprovecharlo al máximo. No somos de dar muchas vueltas  a las cosas y eso también nos ayuda. Creo que el haber aprendido a tocar a la vez que hacíamos canciones propias y seguir como desde el principio, haciendo canciones para nosotros nos ha ayudado a encontrar o a tropezarnos con un estilo. Las canciones y las letras las hago yo y llegan al local sin nada más que letra y guitarra, a partir de ahí cada uno pone su parte.

Supongo que estaréis cansados de escuchar aquello de que vuestra música es triste, etc. Sin embargo parece ser que este último trabajo pretende reflejar precisamente los momentos en los que predomina la alegría; ¿cómo “defenderíais” vuestro optimismo y la luz en vuestra música?

Cansado no es la palabra, me entristece, valga la redundancia, leer la palabra tristeza siempre por ahí; pero te diré que cuando vamos a los conciertos y hablamos con quienes vienen a vernos casi nadie habla de eso. En realidad es imposible de controlar lo que proyectas a quien te escucha; eso es suyo y ya está. Este último disco salió así; es, al igual que los anteriores, un disco de canciones de amor que es sobre lo que nos gusta hacer canciones. Para nosotros McEnroe solo es fuente de alegría, hacemos las canciones que nos emocionan y punto. Es cierto que en Rugen las Flores muchos de quienes nos hablan de él han utilizado la palabra luz y tiene gracia porque fue concebido en una etapa en que me costaba encontrarla, así que quizás el esfuerzo mereció la pena. Hablar de amor nunca puede ser triste.

En cualquier caso, ¿son la melancolía y el anhelo denominadores comunes en vuestra inspiración para la música, o no necesariamente?

La inspiración está en las cosas que nos han pasado, que nos pasan, que querríamos que nos pasaran, cosas que leemos, que vemos y nos emocionan. Muchas cosas que parecen pequeñas y otras que parecían grandes.

Te has estrenado también como escritor con un poemario (Extraña forma de vivir). Dado el alto componente lírico en las letras de la banda, ¿existe alguna diferencia entre componer un poema o una canción para McEnroe?

Nunca me había sentado a escribir un poemario y la principal diferencia que encontré es la más evidente, que estaba solo, quizás por eso quise que Estíbaliz Hernández de Miguel me acompañara con sus ilustraciones. Los poemas son más libres e íntimos, no están sujetos a ningún fin más que el de expresar un pensamiento o una idea que está por ahí dando la vara, sacarla fuera y ya está. En las canciones también aparecen ideas y pensamientos pero lo hacen como una parte más de algo. No sé si esta explicación tiene algún sentido y la verdad es que en el poemario hay versos que escribí como partes de canciones y en las canciones hay versos que escribí para el poemario.

¿Cómo es eso de que unos chicarrones del norte se van a grabar al sur? ¿Cuánto hay de 8 apellidos vascos en vuestro disco (broma)?

Jajajaj, de ocho apellidos vascos espero que no haya nada. Somos del norte, de Getxo todos, pero andamos esparcidos por varias ciudades desde hace tiempo. Cuando empezamos a pensar en Las Orillas nos dimos cuenta de que nos vendría muy bien pasar el tiempo que durara la grabación en algún lugar apartado. Una amiga nos habló de La Mina y de Raúl y la verdad es que fue un acierto pleno. Es el lugar y la persona perfecta para nosotros. Nada de Las Orillas ni de Rugen las Flores sería igual sin su manera de entendernos. Fuimos en verano y allí todo era luz, calma y buen rollo. Desde que fuimos para Las Orillas no nos hemos planteado nada más, allí grabamos también el disco de Viento Smith, grupo del que Raúl también forma parte e incluso toca con nosotros desde hace algún tiempo.

¿Cómo se da el paso entre la autoedición y vuestro vínculo con Subterfuge? ¿Qué importancia le dais a todo ese proceso ajeno a la faceta musical, y que tiene más que ver con el mundo de la empresa?

Miren Iza (Tulsa) le pasó Mundo Marino a Carlos Subterfuge; él nos llamó y en diez minutos estábamos de acuerdo. Para nosotros era todo nuevo y excitante, aún lo sigue siendo. Gracias a Subterfuge hemos tenido la suerte de tocar en muchos sitios y de que nuestras canciones hayan sonado en lugares a los que no es fácil llegar. Llevamos mucho tiempo con ellos y seguimos con la misma ilusión. Nosotros sólo entendemos de la faceta musical, de las otras se encargan ellos.

¿Qué proyectos tenéis en mente ahora (conciertos, grabaciones, etc)? ¿Vendréis a Mallorca algún día?

Tenemos ganas de grabar pronto, tenemos canciones que nos gustan y ahora es cuestión de encontrar el tiempo. También vamos a sacar un disco a medias con The New Raemon que empezaremos a grabar ya mismo. Tenemos varios conciertos cerrados esta primavera y el dia 5 de Mayo tendremos una fecha muy especial para nosotros en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid, un sitio alucinante, donde haremos un repaso a todos nuestros discos; nos acompañarán amigos e invitados y lo daremos todo. Este año no vamos a parar. A Mallorca ojalá podamos ir algún día, es uno de los pocos lugares de España donde no hemos estado. Convence a alguien para que nos lleve.

Nos gusta terminar las entrevistas dejando que el entrevistado recomiende algún grupo o canción a nuestros lectores.

Ok, pues yo os recomiendo un grupo que se llama Little Birds que me gusta mucho, el disco de Nacho Umbert que ha sacado este año que es maravilloso o cualquiera de los de The New Raemon.

ENTREVISTA A ZAHARA

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Este próximo sábado día 9 de abril Zahara estará presentando su disco Santa en La Red y hemos tenido la suerte de poder entrevistarla. Zahara es una artista que, pese a su juventud, lleva más de diez años dando guerra en los escenarios con sus tres álbumes. Musicalmente ha experimentado una progresión musical que le ha llevado a tocar con lo más granado del indie nacional (Santi Balmes de Love of Lesbian, Xoel López, Niños Mutantes, Vicente, Maga, Ricardo Vicente, etc.); ahora llega a Mallorca con su gira Santa y podremos disfrutarla en su formato más completo con una nueva banda. ¡No os perdáis el experimento vital que son sus conciertos!

Pero antes la propia Zahara nos envía este saludito:

¿Qué tiene Zahara de “Santa”?

Santa, lo que se dice santa no soy. Aunque sí que soy buena. Eso puedo garantizarlo. Nunca se me dio bien definirme con un solo adjetivo y mucho menos con uno tan extremo. El título Santa no hace referencia a mí, sino a la música, a cómo es algo parecido a una nueva religión para nuestra generación. Busqué las similitudes en ambos lenguajes (el religioso y el musical) para expresar desde devoción al fanatismo y las desarrollé a lo largo de las canciones y textos de este disco.

En este álbum el rock está más presente que nunca; ¿te sientes más cómoda con este sonido?

No era algo que buscara sino que salió. Buscamos darle a cada canción lo que creíamos que necesitaba y eso llevó a algunas a sonar más rock y otras más íntimas. Me siento cómoda en la honestidad y ahí es donde he trabajado.

¿Cómo ha sido esta evolución del género “cantautor” (sobre todo tu primer disco) a la escena pop-rock indie (último disco “Santa”)?

Para mí ha sido algo natural. Cuando vivía en Granada ya tenía Zahara Eléctrica que eran mis canciones tocadas en trío donde todo sonaba mucho más hardcore que ahora incluso. Creo que la vida musical, al menos la mía, se basa en ciclos y siempre se acaba volviendo a todo lo que has hecho antes pero de manera evolucionada.  Sigo siendo cantautora porque canto mis propias canciones pero creo que el género cantautor cada vez significa menos un género en concreto.

Después de una década en el mundo de la música, ¿qué balance haces?

Aprender de esta profesión te lleva a conocer de primera mano sus aspectos más negativos, sin duda. El hecho de que siga aquí significa que el balance, finalmente, es positivo. Los viajes, el no tener rutinas, el no poderte permitir un día malo; lo mucho que se trabaja para lo poco que repercute económicamente muchas veces hace que se convierta en algo agotador. Pero el escenario lo compensa todo. Cuando estás ahí, ves a la gente que ansía escucharte, siento energía a mi alrededor que lo envuelve todo y ahí me doy cuenta de que estoy exactamente en el lugar en el que quería estar.

En esta gira te rodeas de músicos con una trayectoria notable que vienen en muchos casos del indie; ¿es “Santa” la reconfirmación de la entrada en esta escena?

Siempre me he rodeado del mismo tipo de músicos, gente afín a mí con ganas de tocar. Ya en Barcelona contaba con Xavi Molero en la batería (Egon Soda, Nothing Places), Sergio Sastre (Miss Caffeina) o Dani Vega (Mishima), por lo que en ese sentido no he notado mucho cambio. Siento que llevo muchos años (desde La Pareja Tóxica) haciendo algo parecido, pero es ahora cuando por fin algunos medios (sobre todo) se han dado cuenta.

En las Islas Baleares vamos a tener la suerte de poder verte en dos formatos bien distintos en muy poco tiempo; con tu nueva banda en Mallorca el 9 de abril, y en acústico en Ibiza el 22 del mismo mes. ¿En qué formato te sientes más cómoda?

Me gustan mucho los dos ya que ambos aportan sensaciones diferentes. Con la banda todo es más musical. Reconozco que me gusta más este formato, pues suena más lo que hay en mi cabeza que cuando voy en acústico que tengo que adaptar las canciones al formato. Me encanta estar tocando mirar a un lado y ver a Manuel Cabezalí sonriente mientras hace los coros o a Ramiro concentrado en la batería. Me siento tan bien acompañada que prescindir de eso es complicado. Eso no quita que me lo pase bien en acústico. La libertad que tengo cuando voy sola es incomparable. Salgo sin repertorio y me dejo llevar por lo que pasa debajo del escenario.

¿Qué canciones disfrutas más en cada formato?

Es la misma: «Camino a L.A.»  La hemos modificado mucho desde que la grabé en La Pareja Tóxica y cómo suena en directo con la banda es espectacular. Es sexy y divertida y me encanta todo lo que provoca. Cuando la toco sola en acústico es igual de potente. Me gusta; no necesitar nada más que mi guitarra y mi voz para conseguir transmitir las mismas emociones.

Aprovechando tu paso por las islas, ¿qué conoces de la escena musical local?

Era muy fan de Sexy Sadie en su momento, pero reconozco que no escucho música por el lugar del que procede sino que voy descubriendo grupos y pocas veces investigo de dónde son, por lo que seguramente haya escuchado más música local de la que sea capaz de reconocer.

Vemos que cambias a menudo tu estilismo, especialmente tu color de pelo; ¿es algo premeditado e intencionado de cara a la promoción y las giras, o simplemente te gusta ir cambiando de look?

Hay tantas fotos y videos míos que suelo cansarme con facilidad de ver siempre lo mismo. Por eso cambio. Pero pocas veces tiene que ver con estar más guapa o que vaya acorde a una gira. Lo hago porque es de las pocas cosas que puedes cambiar radicalmente sin demasiado esfuerzo.

Sabemos de tu agitada vida en las redes sociales; ¿cómo vives esta relación tan directa fan-artista?

Me gusta, la verdad. Lo que menos tengo son haters y fan pesados. Hasta los que escriben a diario lo hacen con mucho respeto y eso se agradece. Creo que todos entienden que no puedo contestar todo lo que me preguntan y hay una relación cordial y educada con casi todo el mundo. Tengo haters, como todos, pero no son demasiado ruidosos. Al menos no me llega mucho y cuando pasa, me hace gracia. No se puede gustar a todo el mundo, está claro, pero también las redes están plagadas de gente que simplemente odia todo por sistema.

Si tuvieras que quedarte con una red social, ¿con cuál sería, y por qué?

Ahora mismo Twitter, o como diría nuestro presidente, Tuit. 🙂 Me gustan mucho Instagram o Snapchat por lo visuales que son, pero reconozco que es en Twitter donde más puedo ser yo misma. Opino sobre política, cine, series… Y me gusta utilizarlo como una tuitera más. Además la uso para estar al día de la actualidad y seguir a aquellos personajes que me resultan interesantes.

Para quienes no te han visto nunca en directo, ¿cómo les “venderías” un concierto de Zahara?

Es como una película, distintos paisajes emocionales por los que dejarse llevar, desde lo íntimo y nostálgico hasta el rock y el baile. Yo no me lo perdería.

RAYDEN, RAP SIN ESTRIDENCIAS

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El pasado 12 de marzo Rayden llegaba a Mallorca, acompañado de Mediyama y DJ Mesh, para poner fin a la gira por salas del tour ‘En alma y hueso’ y la despedida no pudo ser mejor. Un repaso por la discografía de David Martínez Álvarez en el que el público no paró un momento de corear las canciones con especial énfasis en los grandes éxitos de este último disco como por ejemplo ‘Viviendo en gerundio’, ‘Matemática de la carne’ o ‘Haciendo cuentas’.

Además de las canciones ya conocidas pudimos escuchar un tema inédito. Rayden sabe cómo meterse al público en el bolsillo: ‘lo escucho todo’, decía desde el escenario ante los múltiples comentarios que llegaban desde los asistentes al concierto. Y ahí entre anécdotas de pasadas visitas y más chascarrillos llegamos al momento más surrealista de la noche cuando una chica del público (Marta “la dreamer”) confesó que ella se limpiaba el culo con ilusión; aunque bien visto quizás sea la metáfora perfecta si piensas que el mundo es una mierda.

Con ilusión afrontamos también nosotros la oportunidad que nos dieron de entrevistar a Rayden unas horas antes del concierto que tendría lugar en La Red. He aquí el resultado de dicho intercambio de preguntas y respuestas.

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¿Qué te atrajo del rap para hacer de él un «modo de vida»?

Supongo que la necesidad de poner sobre papel todo lo bueno y malo que me pasaba. Entender la música como una forma de equilibrar mis energías y descubrir en el rap una infinidad de temáticas y posibilidades de llevarlo a cabo.

En «Alma y Hueso» tocas diferentes estilos musicales. Incluso en «Controversia» podemos escuchar: «¡Esto no es rap, esto es pop!» ¿Es esa tu particular respuesta a quienes te etiquetan únicamente como rapero?

Intento hacer ver que lo importante es la música sin etiquetas. Es curioso como en un estilo tan «joven» como el rap, siendo una música que bebe de otras, en su ejecución tenga que ser tan repetitivo, cíclico y estático. Todo lo que se salga de ese cajón cerrado parece que ya no es auténtico, y por eso contesto con ironía.

Después de un año girando, ¿con qué momento o anécdota te quedas?

Con llenar la sala Apolo en Barcelona y la sala La Riviera en Madrid. Son para mí como dos templos que ni en el mayor de mis sueños hubiera imaginado llenar.

¿Cómo ves el panorama de la música en general y del hip-hop en particular en el país?

Es triste decirlo pero creo que hay más cultura del Gin Tonic en España que de la música. La gente no valora los trabajos musicales y el esfuerzo que los artistas emplean en ellos. Vivimos en un estado de anti-meritocracia donde el éxito de primeras es sospechoso y en el rap lo es todavía más. El 99% de gente que escucha única y exclusivamente este estilo de música suele ser también cantante; entonces no te ven como un ídolo o modelo a seguir; te ven como la competencia, lo que dificulta bastante crecer en esta jaula.

Además de músico has publicado un poemario y tienes otro en camino; ¿cómo diferencias estas dos facetas a la hora de escribir, y cómo decides cuándo un texto va en una canción o en un libro?

El truco está en que no diferencio a la hora de crear. Me dejo llevar por la idea y por la forma que le quiero dar; y cuando lo tengo claro elijo si lo llevo al papel en forma de canción o de poema. Me gusta la sensación de afrontar una idea sin saber su destino.

¿Qué da más vértigo: subirse a un escenario o ser padre? 🙂

Ser padre de todas todas (risas). Cuando subo a un escenario sé que lo haré bien y confío en mis posibilidades; como padre espero estar a la altura y saber cambiar pañales.

Y la obligada: ¿tienes ya material nuevo para un próximo disco?

Tengo; pero aún no te puedo decir nada. Llevo más de la mitad del disco y ya es mejor que todo lo que he escrito hasta ahora, así que estoy tranquilo.

Os dejamos este vídeo resumen de la pasada actuación en La Red el día 12 de marzo.

 

Texto escrito por: Natxo del Valle y Carlos Fernández

Vídeo: Six Producciones.

ENTREVISTA A PABLO CARBONELL

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Pablo Carbonell, músico, actor, cantante, humorista y unas cuantas cosas más, es también el líder de LOS TOREROS MUERTOS, banda que tuvo su recorrido principalmente en los 80 y que en los últimos años ha vuelto a los escenarios con la misma irreverencia y diversión de siempre. Hace casi un año sacaron un nuevo álbum en directo titulado EN VIVO, en el que además de presentar 4 temas nuevos, encontramos en él sus canciones más míticas.

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Celebramos el regreso de Los Toreros Muertos pero el tema de las vueltas suele ser muy controvertido… ¿dudasteis?

No, desde el principio sabíamos que todo el mundo sabría que volvíamos por el dinero.

¿No os parece que actualmente hay demasiados «Niños de Colores» en la música? 

No, para mí que se ha vuelto todo bastante gris. Es lo que tiene el cercenamiento de la aspiración. Si no tienes posibilidades laborales lo mejor es volverte medio tarado voluntariamente. No es extraño que la música actual tenga esa especie de camisa de fuerza sonora que impide la euforia, es algo que se cocina en los sótanos del centro de inteligencia. Nadie se lo cree, quizás sea mentira,  pero es lo que parece.

Hagamos memoria… tras «Por Biafra» no tuvisteis el mismo éxito… he leído por ahí que el problema fue que os creísteis una banda de rock sin daros cuenta de que erais algo mucha más evolucionados: una banda de payasos. Sin embargo yo sigo pensando que sois una banda a tomarse muy en serio a pesar de ser poco pretenciosos.

Por ahora los únicos que nos toman en serio son los otros grupos que no soportan llevarnos de teloneros. En realidad hay mucha gente que ha liberado la parte idiota de sí misma gracias a nosotros. En ese sentido hemos conseguido que gente que se sentía anormal al vernos a nosotros piense que están mejor. 

¿Qué tiene Colombia?

Lo que más me gusta es que la gente tiene respeto a sus propios sentimientos. Estamos en una mesa comiendo y bebiendo, hay un jolgorio de aúpa, hemos invitado a una chica que está triste, su mamá está enferma, y a pesar de que el ambiente puede ser contagioso ella sigue triste. Su corazón está por encima de las convenciones sociales o las normas de cortesía que nos hemos endosado en occidente. 

Imagino que hay pocas entrevistas en que no te preguntan por LA BOLA DE CRISTAL… yo te preguntaré por un artista con el que coincidiste, tengo curiosidad por saber tu opinión sobre la evolución musical de SANTIAGO AUSERÓN.

El otro día le escuché cantar «La estatua del jardín botánico», en versión acústica. Me quedé estremecido. No sabía que en esas palabras había tanta magia. Auserón  es un misterio para mí. En 35 años que llevo en Madrid sólo lo he visto una vez, en un concierto de Compay Segundo. Cada uno es como es y él desde luego es coherente con lo que hace. Algo muy difícil en una industria tejida con apariencias.

Sigamos con nombres propios… Dedícale una canción a PEDRO REYES, del autor que quieras…

¿Qué disfraz llevará la niña pobre para todas las fiestas de mañana? Me encanta «All Tomorrrow´s Parties», de Lou Reed (THE VELVET UNDERGROUND). Ella volverá a ser el payaso dominical y llorará tras la puerta… Es un poco fúnebre pero a la vez es épica.  Me recuerda al chiste de Forges de dos payasos que van a salir a la arena y uno le pregunta al otro si tiene bicarbonato. 

En Notodoesindie le damos muchas vueltas al término indie… actualmente es un término bastante impreciso… ¿a los indies les gustan Los Toreros Muertos?

No lo sé. Supongo que por contraste les podemos hacer gracia. Zappa hacía música para  reírse de los hippies y tenía los conciertos llenos de ellos.

¿Alguna canción hortera que te ruborice reconocer que te gusta?

No tengo ningún complejo. Lo que detesto de las canciones no son los ritmos sino que no me cuenten nada. Esa exhibición gimnástica que no conduce a nada me provoca nauseas. Me gusta la comunicación. El alarde vacío me resulta vomitivo.  

Vuestros directos son muy divertidos… ¿Os lo pasáis tan bien como parece cuando actuáis?

En un escenario, si todo va bien a nivel técnico, puedo llegar a pirarme totalmente de la realidad. Es fantástico. Como sabrás la realidad es bastante atroz y en los directos tengo mi vía de escape favorita. Sí, lo pasamos muy bien. pero acabamos agotados, eso también.

En los 80 eras un guaperas… ¿qué eres en 2016?

Jajajaja. Nunca quise ir de guaperas. Generaba muchas envidias porque siempre iba acompañado por unas tías estupendas. En aquella época me dio por destrozarme el hígado con todo tipo de sustancias para ver si así no me cogían manía los menos agraciados. Y ligaba con extranjeras para que no dijeran que me aprovechaba de mi fama. Qué bueno soy. Ahora, como sigo igual de guapo,  mantengo a la envidia a raya gracias a la barriguita.

¿Podrías confesarme qué canciones escribiste bajo los efectos de alguna sustancia inconfesable?

«Ay, qué gustito pa mis orejas», «Sentimiento wagneriano» y «Conversaciones encubiertas» son canciones alumbradas en medio de viajes psicodélicos. Antes, cuando las improvisaba en bares, iba de cualquier cosa. Imposible negarlo. Cuando me hice profesional todo eso se acabó. Ahora compongo sentado en una silla y con la guitarra cerca. Si siguiera improvisando en los bares estaría bajo tierra.

¿Te pones tus propios discos?

Sólo para recordar las letras. No los hago para mí. La música que haría para mí sería el silencio. 

¿Con qué canción del repertorio de Los Toreros Muertos te quedas?

«Hoy es domingo», es una canción que me manda a los años felices de mi infancia. 

¿Habrá nuevo álbum?

Ya hemos hecho una docena de nuevas canciones pero no tenemos compañía. Nuestro disco de directo, si lo miras, tampoco tiene sello ninguno. En eso somos más independientes que los independientes. Quizás, como hicimos con «Teruel, Teruel»,  nos metamos en un estudio a grabar un tema que se ha salido de madre, una rareza neo-romántica que te caes de culo de risa con ella: «Bicicleta estática».  

Sabes… siempre he pensado…. ¡qué divertido tener un amigo como Pablo Carbonell! Aquí12744421_1554181458227184_698479185859319159_n tenemos a un tal Albert Petit pero qué va… no es lo mismo. 

¿Sabes que te defraudaré? Pero no será algo premeditado. Yo soy de salir por mi barrio, no hago planes, con quien me cruzo me siento a gusto. Lo mejor para ser mi amigo es que te guste tocar y cantar. Leer también suma  puntos. 

¿Alguna canción para nuestros lectores?, ¿te animas?

Ya que estamos hablando de amistad, «Puente sobre aguas turbulentas» es lo más cerca que hemos estado de meter un abrazo en los surcos de un disco. Te la dedico.

Tú que conoces bien cómo funciona la televisión en este país… ¿no te parece que la música es especialmente maltratada?

Bueno, bueno, no hay que exagerar, la televisión sólo ignora la música. Lo que hacen las radios comerciales es mucho más grave.

Y aquí os dejamos el álbum EN VIVO al completo. Grande Pablo Carbonell… y qué vivan LOS TOREROS MUERTOS.

UN PASO MÁS TRAS LA FÓRMULA DEL ÉXITO: CONVERSANDO CON ALDO NAREJOS

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Supe de Aldo Narejos por sus diferentes apariciones en televisión. Desde el primer momento me interesó lo que él llamó «La Fórmula del Éxito»: una serie de acordes en secuencia Sol-Re-Mi-Do que conforman la mayor parte de las canciones que se pueden encontrar entre las más escuchadas de Spotify.

Siempre me ha interesado el hablar sobre música y darle vueltas a lo que escuchamos. En un tiempo en que la música mainstream parece sacada de la misma fábrica que las hamburguesas del McDonalds, también me ha interesado ser consciente de los prejuicios musicales, de los míos propios y de los de los demás ¿Todo lo comercial es malo? ¿Tengo mejor gusto por escuchar música alternativa? ¿No es a caso la música alternativa actual tan comercial como la mainstream? Para muchos este es un debate insustancial y aburrido, a mí sin embargo me apasiona divagar sobre ello.

Personalmente me suelo encontrar entre dos aguas: soy un indie prejuicioso para mis amigos mainstream y un hortera popero para mis amigos indies (menos mal que tanto unos como otros me quieren). Desde esa zona de nadie en la que me encuentro (ya sabéis… No Todo Es Indie) entrevisté a Víctor Lenore, autor del libro «Indies, Hipsters y Gafapastas», que entre otras cosas nos contaba que no había visto todavía a ningún fan de Pitbull mirar por encima del hombro a los demás por sus gustos musicales. Ahora me encuentro con «Música de Mierda» entre manos, el libro de Carl Wilson, que de nuevo me hace replantear el tema de los prejuicios musicales a través de la figura de una de las artistas más odiadas y vilipendiadas: Celine Dion. Y mientras lucho contra esos prejuicios me vuelvo a decir a mi mismo… ¿en serio no es objetivamente mejor David Bowie que Celine Dion? Pues la respuesta no es tan sencilla. El crítico y académico inglés John Carey en su ensayo «¿Para qué sirve el Arte?» nos dice que a la pregunta «¿Ésto es una obra de arte?» sólo se puede responder: «Sí, si tu crees que lo es; y no, si crees que no»… qué duro es el relativismo.

Sin embargo, por más que escucho a Víctor Lenore o leo a Carl Wilson y John Carey, sigo sintiendo repulsión por una industria musical que repite continuamente la misma fórmula y eso va mucho más allá que criticar a una canción por ser comercial. Pero, ¿y nuestra responsabilidad como oyentes? ¿Es lícito escucharla sin más sin buscar otra cosa que la diversión? Tal vez… es pop. Pero también me parece imprescindible darse cuenta, si te importa la música, de lo que está ocurriendo en la industria.

Tras esta larga, pero imprescindible, introducción, os relato a continuación la conversación que mantuve con Aldo.

Para quien no le conozca Aldo Narejos es músico, tiene su propia banda y ha publicado dos discos: DIARIO DE UN MONO (2008) y  VÍA LIBRE (2015). La otra faceta de Aldo ocurre en las redes sociales fundamentalmente analizando y siendo crítico con la música actual a través de diferentes videos de YouTube y principalmente con su «Fórmula del Éxito». Sus inquietudes musicales se traducen también en diferentes charlas y talleres.

Tras unos minutos de ruido de fondo y de búsqueda finalmente fructuosa de fuego para el «piti» (del de Aldo, yo no fumo mamá) nos pusimos a charlar.

Partiendo de su ya varias veces nombrada «Fórmula del Éxito» quise dar un paso más.

Habiendo objetivado que la mayoría de canciones de éxito comercial (las más escuchadas) están compuestas con la misma secuencia de notas Sol-Re-Mi-Do y por tanto, son armónicamente iguales (Coldplay o Imagine Dragons aparecen en la lista junto a David Bisbal o Enrique Iglesias), la pregunta es: ¿Por qué nos están acostumbrando a escuchar cada vez lo mismo?  «La respuesta es compleja, esta es una cebolla con muchas capas y que involucra a todos los niveles jerárquicos. El fin último es, como no, económico. El dinero es lo que mueve al productor y éste ya sabe lo que el público va a consumir, ya tiene la fórmula: 4 acordes, ideas melódicas y letras sencillas y a pasar por caja. Ahora el artista ya sabe que si quiere no ser ignorado tendrá que adaptarse a ese productor».

Bien, ya tenemos un por qué. ¿Le interesa al consumidor ese por qué? Tú que eres músico y que estás desarrollando estas teorías te habrás encontrado con gente que te diga: «pues si es tan fácil hazlo tú». «Ya, pero es que esa no es la cuestión ni es lo importante… yo no he dicho que el hecho de que 4 acordes tengan éxito signifique que todas las canciones de 4 acordes tengan éxito. No es ésa la importancia de mi mensaje. Mira… en la cocina los usuarios pueden ser también creadores, unos y otros se entremezclan. En la música el que no es músico no hace ni una tortilla francesa (ni una cancioncilla para que me entiendas), por ello es importante explicar ésto al público. Los músicos ya se habrán dado cuenta de lo que ocurre, es evidente, pero la mayoría de usuarios no».

¿Y si el consumidor entiende lo que dices pero termina diciendo: «ya, pero a mi mi me gustan las hamburguesas del McDonalds?». «Bueno, esa es la postura fácil… pero de esta manera estamos perdiendo sensibilidad a música más elaborada. La música ha estado en continua evolución a lo largo de la historia del hombre y ahora estamos en un momento de pobre inmovilismo».

De alguna manera en tus talleres, como en el de «CÓMO EMOCIONAR A TU NOVIA CON UNA CANCIÓN ESCRITA EN 15 MINUTOS» tratas de enseñar a hacer una tortilla francesa musical «Sí, algo así… la música es el vehículo para que el mensaje de la letra llegue al cerebro y cualquier persona puede hacerlo, pero no somos conscientes. Para entender mejor la música debemos universalizarla».

Acabas de mencionar que la música vehiculiza el mensaje de la letra… ¿no te parece que muchas de las letras caen en tópicos repetitivos? O sea que en el fondo hacen una repetición armónica a nivel lingüístico… «Sin duda, si hablamos en términos psicolingüistas, a menos lenguaje menos pensamiento. Esto es especialmente grave porque este tema se hace extensible a todo lo que nos rodea en general lo que significa que, si seguimos así, pensaremos menos e irremediablemente seremos menos críticos».

Estuve viendo un video en el que conversabas con Carmen París, estabais charlando de todo esto y mencionabais el caso de PSY, Park Sae-yang, autor del archiconocido «Gangnam Style» y me sorprende que resulta que ha estudiado en la Escuela de Música de Berklee, una de las escuelas musicales más prestigiosas… «lo que significa que tiene un impresionante nivel musical y triunfa con «Gangnam Style»… sí, ya hemos hablado antes del dinero». Y siguiendo con Carmen París, claro… es que escuchas su propuesta, su manera de fusionar la jota… que a nivel musical será muy elevado pero tío, es difícil para el público. «Bueno, se dice que se ama lo que se conoce. Lo primero es ser consciente de lo que está pasando con la música, ése es el primer paso. Los siguientes pasos son el abrirse a otras músicas, abrir esa sensibilidad… pero requiere esfuerzo porque nos han acostumbrado a una música muy sencilla y a nivel cerebral nos falta desarrollo musical. Pero es como todo, nuestro cerebro y nuestro oído necesita entreno».

Hablemos de poses y prejuicios… dentro del ambiente de supuestos entendidos a nivel musical, ¿nos autoengañamos diciendo que no nos gustan cosas que realmente nos gustan? «Claro… la pose tío… es muy importante. ¡A mi me encanta una canción de Rihanna! El problema es que ahora existen unas variables artísticas ajenas a la música. Se diferencian los artistas por la cara o por el estilo de vestir o de actuar… y no tanto por la música. Una canción de Rihanna podría ser de Miles Cyrus y al revés. Y eso ocurre con muchísimos artistas. Hay que disfrutar de la música sin etiquetas, sin prejuicios. Las etiquetas limitan, pero no hay que dejar de ser analítico con lo que consumimos».

 

La reflexión final es sencilla. Tal vez todo esto te haya parecido aburrido e inútil. Tal vez prefieras escuchar música que te distraiga y ya está. Está bien… estás en tu derecho. Sin embargo nosotros te ofrecemos ir más allá y te planteamos un despertar que requiere, por una parte, el ser consciente de las intenciones e intereses que existen detrás de la música y, por otra, un esfuerzo en recuperar la sensibilidad y la capacidad de volver a disfrutar de sonidos olvidados.

Ellos te ofrecerán escuchar una y otra vez lo mismo pero sólo tú puedes ser crítico y elegir qué escuchar. El camino no es fácil y requiere entreno… pero el final te aseguro que será enriquecedor.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

LA PLAYLIST DEL INVITADO: MIQUI PUIG

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Último viernes de mes y ya sabéis lo que toca: la playlist del invitado. Miqui Puig, el que fuera líder de Los Sencillos y que ya nos concedió una entrevista hace un tiempo, es el encargado de descubrirnos musiquita.

Por si os perdisteis la del mes anterior también la enlazamos aquí: fue Linda Mirada.

Miqui Puig volverá este mes de abril al Novo Café Lisboa en Palma de Mallorca y podremos disfrutar en directo de su paladar musical con sus sesiones OLD WAVE, NEW WAVE.

Aquí la dedicatoria de Miqui para Indios y Salmones:

«Te grabé una cinta con lo que he estado escuchando en casa estos días. Para que veas que no te olvido, sólo subía y bajaba el botón del pause, así siempre qua alguna canción me recordaba a ti la ponía en ella. La foto de la portada es de una de esas revistas que compramos juntos en aquel trapero en Estrasburgo, póntela el domingo, mientras dudas qué cocinar…»

ENTREVISTA A JUANITA Y LOS FEOS

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Juanita y Los Feos 2

 

Aquí os dejamos la entrevista a Juanita y los Feos, banda de punk nueva ola de Madrid formada en el 2004, su último disco Nueva Numancia (La vida es un mus/Beat Generation, 2014).

Juanita y los feos lleva más de 10 años existiendo, algo que agradecemos los fans, aunque siempre corren rumores que os vais a separar. Decidme que es solo una táctica de marketing por dios!

Llevamos tiempo diciendo que hay que saber morir con dignidad, que una retirada a tiempo bla bla bla, pero el caso es que nunca encontramos el momento de dejarlo. Como esas relaciones que continuas por costumbre. Como bien dices después de 10 años es difícil. En realidad alargamos el final porque nos propusieron girar por Estados Unidos en verano, pero desde que volvimos de la gira no hemos vuelto a ensayar. Nuestro bajista, Ángel se ha ido a vivir a Copenhague así que parece realmente difícil que la cosa siga para alante. No nos vemos buscando a otro bajista, aunque yo, personalmente sí que me veo haciendo música, imagino que como yo todos, y por eso hemos continuado con grupos paralelos. Yo tengo con Fa, el guitarra de Juanita, Rata Negra. Adolfo y Héctor tienen Dopelgänger y Afilador, Ángel tenía Peluquería Canina. Tampoco descargo que empecemos algo nuevo los que quedamos en Madrid, o vete a saber. Como siempre decimos, el futuro es incierto.

Habéis cambiado de formación este último año. ¿Eso os ha influido a la hora de componer y grabar el disco Nueva Numancia?

Cambiamos de formación después de grabar el Nueva Numancia. La grabación la hicimos Fa, Ángel, Adolfo, Aníbal y yo. Héctor entró después para tocar el teclado con nosotros después de que Aníbal decidiera dejar la formación por asuntos personales.

¿Como hacéis para componer?

Lo normal es que Fa componga en su casa lo que siempre hemos llamado «rendereds» que son una especie de maquetas midi de lo que luego acaban siendo las canciones. Nos las manda por correo y sobre eso yo hago las letras y la melodía de voz. Después en el local intentamos darle forma entre todos.

En que momento de vuestras vidas decidisteis hacer música y como surgió la idea de montar un grupo.

Fa y yo somos amigos desde el instituto y siempre hemos hecho canciones, que hace mil años grababamos por pistas con dos cassetes.

¿Que música os hace vibrar? Y como os influye a la hora de componer vuestros temas

Tenemos gustos musicales muy diferentes y variopintos, pero creo que nunca hemos vibrado tanto como en el concierto que vimos de Sheer Mag todos juntos en Los Angeles este verano. Creo que ese eclecticismo musical es lo que hace que hagamos algo especial a la hora de componer. Cada uno quiere sonar de una manera diferente.

Contadnos un poco de que formaciones venís cada uno y si tenéis algún proyecto en paralelo

JYLF es nuestro primer grupo serio. Ya he hablado de los grupos paralelos.

¿Como surgió el nombre del grupo?

En aquel momento queríamos un nombre que recordase a los grupos de chicas de los 60.

Violeta, tu alter ego Juanita ¿solo se deja ver encima del escenario o ya es parte de ti?

Creo que siempre he sido yo misma en el escenario. Aunque Juanita sea para mi una especie de vida secreta, no me siento otra persona ni creo que actúe de ninguna manera.

Sé que algunos de vosotros tenéis otros trabajos, como lleváis este tema, ¿es fácil compatibilizar el trabajo con el grupo?

A veces es difícil, más que compatibilizar el trabajo compatibilizar la vida familiar. Nunca hemos sido tampoco muy de salir fuera, aunque la gira que hemos hecho este verano ha sido el sueño de nuestras vidas. Yo por ejemplo aproveché mis vacaciones para poder salir a tocar.

Os gustaría vivir completamente de la música o es necesario tener otros ingresos para ello.

Creo que en el momento en que te empiezan a pagar por ello deja de ser divertido. Para mi la música es lo que hago con mi tiempo libre, para divertirme y porque me gusta. Jamás me he planteado ganar dinero con ello.

¿Que tal la gira por México y Estados Unidos? ¿Tuvisteis buena acogida?

Como ya he dicho la gira fue increíble. La acogida fue mucho mayor de lo que esperábamos, y aunque fue agotador fue enormemente gratificante y divertido. Ver cómo la gente a miles de km. de distancia canta las mierdas que a mi se me pasan por la cabeza es la experiencia más acojonante que he vivido.

¿Como surgió lo de cruzar el charco?

Gracias a nuestro sello, La Vida es un Mus, contactaron con nosotros y nos propusieron tocar en el Berserktown II en Los Angeles. Ya que íbamos para allá decidimos hacer más fechas.

¿Está en vuestros planes algún bolo por Mallorca? desde aquí os animamos y espero que los programadores de la isla os tengan en cuenta para próximos conciertos.

Me encantaría ir a Mallorca, porque además nunca he estado, pero como ya digo, es complicado que volvamos a tocar a corto plazo.

¿Que recomendaciones musicales daríais a nuestros seguidores de la web?

Escuchad Sheer Mag, Nueva Autoridad Democrática, La URSS, Sudor, Vexx, Institute, 1981, Ausencia, Obediencia y Accidente.

ROOM FOR THREE EN ACÚSTICO

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Room for Three pasó por NotodoesIndie en Sputnik Radio y nos dejó un par de canciones nuevas en directo. Aquí podéis escuchar «Wounded warrior«, una de esas canciones que se te quedan desde la primera escucha. Estaremos muy pendientes de la publicación de su segundo álbum este año, Time to Cross. ¡Que la disfrutéis!

MORCHEEBA PRIMER GRAN CABEZA DEL MALLORCA LIVE FESTIVAL

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¿Por qué en Mallorca no tenemos un gran festival consolidado? Pues probablemente porque no nos lo merecemos… Por suerte cada cierto tiempo aparecen promotores empeñados en luchar contra la idiosincracia de la isla y sus escasas ayudas culturales, la escasa respuesta del público general, la crítica destructiva del público «entendido», las dificultades logísticas… Aún así este primer avance del Mallorca Live Festival nos vuelve a ilusionar.

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Vale el nombre del evento no se lo han currado mucho… pero si lo piensas fríamente tampoco lo hicieron los del FIB y míralos habiendo superado los 20 años. En realidad este festival es un 3 en 1 como se aprecia en el propio cartel y el hecho de que hay tres escenarios de Indie-Rock, World Music y Electrónica. Tiene sentido. A menor escala el Mélon Fest ya lo hizo con sus propuestas de Indie, Rock y Electrónica y no le fue mal. Probablemente (y me incluyo) a cada uno le gustaría que sólo existiera su estilo favorito, pero si gracias a mezclar estilo juntamos a más gente y puedo ver a Morcheeba, pues no me voy a quejar…

Hay una cosa que ilusiona de este cartel. No vamos a compararlo con el del Low de Benidorm o el del SOS de Murcia, sino con lo que tenemos en la isla. Y hay una cosa que llama la atención, en cualquier cartel insular Bebe, Delorean o Canteca de Macao estarían no en mayor tamaño sino con letras de neón y aquí tienen un discreto segundo plano, señal de quedan artistas internacionales como mínimo de la talla de Morcheeba.

Los nombres están equilibrados. Vale, el cabeza de cartel no es Morcheeba sino «Skye & Ross from Morcheeba«, pero vaya yo hace unos años tuve ocasión de verlos sin Skye y no por ello la propuesta dejaba de ser de lo más festiva, ni las canciones perdían su esencia. Booka Shade, está claro que no sólo de guitarras vive el hombre y la propuesta de baile de este dúo alemán tiene buena pinta… y si no pues postureo, siempre podemos decir que en Mallorca tenemos un festival donde uno de los grupos tocó el año pasado en Glastonbury. Fyahbwoy & Forward Ever Band estarán girando por toda España y son una apuesta segura después de su sold out en su anterior visita a la isla. Al igual que Bebe y Canteca de Macao que sin duda pondrán patas arriba el escenario de World Music. Los indios y rockeros no nos podemos quejar con Delorean que una vez más nos harán bailar y quemar zapatilla y la propuesta de Cápsula que visitarán la isla por segunda vez en un año habiendo teloneado entre medias a Pearl Jam en Argentina, no está mal la evolución de esta banda.

Y los nombres locales están más que bien seleccionados, con grupos para todos los gustos, no faltan ganas de ver el estado de forma de los míticos Satellites; de disfrutar con The Wheels o Ceremoney que firmaron dos de los discos favoritos de Notodoesindie en 2015; de bailar con La Gran Orquesta Republicana, La Vereda o Dinamo; y disfrutar con dos de las propuestas musicales más interesantes de la isla, el soul y funk de El Niño Alcalino and the Chuskers y el genuino estilo rockabilly de los Black Cats… Y Jaume Mas, Henteligents, Soundhold y Yelungen. Más un adelanto del batallón de Dj’s que no pueden faltar en ningún festival que se precie (Enric Rincones, Danny Fernandez, The Southnormales, Raisol, Budi, Heber) y artes visuales, street art, zona chill out, food trucks (la comida es muy importante en un festival, casi tanto como cerveza bien fría) y mercado de diseño…

Pues esto sólo es la primera tacada de nombres. Así que gracias por permitirnos soñar con un festival de gran tamaño. Cada uno probablemente tirará hacia su estilo, pero sin afinar mucho a mí mismo hay media docena de nombres de esta lista que tengo muchas ganas de ver y otros que como mínimo me producen curiosidad…

Todo ello anunciado apenas un día después de que el Sólar Fest colgara una esperanzadora foto en su Facebook. ¿Casualidad? Como dice un amigo las casualidades no existen… Pero eso es lo de menos. Me permito soñar con una Mallorca en la que la temporada de festivales empieza año tras año con el Mallorca Live Festival y culmina con un consolidado Sólar Fest y entre medias Flow, Free Art, Tramuntanta, Mallorca Roots o Mélon Fest cogen cada vez más fuerza. Si a eso lo sumamos que salas y ciclos como Es Gremi, La Red, Les Nits cúbiques de Lloseta, Women don’t wait, las apuestas de Pecan Pie, o Maraca no cesan de subir el nivel… Pues oye al final los mallorquines tendremos que dejar de quejarnos y sólo nos quedará apoyar y disfrutar de la escena.

Como dice Álvaro Martínez, principal gestor detrás del festival, su apuesta pasa por «construir algo duradero junto a promotores y escena local»… Pues nada más qué decir, simplemente ¡qué bueno que viniste!

IZAL, MAGIA Y EFECTOS ESPECIALES

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Izal bien podría ser el resultado de una de esas casualidades del destino que a veces ilumina a algunas formaciones musicales totalmente desconocidas que, de la noche a la mañana, pasan de tercera regional a jugar la Champions League. Pero no es el caso. El grupo madrileño de adopción, liderado por Mikel Izal (vocalista y compositor), es la suma de unos músicos que arrastran más de 10 años de experiencia en el mundo de la música; Alejandro Jordá (batería), Emanuel Pérez “Gato” (bajo), Alberto Pérez (guitarras) e Iván Mella (teclados) son los responsables de redondear un cóctel de pop-rock efectista que sobre todo busca la calidad melódica y lírica de fácil digestión.

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Con una carrera musical lanzada directamente al estrellato del panorama independiente nacional desde su primer largo (Magia y Efectos Especiales, 2012), fueron capaces de generar una gran expectativa entre público y medios a finales del verano de 2013 cuando editaron su segundo álbum Agujeros de Gusano, cerrando su última gira con un macroconcierto ante 12.000 personas en el Barclays Center Madrid. Objetivamente un éxito rotundo. Ahora están estrenando tercer trabajo, Copacabana, y estatus de banda que raya el mainstream, recogiendo lo sembrado durante los últimos años a golpe de autogestión y buen hacer, siempre desde la más absoluta independencia, tanto musical como empresarial. El modesto sello Hook Ediciones Musicales es la opción elegida para la edición de sus tres discos, y no parece que les haya ido mal.

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El pasado sábado la sala Es Gremi nos brindó un llenazo de esos que hacía tiempo que no se veía por la capital palmesana, con todas las entradas vendidas. Pillando a más de uno desprevenido aún por los aledaños, la banda madrileña apareció en el escenario a las 21’30h. con puntualidad británica abriendo el recital con el primer single homónimo “Copacabana”. Como no podía ser de otro modo, se escucharon todos los hits deseables, viviendo momentos especiales al escuchar temas como “Qué bien” o “La Mujer de Verde”. Con un público entregado desde el minuto cero, lo cierto es que Izal sabe manejar perfectamente los tiempos en el directo, y tiene una facilidad notable para conectar con la gente. El colofón lo pusieron, confeti incluido – cuánto daño ha hecho Coldplay – , con su tema final “El Baile”, donde pudimos ver al Mikel Izal más “bailongo”, bajando incluso del escenario para meterse entre el público y regalando el momento más “fiestero” de la velada.

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Después del bolo, dos de nuestros colaboradores y selectores musicales (Noe G. Senande, aka Cherry Bomb, y Natxo del Valle aka NuWanda) echaron el resto  para hacer bailar al personal con un repertorio de canciones made in NotodoesIndie. En resumen, una noche de fiesta para una audiencia en su mayoría por encima de los treinta y tantos que sin duda demuestra que responde a convocatorias de este nivel. Sólo queda desear y esperar que la gente de Es Gremi siga apostando por ello.

 

Texto: Nacho del Valle

Fotografía: Carlos Fernández

Galería fotográfica completa aquí.

CELESTA (2013), MARIA COMA

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Supongo que a todo aquel alma sensible que se precie le pasa que hay discos que se les quedan grabados en el ser, de esos que se quedan a vivir en uno dentro. No son tantos…, ni los discos, ni la  gente con esa capacidad perceptiva.

Eso mismo me pasó con Celesta (Amniòtic Records), el último trabajo de Maria Coma. Una compositora, pianista y cantante de Barcelona que, aunque centrada en su faceta musical, se sabe mover también en otras disciplinas como la dirección artística audiovisual o el diseño gráfico, siendo ella por ejemplo la responsable de alguno de sus videoclips, o portada de sus discos. Una perlita que cuidar en definitiva.

Si rebuscamos entre sus influencias saldrán nombres tan heterogéneos como PJ Harvey, Björk, Sufjan Stevens, Frédéric Chopin, Chet Baker o Radiohead, entre otros. En esa heterogeneidad, en la delicadeza compositiva (se nota su notable formación musical como pianista), o en su capacidad para fusionar instrumentos, entre otras muchas cosas, radica precisamente lo más singular de esta artista en mayúsculas, que ha alternado canciones en catalán, español, y alemán.

Con cuatro discos como solista, me parece precisamente este último su obra más representativa, con una textura y unos acabados especialmente densos, que quizás conformen un sonido hasta pretencioso; pero que sin duda le otorga un punto de madurez musical, a pesar de la juventud de esta chica (30 años).

L’últim Cercle Polar” es en mi opinión la canción más hermosa del disco, por el viaje emocional que supone escucharla en cualquier momento, pudiendo evocar tantísimos paisajes diferentes. Sobresale una magnífica percusión y unos cambios rítmicos dirigidos en todo momento por el piano, que la hacen una de esas pequeñas-grandes canciones que uno atesora en su memoria para siempre.

Todo el álbum es de una belleza y sensibilidad excepcionales, y sin querer recorrer canción por canción (creo que es mucho mejor escucharlo), me atrevería a decir a quienquiera que lo escuche que si no se estremece con él…, es que está muerto por dentro.

 

LA CLÁUSULA

en EL RINCÓN DE DANIEL HIGIÉNICO/PORTADA - SLIDE por

Crack de 1929. La gran depresión.

Habían contratado a la orquesta para toda la temporada en el club Flamingo. Betty, la cantante, leía una revista sentada en la parte de atrás del autobús, mientras los músicos ensayaban para matar el tiempo.
De repente se escuchó el sonido de las ametralladoras. Las balas surgían de otro autobús que se había colocado en paralelo. Cuatro disparos impactaron en la cabeza de Betty. El autobús se estampó contra un depósito de agua. Quince músicos muertos, incluido John Frazier, saxofonista y manager de la orquesta que aún agonizaba cuando se acercaron los asesinos para rematarlo.
—Ya te dijimos que no firmaras ese contrato —dijo uno de ellos.
—Ya… sabes… cómo está… todo —contestó Frazier, moribundo.
—¡Sois unos traidores! —gritó otro apuntándole con el arma.
—Mis músicos… tenían… que comer.
—Sí, pero no a ese precio, no con esas condiciones. Prostituyendo a Betty.
—Betty… estuvo de acuerdo… con la cláusula.
—Por eso también la matamos… —dijo uno que acababa de llegar, antes de dispararle.

Era el pianista Sam Hammond, delegado del sindicato de músicos.

…por Daniel Higiénico

Ilustración: Pato Conde

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